Las 10 mejores frases del cine LGTBI

A lo largo de las décadas, cientos de films protagonizados por personajes LGTBI nos han dejado secuencias, conversaciones y frases memorables. Aprovechando la celebración del Orgullo, repasamos algunas de esas palabras que se han clavado en la memoria colectiva, por haber sabido reflejar los sentimientos o las ideas de millones de personas en el mundo.

10. “Esta sociedad valora más mi libertad que su hipocresía” – La mala educación

La mala educación

En un brillante ejercicio metacinematográfico, Almodóvar propone en La mala educación, una de sus películas más oscuras y retorcidas, la disolución de las barreras entre el cine y la vida. Así, el protagonista, un joven cineasta, reconstruye su pasado para parir una ficción que termina por mezclase, inexorablemente con su presente. En una de las secuencias que está rodando, el protagonista de esa película dentro de la película le dice al director pederasta de un colegio de curas: “esta sociedad valora más mi libertad que su hipocresía”. Toda una declaración de intenciones de un cineasta que ha intentado fotografiar la evolución del país desde la Transición hasta nuestros días. Ojalá fuera cierto.

9. “Siento que estoy fingiendo en todo, soy yo a la que le falta algo” – La vie d’Adèle

Adele

Adèle es una adolescente perdida en la nadería existencial. No sabe quién es ni qué quiere. No sabe, ni si quiere algo. Y de repente irrumpe en su vida, como un sol resplandeciente en medio del invierno, Emma. Y la sacude por completo. Adèle refleja la terrible sensación de sentirse vacío, de tener que esforzarse por encajar, de intentar disimular que no sabes quién eres ni a dónde vas. Una terrible angustia social y vital que te carcome por dentro.

8. “Volvamos a empezar“ – Happy Together

Happy Together

Cada vez que la convulsa relación entre Lai y Ho se quiebra, el segundo acaba pidiéndole al primero volver a empezar. Un reset. Sin embargo, es imposible que los humanos borremos todo lo que hemos experimentado y comencemos de nuevo, de forma inmaculada. Cada vez que Lai y Ho vuelven a empezar lo hacen cargando en su interior, y por lo tanto en el propio corazón de su relación, todo el dolor que se han hecho mutuamente. Happy Together aborda la incapacidad de asumir que una relación se muere, que reanimarla una y otra vez es una forma de encarcelarnos a nosotros mismos y a la persona que amamos. A menudo no se puede volver a empezar.

7. “Sí, me pongo crema base. Sí, vivo con un hombre. Sí, soy un marica de mediana edad… pero sé quién soy” – The Birdcage

Una jaula de grillos

En esta lista hay varias personas que no saben quién son, qué desean, hacia dónde van. No es el caso de los protagonistas de esta divertidísima comedia de enredo, que sí, tira de estereotipos, pero lo hace para reivindicar la libertad de cada uno para vivir la vida que quiere vivir. Dos hombres maduros tienen que lidiar con la familia conservadora de la futura esposa del hijo de uno de ellos. El resultado es, obviamente, un encuentro plagado de desencuentros. Frente a los ataques, las ansias de libertad. Frente a la incomprensión, la reivindicación y el orgullo.

6. “El matrimonio es duro. Dos personas, año tras año. A veces dejas de ver a la otra persona” – The kids are all right

The kids are all right

El matrimonio homosexual ha cumplido ya una década en España y en Estados Unidos la Corte Suprema dictaminó que era ilegal prohibirlo hace un año. Hasta ahora pocos films protagonizados por personajes LGTBI se han aproximado a esta institución social (y legal). En The kids are all right, Lisa Cholodenko retrata la crisis de una pareja que lleva varias décadas junta. La estabilidad en la que viven se quiebra cuando irrumpe en sus vidas el padre biológico de sus hijos. Y todo lo que parecía sólido, de repente, se vuelve líquido. Las rutinas a veces conducen a la invisibilización. Nada es indestructible.

5. «No hay nada peor que una causa perdida» – Pride

Pride

Lo único que evita que una causa se considere perdida es que siga habiendo gente en pie dispuesta a luchar por ella. En un contexto sociopolítico tan convulso como en el que vivimos, es importante mantener el idealismo. En Pride, Matthew Warchus, relata la unión que se estableció en el plúmbeo Reino Unido de Margaret Thatcher entre dos grupos sociales vulnerabilizados: los mineros y los homosexuales. Pride nos recuerda que la unión hace la fuerza, que la comunicación nos ayuda a comprendernos mutuamente y que la política se hace en la calle, en los bares, a través el contacto humano. No, no hay nada peor que una causa que se da por perdida.

4. “Ojalá supiera cómo dejarte” –  Brokeback Mountain

Brokeback

Brokeback Mountain es uno de los últimos grandes clásicos que ha parido el cine americano. Este drama romántico que sigue a dos cowboys obligados a vivir su amor en la lejanía y el secretismo, está lleno de frases lapidarias y de secuencias estremecedoras. En una de las discusiones que mantienen los protagonistas, que empiezan a ser conscientes del daño que se están haciendo mutuamente, Jack Twist le dice a Ennis del Mar “ojalá supiera cómo dejarte”. ¿Hasta que punto nos compensa amar cuando ello implica más sufrimiento que felicidad? No somos tan racionales cómo nos gustaría creer que somos. No es fácil dejar atrás los sentimientos, por mucho que nos destruya tenerlos.

