Las 10 últimas películas que triunfaron en Sundance

No podríamos entender el cine independiente americano sin el Festival de Sundance. Un certamen que año tras año sirve de escaparate para las mejores películas independientes del país. Facilitando, de esta forma, la irrupción de nuevos cineastas, profesionales e intérpretes. Insuflando talento ya no sólo al cine indie, sino también a la industria audiovisual estadounidense en general. Aprovechamos el estreno en España de Me and Earl and the Dying Girl (cuyo título español es Yo, Él y Raquel), para hacer un repaso a las diez últimas ganadoras del Gran Premio del Jurado, el máximo galardón del festival. A lo largo de esta última década, Sundance se ha consolidado como uno de los festivales más importantes e interesantes del mundo.

 

precious210. Precious (Lee Daniels, 2009)

Negar la trascendencia de Precious sería un error mayúsculo. No tanto a nivel cinematográfico, sino cultural, incluso social, Precious es una película que tuvo un gran impacto. El segundo film de Lee Daniels narraba la dura vida de una adolescente negra y obesa que era maltratada por su madre y que se evadía de su sufrida existencia a través de ensoñaciones. La película es dura, desagradable y emotiva. Mejor escrita e interpretada (Gabourey Sidibe y Mo’nique están sensacionales) que dirigida. Rabiosamente feísta, salpicada de unas secuencias ensoñadas delirantes. Precious fue la carta de presentación para el mundo de Lee Daniels, un director excesivo que está ahora mismo en la cresta de la ola, sobre todo gracias a la televisiva Empire. ¿Quién no ha sufrido en algún momento de su vida como Precious? La Academia de Hollywood reconoció a este fenómeno indie dándole el Oscar al mejor guion adaptado y a la mejor actriz de reparto (Mo’nique) y nominándolo en otras cuatro categorías (película, director, actriz y montaje).


Captura de pantalla 2015-10-06 15.30.409. Padre nuestro (Christopher Zalla, 2007)

Frente a films bienintencionados como A Better Life de Chris Weitz, Padre Nuestro aborda de una forma oscura y pesimista no ya el drama de la inmigración ilegal en Estados Unidos, sino lo terrible que es estar solo en medio de la adversidad. Caminamos hacia una sociedad en la que el individuo, solo e incomunicado, debe luchar por su supervivencia rodeado de amenazas. La ópera prima de Zalla es un film seco y sucio, que se mueve con destreza por las sombras tanto formal como temáticamente. Aún a día de hoy, casi una década después, Padre Nuestro sigue siendo una de las películas más interesantes y realistas sobre la inmigración ilegal en USA. No es una historia sobre el sueño americano, sino sobre cómo éste puede convertirse en una pesadilla.


Fruitvale8. Fruitvale Station (Ryan Coogler, 2013)

Este drama social urbano sigue a un joven negro a lo largo de todo un día por su deambular vital. Conocemos a su novia, a su hija y a su madre. Nos metemos a fondo en su día a día hasta llegar al final del recorrido: Fruitvale Station. El gran atractivo de la ópera prima de Coogler no es tanto su calidad cinematográfica como su relevancia y pertinencia histórica. El abuso policial contra ciudadanos negros, que en muchas ocasiones desemboca en asesinato, es un drama de rabiosa actualidad y que menoscaba el principio sagrado de la igualdad ante la ley de toda la ciudadanía. El film no acaba de abordar el problema con la hondura necesaria, pero es un documento interesante que alimenta el debate. Lo mejor es su protagonista y cómo rueda Coogler los últimos 15 minutos del film.


quincea7. Quinceañera (Richard Glatzer y Wash Westmoreland, 2006)

Pasamos de un drama social a otro, en esta ocasión protagonizado por latinos. Quinceañera aborda el conflicto entre las convicciones sociales conservadoras de muchos padres y el ansia de libertad de sus hijos. Lo hace, y este es su mayor logro, con mucho cariño y sensibilidad. El film retrata con mucho respeto a sus protagonistas, una quinceañera embarazada y su primo gay. La familia, campo de batalla y refugio. Quizás sea, de las 10 últimas ganadoras del Gran Premio del Jurado de Sundance, la que menos repercusión tuvo.


like-crazy-2011-movie-screenshot6. Like crazy (Drake Doremus, 2011)

A menudo decimos que cometemos muchas locuras por amor. Es uno de los sentimientos humanos más incontrolables. Por amor, a veces, nos empeñamos en vencer a la lógica. En este drama romántico dos jóvenes se enamoran, son felices, se ven obligados a separarse físicamente y a partir de ahí luchan por mantenerse unidos. En el mundo globalizado en el que vivimos, las relaciones a distancia se han convertido en una tónica habitual. ¿Se puede sostener una relación viviendo separados? ¿Se puede estar incondicionalmente al lado de alguien sin estarlo físicamente? Aún estoy intentando averiguarlo.