3. “No sé nada, no sé qué quiero. ¿Cómo podría cuando todo lo que hago es decir que sí a todo?” – Carol

Carol

No estamos educados para saber decir que no. Quizás parezca una nimiedad, pero saber decir que  no es algo fundamental para poder sobrevivir en este mundo. Si todo el rato dices que sí a todo lo que te proponen (o imponen), acabarás por deshacerte, terminarás por no saber quién eres y qué quieres en realidad. El problema de Therese es que nunca ha dicho que no a nada y al final ha terminado por no saber quién es. Sólo al lado de Carol sus síes parecen tener sentido, no ser meras afirmaciones de su pasividad. Pero incluso cuando le dice «sí» a Carol, duda de si ese sí está asociado a lo que realmente desea o simplemente se deja llevar. Carol nos recuerda que la vida es demasiado corta y volátil cómo para dejarnos llevar. Vivir también implica saber decir que no.

2. “Me gustaría que por una vez me miraran y me vieran a mí. Nada más. Sólo que me vieran a mí” – Transamerica

Transamerica

La transfobia es uno de los grandes problemas sociales que se interponen en el camino de la igualdad. Aún a día de hoy, las personas trans tienen que hacer frente al odio y al rechazo de una importante parte de la población, que las sustantiviza y las etiqueta. Mucha gente es incapaz de ver más allá de sus propios prejuicios. Cuando la protagonista de Transamerica pide, en un grito ahogado, que la miren por quién es, por lo que hace, por lo que piensa, por lo que siente, pide, en definitiva, que no la vean como una mera etiqueta vacía. Nuestro género es una parte importante de nosotros mismos. Nuestra sexualidad también. Pero los humanos somos mucho más que eso. Somos cuerpos cargados de contenido, de pasiones y de emociones. No se nos puede sustantivizar.

1. “Mi nombre es Harvey Milk y vengo a reclutaros” – Milk

Milk

El primer cargo público abiertamente homosexual de Estados Unidos es un emblema del colectivo LGTBI y una inspiración para aquellos que luchan por los derechos de todas las personas y por las libertades civiles. En el biopic de Gus Van Sant podemos ver cómo Harvey Milk montó desde la nada una sólida maquinaria activista, para ello fue reclutando a personas a su causa por todo San Francisco. «Mi nombre es Harvey Milk y vengo a reclutaros» viene a darle la vuelta a una de las imágenes más icónicas de Estados Unidos: el póster del tío Sam, con el que se reclutaba a los soldados. El Orgullo LGTBI más que una celebración debe ser un recordatorio de todo el camino que se ha transitado y de todo el que queda por recorrer.

¿Con qué actor/actriz de cine clásico tendrías una ‘First Date’?

El cine de ahora no es como el de antes. Y para saber eso, no hace falta que seamos expertos. Reconozcámoslo. A todos nos hubiese encantado vivir esa época del cine dorado de Hollywood. Colgar pósters de Marilyn Monroe y James Dean en nuestra habitación cual Blanca Suárez y Mario Casas del momento, o pedirle a Paul Newman que te firme un pecho. Una fiebre fan en los años de Grease.

Pero, ¿qué pasaría si fuésemos un poco más allá? Si nuestra locura trascendiese el fanatismo convencional e igualase o superase a la fiebre belieber. «¿Cómo serían nuestros hijos?» «¿Dónde celebraríamos nuestra boda?» o «¿De qué hablaríamos en una primera cita?» serían preguntas que rondarían nuestra enfermiza cabeza. Por ello, nosotros, alimentando la locura teenager y al más puro estilo Carlos Sobera en ‘First Dates’, te contamos cómo sería tener una cita con los actorazos más top del blanco y negro.


Marilyn Monroe

Llegaría tarde. Sí, no te queda más remedio que aceptarlo. Pero posiblemente fueses la envidia del restaurante. Contornearía sus caderas de manera apresurada y conjuntaría sus diamantes con una sonrisa curiosa y sensual. No podría ser de otra manera. Luego, con la segunda copa, te reconocería que en realidad lleva ya cuatro maridos, y que bueno, en realidad viene al programa a vivir la experiencia. Pero, lo siento. Aunque tus fotos de Instagram sobrepasen el límite del divismo en likes, no eres suficiente para ella. Así que, siempre con una sonrisa, se levantará y puede que incluso te dedique un hasta nunqui tan sexy como jamás lo habrías oído.


James Dean

Qué podemos decir de este rebelde sin causa. Prácticamente no podrías ni cenar. Te dedicaría miraditas intensas durante toda la velada, y te conquistaría al primer «sueña como si fueras a vivir para siempre. Vive como si fueras a morir hoy». En ese momento concreto, posiblemente tus bragas/calzoncillos caerían automáticamente al suelo. Volverías a su casa pensando en su olor, en su pelo y en su sonrisa y te volverías Jamesdeanómano/a. Pero tranquilo/a, de toda droga se sale.


Audrey Hepburn

Con Audrey no podrías pensar solo en el sexo. Con Audrey sería inevitable sentar la cabeza, abrazarla fuerte y presentarla en sociedad en la boda de tu prima la de Ciudad Real. Sí, todos la querrían. Descubriste que estabas enamorado de ella cuando, en vuestra primera cita, reconoció humildemente su labor humanitaria. Te miró con sus ojos solo decorados por una fina raya negra que se clavaron en tu pequeño y oxidado corazón, que hasta ahora solo pensaba en otras cosas, y te conquistó. ¿Qué más se puede decir?


Paul Newman

Paul Newman es el chico del que tu abuela presumiría en la peluquería mientras se chupa la yema del dedo corazón para cambiar de hoja de la Pronto. Paul es de esos que te abren la puerta y te dejan pasar. De los que, para ganarse el respeto de la suegra, engullen felizmente unas lentejas estofadas e incluso, ojo, que esto es amor verdadero, repite. Pero en esta primera cita, los nervios posiblemente te jugasen una mala pasada. No podrás evitar temblar cuando te ofrezca vino, y con los nervios, dirás millones de tonterías que acentúan tu incontinencia verbal. Pero poco a poco te hará entrar en calor, y te preguntará por tu ideología política o tu compromiso con la sociedad. De ahí, lo que respondas, ya depende de ti… #YoNoDigoNada


Y tú, ¿con cuál te quedas?

Las 10 mejores películas latinoamericanas LGTBI

Si hace 2 semanas repasábamos 10 de los films protagonizados por personajes LGTBI más relevantes del cine español, esta semana os traemos otras tantas películas latinoamericanas. Cabe destacar que en el caso de las cinematografías de América Latina, la aplastante mayoría de los films queer están protagonizados por hombres homosexuales, invisibilizándose a las mujeres lesbianas y a las personas transexuales e intergénero. Como consecuencia de ello la siguiente lista está poblada, sobre todo, por personajes masculinos. Las raíces del patriarcado llegan hasta al queer cinema.

10. Plata quemada (Marcelo Piñeyro, 2000)

Plata Quemada

Un grupo de delincuentes lleva a cabo un atraco que no sale demasiado bien, se refugian en un piso y lo que en principio era un thriller de atracos, termina por convertirse en un drama psicológico. La relación de amor entre dos de los atracadores se ve enturbiada por el encierro, la desconfianza y la aparición de un nuevo personaje en el cóctel. Piñeyro acerca el cine queer a un género cinematográfico que a priori debería resultarle alejado, siguiendo el rastro de la icónica Tarde de perros de Sidney Lumet, para construir una obra claustrofóbica en la que la tensión emocional y sexual siempre está a punto de saltar por los aires.


9. Pelo malo (Mariana Rondón, 2013)

Pelo malo

Un niño quiere alisarse su rizado pelo, ello lo lleva a enfrentarse a su madre, que ve en ello un indicio de la posible homosexualidad del niño. Pelo malo, ganadora de la Concha de Oro en el Festival de Donostia, es un crudo retrato de lo intrincada que está la homofobia en muchas sociedades, y de cómo la misma carcome hasta lo más puro: el amor que una madre debería sentir por su hijo. Al mismo tiempo, la obra de Rondón es un excelente análisis de la pobreza y el miedo, y el rechazo que ello conlleva, a lo diferente. Este film venezolano es cine social, valiente y comprometido y junto a la más convencional Azul no tan rosa, vino a introducir las problemáticas queer en la cinematografía del país.


8. El tercero (Rodrigo Guerrero, 2014)

El tercero

Una pareja hace un trío con otro hombre. A lo largo de su largo encuentro el film reflexiona sobre el amor, el sexo, el deseo y el cariño. Cuatro sentimientos fundamentales para las personas. En un mundo en el que los tipos de relaciones humanas se han diversificado, fusionado, confundido y mutado, El tercero presenta una reflexión tranquila y sencilla sobre qué sentimos y cómo lo sentimos. Es una película intencionadamente pequeña, pero que te remueve por dentro.


7. El lugar sin límites (Arturo Ripstein, 1977)

El lugar sin límites

El mexicano Arturo Ripstein, uno de los cineastas latinoamericanos más prestigiosos de todos los tiempos, se acercó al cine queer en 1977 adaptando una novela de José Donoso. El lugar sin límites se centra en dos prostitutas que malviven en un pequeño pueblo, la Manuela, transexual y la Japonesita. Ripstein se viste de Fassbinder para reflexionar sobre las cuestiones de género, el machismo, la vida rural y el caciquismo. Una obra transgresora y arriesgada, ejecutada en un tiempo en el que este tipo de personajes eran totalmente invisibilizados.


6. Contracorriente (Javier Fuentes-León, 2009)

Contracorriente

Una historia de fantasmas protagonizada por dos hombres que se aman en la costa peruana. Un drama familiar. Un triángulo amoroso. Eso y mucho más es Contracorriente, una obra tierna y sensible sobre el amor y la imposibilidad de amar y ser feliz. Vivir con miedo es una sensación terrible, prácticamente insoportable. Contracorriente nos recuerda que amar no debería darnos miedo, que la sociedad no debería insuflar un sentimiento tan terrible en uno tan puro. Contracorriente es a la vez cine queer y cine de género, una película peculiar y entrañable.


5. Hoje eu quero voltar sozinho (Daniel Ribeiro, 2014)

Hoje eu quero voltar sozinho

Un chico ciego comienza una amistad con un compañero de clase nuevo. Dicha amistad se estrecha y evoluciona hasta que surge el amor. Hoje eu quero voltar sozinho es una de las películas más tiernas y naturales que se han rodado en los últimos tiempos. Un film que te deja con una sonrisa y una recobrada fe en el ser humano. A menudo nos olvidamos de que una historia sencilla, bien contada, puede calar hondo. Hoje eu quero voltar sozinho nos lo recuerda.


4. Desde allá (Lorenzo Vigas, 2015)

Desde allá

La última ganadora del León de Oro del Festival de Venecia es un thriller psicológico oscurísimo que sigue la perversa y compleja relación que se establece entre un ortodoncista maduro y un joven delincuente. Vigas construye una obra amarga sobre el deseo, la dominación y la manipulación, todo ello en medio de una Caracas sucia y caótica. La soledad urbana del mundo actual está generando monstruos. ¡Cuán terrible es estar solo!


3. XXY (Lucía Puenzo, 2007)

XXY

La primera película de la cineasta Lucía Puenzo es una lúcida reflexión sobre la identidad de género, sobre el deseo, y sobre la maduración vital. Un coming of age atípico que sigue a una chica hermafrodita en su viaje de autodescubrimiento. A través de una historia de una historia de amor imposible y del miedo de unos padres angustiados, XXY nos hace cuestionarnos el concepto de género, ¿qué es ser hombre? ¿qué es ser mujer? ¿tiene que ser todo blanco o negro? ¿por qué tememos tanto a lo que no entendemos? Tan dura como tierna. Una película apasionante que ganó el Goya a la mejor película hispanoamericana.