Winter-s-Bone-image-winters-bone-36634762-1920-10805. Winter’s Bone (Debra Granik, 2010)

Aunque pueda parecer que conocemos a Jennifer Lawrence desde hace mucho tiempo, lo cierto es que la primera vez que muchos nos fijamos en ella fue en este thriller grisáceo, que comenzó su brillante carrera en la gélida Sundance. Aquí nació la actriz de carácter, que terminaría por convertirse en una de las grandes estrellas de Hollywood (y de Tumblr). Lawrence interpreta a una adolescente obligada por las circunstancias a ejercer de cabeza de familia. Mientras busca desesperadamente a su padre se va sumergiendo en los ambientes más turbios de esa América white-trash a la que Hollywood no suele prestar atención. Esa América que vive en caravanas, sobrevive violando a la ley y se mantiene aparte de una sociedad que la ha abandonado. El film, tras su paso por Sundance, se convertiría en una película de referencia del cine indie y lograría colarse en los Oscar en cuatro categorías importantes (película, actriz, actor de reparto y guion adaptado).


beastshushpuppyauroch4. Beasts of the southern wild (Behn Zeitlin, 2012)

También llegó a los Oscar, Beasts of the southern wild, la particularísima aproximación del director Behn Zeitlin al desastre del Katrina, que destrozó New Orleans y sus alrededores. El cineasta aborda el tema no desde un drama adulto urbano y realista, sino desde los ojos inocentes e imaginativos de una niña que vive junto a su padre en un poblado cercano a la ciudad en pésimas condiciones. Beasts of the southern wild es un ejercicio de realismo mágico sorprendente, a ratos milagroso, a ratos pesado. Una película de culto instantánea. La Academia reconocería la osadía del equipo nominado al film a cuatro Oscar (película, director, actriz y guion adaptado)


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3. Me and Earl and the Dying Girl (Alfonso Gomez-Rejon, 2015)

Los dramas (con tintes de comedia) adolescentes están de moda. Ya sea en su vertiente más mainstream (The Fault in Our Stars, Paper Towns) o más indie (The perks of being a wallflower, The Spectacular Now). Me and Earl and the Dying Girl forma parte del segundo grupo. Esta historia de amistad entre dos adolescentes que nace y se expande mientras ella lucha contra el cáncer, vendría a ser una especie de The Fault in Our Stars escrita (no tanto dirigida) por Wes Anderson. Y el film es mejor cuanto más se parece al cine de Anderson (esas películas, ese instituto, esa amistad entre el protagonista y Earl) y peor en su recta final, más típica. Gomez-Rejon, producto de la factoría Ryan Murphy (sobre todo AHS Asylum y Coven), demuestra en su salto al cine que es un director al que tener muy en cuenta. Su puesta en escena es preciosa.


Melissa-Leo-in-the-film-F-0022. Frozen River (Courtney Hunt, 2008)

Al igual que Winter’s Bone, Frozen River bucea en las miserias de ese mundo rural, plagado de pobreza, drogas y desesperación, dónde millones de americanos luchan por sobrevivir. Eso sí, Frozen River es una obra menos turbadora que la de Debra Granik. Aquí seguimos a una mujer de mediana edad, interpretada por una descomunal Melissa Leo (nominada al Oscar a mejor actriz) sumida en la desesperación, que acaba sumergiéndose en uno de los grandes dramas sociales de los Estados Unidos actuales: la inmigración ilegal. Es una película dura, seca, pero tan bien profundamente humana. Además de la nominación para Leo, logró estar nominada al Oscar al mejor guion original.


635484694866060002-XXX-SIMMONS-WHIPLASH-MOV-JY-3231-678488921. Whiplash (Damien Chazelle, 2014)

¿Un drama psicológico indie puede llegar a todo tipo de público? Sí, puede. Whiplash es una película que puede dejar boquiabierto a cualquier tipo de espectador, básicamente porque es un tour de force adranalítico. Un profesor de música tiránico (JK Simmons, da mucho miedo) y un alumno de batería obsesivo (Miles Teller, no se queda atrás) se enfrentan, sin tregua, en aras de la perfección. Dos psicópatas zurrándose a golpes y a notas. Whiplash es visual y sonoramente una obra descomunal. Y temáticamente es un agrio vistazo al lado más perverso del sueño americano. Era el éxito, estúpido. Si no logras ser el mejor, no eres nadie, no te mereces nada. Hazlo o no lo hagas, pero no lo intentes, que diría el maestro Yoda de Star Wars. La penúltima vencedora del Festival de Sundance, es un film que hay que ver porque es una experiencia audiovisual total. Una película que sangra, suda y escupe. Una película que parece un ser vivo y autónomo. Un milagro. La Academia la recompensó con tres Oscar (actor de reparto, montaje y mezcla de sonido) y otras dos nominaciones (película y guion adaptado).

Luís Ogando
Luís Ogando

Redactor

Periodista que no ejerce, doctorando a medio cocinar, picapleitos a largo plazo. Me crié en el ala oeste de una cueva que estaba a dos metro bajo tierra. Heredero natural de la loca de los gatos. Todo es mejor con queso y/o Allison Janney de por medio.

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