2. Fresa y Chocolate (Tomás G. Alea y Juan Carlos Tabío, 1993)

Fresa y chocolate

Un joven comunista, que sigue a raja tabla los postulados del castrismo, se hace amigo de un artista abiertamente homosexualidad acosado por ello mismo por el régimen. Fresa y Chocolate dibuja una Cuba lastrada por las propias contradicciones de su régimen sociopolítico, y lo hace a través de un retrato tierno y delicado de una amistad a priori imposible. Tenemos mucho que aprender los unos de los otros, incluso de aquellos que hacen que nos cuestionemos todo en lo que creemos, o quizás, precisamente, sobre todo tenemos que aprender de esas personas. Un film decididamente humanista que logró la nominación al Oscar a la mejor película de habla no inglesa.


1. Y tu mamá también (Alfonso Cuarón, 2001)

Y tu mamá también

Dos amigos se lanzan a un viaje en coche acompañados por una española treinteañera a la que los dos desean. Durante el viaje, desde Ciudad de México a la costa, conocen su país, conocen a su acompañante, se conocen entre ellos y se conocen a sí mismos, y lo que encuentran al final del camino, no es el mar, o no sólo, sino sobre todo los sentimientos y deseos que tenían soterrados en el interior de sus almas. Y tu mamá también es un viaje iniciático hacia nuestros miedos. Un canto hermoso a la vida, o más bien, a lo poderoso que resulta sentirse vivo. También es un film amargo. Aún queda mucho por amar. La sociedad y nosotros mismos nos impedimos a menudo ser felices. Alfonso y Carlos Cuarón estuvieron nominados al Oscar al mejor guion original, el film lanzó a la fama a Gael García Bernal y Diego Luna, y Maribel Verdú jamás estuvo mejor, componiendo una interpretación compleja y llena de matices.

¿Qué películas verás en la Fiesta del cine?

El próximo lunes 9, martes 10 y miércoles 11 de mayo se celebrará, de nuevo, la Fiesta del Cine. Durante esos tres días, se proyectarán las películas por el precio de 2.90 euros. ¿Qué tienes que hacer para poder disfrutar de la oferta? Rellenar los datos en esta página y adquirir tu propia acreditación, la cual deberás presentar en las taquillas de tu cine.

Ahora bien, sabemos que lo más difícil es elegir qué películas ver en esos días; para ello, hemos reunido los trailers de las 37 películas que se proyectarán para que salgas de dudas. Eso sí, no te olvides de votar por aquéllas que no te perderás, así descubriremos cuáles serán las más vistas.

¿Te animas? ¡Echa un vistazo!

Las 10 mejores películas españolas LGTBI

La censura existente en la represora dictadura franquista, provocó que muchos temas, problemáticas y colectivos fueran invisibilizados por la cultura de masas. Una vez restaurada la democracia, el cine español ha ido abriendo sus temáticas, construyendo un relato de la sociedad española más plural. En los últimos 40 años se han explorado nuevos géneros (como la ciencia ficción, por ejemplo) y se ha dado cabida a colectivos largamente vulnerabilizados. Uno de ellos ha sido el colectivo LGTBI. Aún queda mucho camino por recorrer, pero las 10 películas que presentamos a continuación han construido retratos interesantes de personajes LGTBI.

10. Cachorro (Miguel Albaladejo, 2004)

Cachorro

Un dentista (José Luis García Pérez) tiene que hacerse cargo de su sobrino mientras su hermana está de viaje. El hombre se encuentra en la disyuntiva entre mantener su modo de vida habitual, con relaciones esporádicas y despreocupaciones familiares y hacerse cargo del chaval, que sin embargo se amolda a las dinámicas vitales de su tío con toda normalidad. Cachorro es una comedia graciosa y dulce sobre el respeto mutuo y el cariño que profesamos a nuestros seres queridos.


9. Amic/Amat (Ventura Pons, 1999)

Amic-Amat

Ventura Pons es uno de los cineastas queer españoles más relevantes de la historia de nuestro cine. El director catalán ha abordado conflictos ligados a la homosexualidad en muchos de sus films. De todos ellos quizás el más estimulante sea Amic/Amat, un film oscuro que sigue a un profesor universitario moribundo, que se prepara para fallecer y en el proceso se obsesiona con un alumno que trabaja como chapero. Entre ambos se establece una relación perversa mientras el profesor se deshace ante nuestros ojos.


8. Un hombre llamado flor de otoño (Pedro Olea, 1978)

Un hombre llamado flor de otoño

En las postrimerías del franquismo, en el mismo año en que se aprobaba la Constitución actualmente vigente, José Sacristán se travestía en este film de Pedro Olea, abriendo las puertas a un retrato explícito de la comunidad LGTBI en nuestro país. Un anarquista catalán de los años 20 trabaja de abogado de día y es la estrella de un cabaret de noche. Pedro Olea y Rafael Azona se acercan al conficto identitario, pero también a un país a punto de saltar en mil pedazos, dónde el conservadurismo y las ansias de libertad están condenados a chocar salvajemente. José Sacristán, uno de los actores españoles más grandes de todos los tiempos, está inmenso.


7. El cónsul de Sodoma (Sigfrid Monleón, 2009)

el consul de sodoma

Jaime Gil de Biedma es uno de los grandes literatos españoles de la segunda mitad del S.XX. El cónsul de Sodoma es una aproximación a la vida de un hombre complejo que vivió en tiempos convulsos. Sexo, política, vida social y literatura se funden en una personalidad absorbente. Jordi Mollá es el encargado de dar vida a Gil de Biedma, mientras la cámara de Sigfrid Monleón intenta retratar no sólo a un hombre, sino a su época, a su entorno, al caldo de cultivo que se estaba cocinando en las entrañas de un régimen podrido.


6. La muerte de Mikel (Imanol Uribe, 1983)

La muerte de Mikel

Imanol Uribe, el cineasta español que de forma más asidua y contundente ha abordado el terrorismo de ETA y la situación político-social de Euskadi, construyó en La muerte de Mikel un thriller decadente y escurridizo. Un farmacéutico infelizmente casado (Imanol Arias) comienza una relación con un travesti, en el convulso Euskadi de principios de los 80. A partir de esta premisa Uribe retrata una sociedad llena de contradicciones y un país dónde la violencia está al orden del día.


5. Krámpack (Cesc Gay, 2000)

Krampack

El último ganador del Goya al mejor director por Truman, el catalán Cesc Gay, había dado ya muestras de todo su talento en su primera película en solitario, Krámpack, el viaje iniciático de dos adolescentes que pasan juntos un verano en una casa en la playa. Pocas veces el cine español ha retratado con tanta sutileza y profundidad el despertar sexual, los conflictos identitarios y la delgada línea roja entre el amor y la fascinación. Krámpack es una película sobre adolescentes muy madura.


4. Extramuros (Mario Picazo, 1985)

Extramuros

Hace 10 días falleció el cineasta Mario Picazo, director de un clásico del cine español como es La tía Tula y el hombre encargado de plasmar en imágenes la novela de Jesús Fernández Santos, Extramuros. El film, ambientado en la época de la Inquisición, narra los esfuerzos de una monja (Mercedes Sampietro) por impedir que cierren el convento dónde vive junto a la mujer que ama (Carmen Maura). Para ello simulará la aparición de estigmas por su cuerpo y emprenderá una batalla sin cuartel contra la madre superiora de la congregación (Aurora Bautista). Extramuros es un relato cargado de odio, amor, deseo, celos y perversas dinámicas de poder.


3. El diputado (Eloy de la Iglesia, 1978)

El diputado

Eloy de la Iglesia, el maestro del cine quinqui, ha pasado a la historia como uno de los directores más valientes e incómodos del cine español. En El diputado traza un thriller político retorcido y violento, ambientado en medio de la Transición. Un joven y prometedor diputado de izquierdas (José Sacristán) está a punto de alcanzar el liderazgo de su partido, sin embargo, es chantajeado por sus adversarios políticos de extrema derecha, que amenazan con hacer pública su homosexualidad. El diputado es un drama político de altura y un retrato salvaje del poder y de las entrañas más oscuras del sistema.


2. La mala educación (Pedro Almodóvar 2004)

La mala educación

Prácticamente toda la filmografía de Pedro Almodóvar ha reflexionado abiertamente sobre la identidad y la sexualidad. La mala educación, uno de sus films más agrios, no podría ser menos. Esta historia de cine dentro del cine, pederastia institucionalizada y hombres rotos es una de las películas más incómodas del director manchego. Dos niños se enamoran en un internado y lo que pasa a partir de ahí es una historia de fatalidad e infelicidad. Un thriller cosido por giros de guion bien construidos y poblado por personajes cargados de dolor, odio y culpa.


1. 80 egunean (José María Goenaga y Jon Garaña, 2010)

80 egunean

El amor en la tercera edad, el retorno del pasado, la irrupción de sentimientos que se habían sepultado durante años… De todo ello habla 80 egunean, la primera película de ficción del tándem José María Goenaga/Jon Garaña. Dos amigas de la adolescencia se reencuentran cuando la vejez llama a sus puertas. Entre ambas rebrotan fuertes sentimientos y una gran complicidad, sin embargo cuando una de ellas descubre que la otra es lesbiana, su mundo se resquebraja. 80 egunean es uno obra tierna, lúcida y sincera sobre el amor y el miedo a amar.

El universo Disney en carne y hueso

Disney ha decidido tirar el castillo por el ventanal y desvelarnos su agenda de próximos estrenos de cintas de acción real. No sabemos por qué, pero estos últimos años se ha visto en la necesidad de adaptar todo lo adaptable y exprimir al máximo los cuentos clásicos de siempre. Y aunque nos han revelado títulos, directores e incluso actores protagonistas, aún no sueltan prenda sobre el argumento de sus próximas películas. Por ello, hemos decidido aventurarnos sobre posibles (o imposibles) argumentos y tramas de las más destacables historias Disney.

Cruella

09134711648006

En la cinta, a través de un perfecto acento británico y posh, deberían mostrarnos qué le llevó a la gran Cruella de Vila tal punto de esquizofrenia descontrolada. Y es que la pobre malvada pertenece a ese grupo de jóvenes con madres que hiperventilan cada vez que alguien pisa la cocina cuando está recién fregada, suelta migas en el sofá o no hace la cama nada más levantarse. Y por supuesto, ese tipo de madres son las que jamás te permitirán tener un perro porque “hija, yo no me voy a pasar todo el día barriendo pelos”. Claro, así la pobre acabó como acabó…Pero bueno, ya os digo que, sea como sea, si aparece Emma Stone, va a merecer la pena.


Campanilla

Recientemente se confirmaba que Reese Witherspoon se cubriría de polvo de hadas para ponerse en la piel de la compañera de Peter Pan. Y nos encantaría que la película contase la historia que hay detrás de la sonrisa falsa de esta hada celosa, posesiva y retorcida. Una mujer que en sus años de instituto se tatuaba enredaderas en el tobillo, tenía un cojín con el conejo de Playboy y en Tuenti se llamaba “CampanillaH MiiShaaDitaS OsQ”. Sí, fueron tantas las noches en Fabrik, fueron tantos botellones en el parque a las cinco de la tarde y fue tal el chonismo extremo al que llegó, que Campanilla se saturó y tuvo que desconectar, volando al País de Nunca Jamás y encontrándose con el joven Pedro. ¿Sería o no sería genial?


Dumbo

Dirigiéndolo Tim Burton, podemos esperar cualquier cosa (cualquier cosa impresionantemente preciosa, claro está). Pero si adaptan a la acción real la que posiblemente sea una de las películas más aburridas de los clásicos Disney, deberían aprovechar la denuncia social sobre el maltrato animal que todos esperamos. La historia de un circo corrupto y gris que maltrata a un pobre elefante orejudo en tres dimensiones y con un final triste de los que hace reflexionar y querer abrazar a tu perro (si tu madre no es como la madre de Cruella).


Mary Poppins

Y mi pregunta es: si Mary Poppins ya es una película insuperable y prácticamente perfecta en todo, ¿por qué tienen que hacer una secuela 50 años después? De verdad, Disney, no era necesario. Pero bueno, si tanto os empeñáis, por lo menos me alegra saber que cuenta con la genial Emily Blunt en la piel de Mary Poppins. Así, por lo menos, siendo ella, nos aseguramos de que va a hacer algo decente sin conseguir que medio mundo tenga ganas de apedrearla. Aun así, si cometen el error de lanzar una secuela de este gran clásico, que por lo menos le den un enfoque totalmente distinto, quizá de misterio, en un Londres lleno de niebla y sombras, en el que se vea la cara B de Mary Poppins: traficante de niños.


Otros estrenos esperados de cine son las segundas partes de El Libro de la Selva, en donde esperamos que superen a la pésima segunda parte de dibujos animados, y Maléfica, donde esperamos ver a una Angelina Jolie tan retocada que no sepamos si la han caracterizado para el personaje o el bótox se lo traía ya de casa.

¿Cuál será el blockbuster del verano 2016?

Este viernes arranca la contienda. El desembarco de la todopoderosa Capitán América: Civil War desencadenará una guerra todavía más encarnizada, la que debe coronar al mayor taquillazo de la época estival. La enésima producción de Marvel da el pistoletazo de salida a la temporada más codiciada de Hollywood, que ya se extiende desde mayo hasta principios de septiembre. El año pasado, con una recaudación de 1.500 millones de euros en todo el mundo, el reinado perteneció a los dinosaurios de Jurassic World, seguidos muy de cerca por Los Vengadores: La era de Ultrón (1.250 millones) y Los minions (1.032 millones). Este 2016 parece imposible de batir el inminente duelo entre el Capitán América e Iron Man, pero un vistazo a los estrenos de verano con los que la industria pretende reventar la taquilla hace prever una lucha encarnizada y puede que algo imprevisible.


X-Men Apocalipsis

Estreno: 20 de mayo

A favor: La tendencia alcista de la saga: Días del futuro pasado (663 millones de euros en todo el mundo) dobló en recaudación internacional a X-Men: Primera generación (313 millones).

En contra: Las imágenes promocionales de esta tercera entrega de la franquicia reseteada en 2011 por Matthew Vaughn hacen prever un bajón significativo de ingenio que ya se percibió en la anterior entrega, dirigida por Bryan Singer.


Alicia a través del espejo

Estreno: 27 de mayo 2016

A favor: Su predecesora, dirigida por Tim Burton, se convirtió en todo un fenómeno inesperado de taquilla, recaudando 910 millones de euros en todo el mundo. Todo ello a pesar de la imaginación en horas bajas de Burton.

En contra: A pesar de contar con el mismo elenco, encabezado por Mia Wasikowska y Johnny Depp, la dirección a cargo de James Bobin, responsable de adaptar sin mucha chispa a Los teleñecos, no presagia nada bueno para una historia de cuento que no parece disponer de mayor recorrido.


Buscando a Dory

Estreno: 22 de junio

A favor: Es una reivindicación histórica de los millones de fans de Buscando a Nemo, que ya en 2003 recaudó la friolera de 829 millones de euros en todo el mundo.

En contra: Las secuelas de Pixar, a excepción de Toy Story, no suelen estar a la altura, tanto en ingenio como en calidad de imagen, de las producciones originales.


Independence day: Contraataque

Estreno: 1 de julio

A favor: Es un hit indiscutible de los años 90, la obra cumbre del director más destructor de Hollywood, un Roland Emmerich que ha encontrado en las catástrofes el filón que (casi) siempre logra reventar las taquillas.

En contra: El rescate de antiguos blockbusters, ya sea en forma de remake o de secuela, no suele funcionar, puede que porque las nuevas generaciones están totalmente desvinculadas de fenómenos que deberían permanecer en la nostalgia (ahí están las nuevas versiones de Robocop y Godzilla para corroborarlo).


La leyenda de Tarzán

Estreno: 22 de julio

A favor: Warner Bros está poniendo toda la carne en el asador para convertirla en un fenómeno. Promoción, despliegue de efectos especiales y un reparto que encabeza Alexander Skarsgard, podrían auparla a lo más alto del podio este verano.

En contra: Un precedente similar que le está ganando terreno por el simple hecho de haber aterrizado antes. No son pocos los que acuden a ver El libro de la selva esperando la aparición del fornido Tarzán. La adaptación de Disney lleva recaudados en sólo diez días 472 millones de euros.


Jason Bourne

Estreno: 29 de julio

A favor: Nunca es tarde para volver a los orígenes. Más si la fórmula funcionaba como un tiro y la última entrega, sin Matt Damon ni Paul Greengrass, hizo saltar las alarmas, convirtiéndose en la menos vista de las cuatro. El regreso del equipo original podría funcionar.

En contra: El filón de Jason Bourne puede que perdiera fuelle con El legado de Bourne, un intento de mantener viva a la gallina de los huevos de oro que, con Jeremy Renner al frente, no terminó de funcionar. El espectador puede que no perdone el resbalón.


Escuadrón suicida

Estreno: 5 de agosto

A favor: Parecía una malísima idea. Sin embargo, gracias al goteo incesante de material promocional, que comenzó con la imagen de Jared Leto reconvertido en el nuevo Joker, el universo DC ha logrado crear un hype que podría dar la campanada esta temporada.

En contra: En el duelo entre Marvel y DC en la gran pantalla, la franquicia que encabezan Batman y Superman sale siempre perjudicada. Su último encontronazo lleva recaudados ‘sólo’ 753 millones de euros.


Cazafantasmas

Estreno: 12 de agosto

A favor: Rescatar una pieza clave del cine comercial de los 80, que forma parte del imaginario colectivo de varias generaciones, no es tarea sencilla. El tráiler desprende fidelidad al original con un aliciente innovador: el protagonismo de grandes figuras femeninas de la comedia.

En contra: Cazafantasmas es más un reducto nostálgico para una gran minoría que un fenómeno de masas. Ya el primer filme, estrenado en 1984, recaudó únicamente 261 millones de euros.


Star trek: más allá

Estreno: 19 de agosto

A favor: La buena mano de J.J. Abrams le ha sentado de fábula a una saga que languidecía sola por la galaxia. Prueba de ello, son los buenos resultados, con tendencia al alza, que han obtenido en taquilla las dos entregas estrenadas hasta la fecha (340 millones en 2009 y 413 en 2013).

En contra: La frescura que insufló Abrams en el reseteo de la franquicia se perdió por el camino en Into the darkness. Además, Star Trek es y seguirá siendo la hermana ignorada de Star Wars.


Ben-Hur

Estreno: 2 de septiembre

A favor: ¿Hacía falta el remake de un clásico que forma parte de la historia del cine y que se mantiene espléndido en el tiempo? Seguramente no, pero los anhelos del gran público a veces son caprichosos y esta nueva versión, aunque sólo sea por comparativa, podría dar el campanazo.

En contra: Precisamente las comparaciones pueden ser odiosas y este nuevo Ben-Hur cargado de cromas y efectos digitales podría provocar el efecto contrario al deseado: un frontal rechazo por parte de los puristas del clásico universal.

10 thrillers españoles imprescindibles

El thriller es un género que ha dado muchas alegrías al cine español en los últimos 20 años, tanto en términos de calidad, como en términos económicos. Consciente de ello, Kike Maíllo, uno de los directores más prometedores de la hornada de cineastas nacidos desde 1975, salta de la ciencia ficción de su ópera prima, Eva, al thriller de acción con Toro, su segundo largometraje, protagonizado por Mario Casas, Luis Tosar y José Sacristán. Producida por Atresmedia, Toro, intentará repetir el éxito de crítica y público cosechado por los 10 thrillers que repasaremos a continuación.

10. Días contados (Imanol Uribe, 1994)

Días contadosEl cineasta vasco Imanol Uribe ha sido el director que de forma más insistente y constante ha intentado reflexionar, a través del cine, sobre el terrorismo de ETA y la situación en Euskadi. En Días contados sigue los pasos de un pistolero etarra hastiado y desencantado, un muerto en vida, un fantasma. Estamos ante un thriller melancólico y reflexivo, interpretado con garra por un reparto sensacional encabezado por Carmelo Gómez y en el que figuran Ruth Gabriel, Javier Bardem, Candela Peña, Pepón Nieto o Elvira Mínguez. A lo largo de esta última semana se ha hablado largo y tendido sobre la entrevista que le hizo Jordi Évole a Arnaldo Otegi en el último programa de Salvados. Aún quedan heridas que supuran en un país lastrado por la violencia. El film de Uribe ganó la Concha de Oro en el Festival de Donostia y 8 premios Goya, incluidos el de mejor película, mejor dirección, mejor guion adaptado y mejor actor protagonista.


9. Grupo 7 (Alberto Rodríguez, 2012)

Grupo 7A finales de los 80 el país se preparaba para dos acontecimientos llamados a hacer historia, los Juegos Olímpicos de Barcelona y la Expo de Sevilla del 92. En ese contexto histórico se sitúa Grupo 7, que narra los esfuerzos de un grupo de policías por limpiar Sevilla de la plaga de las drogas. Una lucha que llevará a estos policías a bordear la ley, cuando no a traspasarla directamente. Grupo 7 nos muestra que la corrupción que asola a la España de 2016 lleva carcomiendo el país desde hace décadas. Quizás, cómo nos enseñaría el propio Rodríguez unos años más tarde, nunca nos deshicimos de la corrupción moral del franquismo. Grupo 7 es un agudo estudio social, un thriller oscuro y un film repleto de acción. Todo en uno.


8. Buried (Rodrigo Cortés, 2010)

BuriedTras llamar la atención con la psicológicamente angustiosa Concursante, Rodrigo Cortés se lanzó a rodar en inglés su segundo film, con un único actor en pantalla, el estadounidense Ryan Reynolds, y con una tumba como escenario. Buried es un thriller opresivo e imaginativo, que narra los esfuerzos de un hombre enterrado vivo por salir con vida de un ataúd, con la única ayuda de un móvil y un mechero. Cortés da una clase de puesta en escena y logra que un film mínimo resulte ser una obra adictiva. Buried explora, con acierto, los límites narrativos del espacio físico.


7. No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizu, 2011)

No habrá paz para los malvadosUn policía corrompido, el ya icónico Santos Trinidad (un brillante José Coronado), se ve inmerso en un triple asesinato y lucha contrarreloj para salir indemne del mismo. No habrá paz para los malvados hace un retrato terrible y fascinante de un Madrid alicaído y de unos tiempos convulsos, bajo la amenaza del terrorismo islamista y coronados por una crisis social galopante. Quizás sea en este dibujo de la ciudad, del sistema policial y judicial y del clima social, dónde el film de Urbizu brilla más. La película logró 6 premios Goya, incluidos los de mejor película, mejor director y mejor actor.


6. La piel que habito (Pedro Almodóvar, 2011)

La piel que habitoAlmodóvar ha jugado con códigos propios del thriller y el cine negro desde los primeros años de su carrera, sin embargo tuvimos que esperar muchos años para que el cineasta rodara su thriller más puro, La piel que habito, una historia de venganza, deshumanización y pérdida de identidad. A veces, debajo de nuestra piel se esconde un monstruo. Un hombre abatido se entrega a la locura y a la sinrazón para crear una piel con la que poder vestir a otros humanos. La piel que habito es una de las obras más oscuras de la filmografía de Almodóvar, llena de giros imposibles y secuencias escalofriantes. Antonio Banderas pocas veces estuvo mejor y Elena Anaya firma una interpretación que roza el milagro.


5. La caja 507 (Enrique Urbizu, 2002)

La caja 507Vista hoy en día, con la perspectiva que da el tiempo, La caja 507 es una de las obras más lúcidas que ha parido el cine español sobre los años del ladrillazo y la burbuja inmobiliaria. Un modesto director de una sucursal bancaria en la Costa del Sol, sufre un atraco y es encerrado en la cámara de su propio banco, descubriendo en la susodicha caja 507 de la misma, unos papeles que lo sumergen en un plan rocambolesco. La caja 507 está rodada con la tensión que un maestro como Urbizu puede dotarle a un film e interpretada con valentía por Antonio Resines y José Coronado. Es un film muy entretenido y que hace un dibujo letal de una España que estaba condenada al colapso, enferma de corrupción y avaricia.


4. Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Díaz Yanes, 1995)

Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muertoAgustín Díaz Yanes debutó en el cine con un thriller protagonizado por mujeres, algo poco habitual en el género, que bebe de películas coetáneas, como las primeras obras de Quentin Tarantino, para crear un relato mafioso trasnacional complejo y emotivo a partes iguales. Victoria Abril y Pilar Bardem dan un recital en una película escrita con precisión e ingenio, que logra sorprender al espectador con cada giro que da la trama. Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto sigue siendo uno de los thrillers más poderosos e imaginativos del cine español.


3. Celda 211 (Daniel Monzón, 2009)

Celda 211En su primer día en su nuevo trabajo un funcionario de prisiones (Alberto Ammann) se ve atrapado en medio de un motín, de tal forma que tiene que hacerse pasar por un preso y ganarse la confianza del líder del mismo, el terrible Malamadre (Luis Tosar). Celda 211 es una película astuta y tensa, con una puesta en escena fantástica a cargo de Daniel Monzón, que explora con atino los claroscuros morales de un hombre atrapado en una situación de vida o muerte. Para la historia ha quedado ya Malamadre, uno de los villanos más fascinantes del cine español. El film logró 8 premios Goya, incluidos los de película, director, actor y guion adaptado y cosechó un enorme éxito en taquilla, que abrió la puerta a que se produjeran más thrillers oscuros.


2. La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014)

La isla mínimaTras visitar la Sevilla pre-Expo del 92, Alberto Rodríguez viajó a la Andalucía profunda de la Transición democrática para bucear en las miserias de un país corrompido moralmente por 40 años de dictadura franquista. De aquellas tormentas, estos lodos, parece susurrarnos esta historia de desapariciones y violaciones, tan sutil como hipnótica. Dos policías antagónicos, tendrán que trabajar juntos para desentrañar una trama criminal que apunta hacia personas importantes de la pequeña comunidad dónde se ven atrapados. La isla mínima juega a ocultar más que mostrar, a sugerir más que a narrar. Es una película escurridiza, fría y extraña. La Transición no fue esa etapa limpia y hermosa que nos han querido vender, fue sucia, incompleta y tramposa. El film logró 10 premios Goya (película, director, guion original, actor…).


1. Tesis (Alejandro Amenábar, 1996)

TesisHace 20 años un jovencísimo Alejandro Amenábar irrumpía en el panorama audiovisual español con su ópera prima, Tesis, hoy convertida ya en una película de culto. El film narra cómo Ángela (Ana Torrent) se sumerge, durante el proceso de elaboración de su tesis, en el peligroso mundo de las snuff movies. Es una obra oscura, ingeniosa, vibrante, desasosegante y adictiva. Un viaje al lado más retorcido y perverso de la mente humana. Ángela sabe que juega con fuego, pero es incapaz de evitar los deseos de quemarse. Un thriller inteligente e inquietante que ha envejecido estupendamente y que cosechó 7 premios Goya.

5 monjas que lo petaron en el cine

Ser monja está de moda. Y si aún no lo está, lo estará. ‘Quiero ser monja’ llegaba la semana pasada a nuestras televisiones para revolucionar al país entero, deshacer estereotipos y confirmar otros tantos. Cinco jóvenes declaraban haber sentido la llamada al más puro estilo Claudia Traisac, y orgullosas, lo contaban por televisión. Por ello, es necesario recordarte en este tiempo de coyuntura monjil cinco monjas que en su día dieron mucho que hablar en el cine. ¿Con cuál te quedas?

Whoopi Goldberg en Sister Act.

Corría el año 1992 cuando la no-monja con más flow de San Francisco logró colarse en las pantallas de cine. La hermana Mary Clarence nos hizo bailar y cantar, y el éxito fue tal, que tuvo una secuela un año después. Esta monja/cantante de casinos, que ha hecho las delicias de Antena 3 durante muchas tardes de domingo en nuestras vidas, es de obligada referencia cuando pensamos en monjas del cine. Queremos tu vuelta, Whoopi.

Julie Andrews en Sonrisas y Lágrimas.

No podíamos dejar pasar el que ya es un clásico del cine musical. Y es que, aunque Julie Andrews siempre ocupará nuestros corazones como Mary Poppins (y quien lo niegue, miente), en The Sound of Music consigue también enamorarnos. Este film, inspirado en una historia real, consiguió llevarse cinco premios Óscar, aunque la pobre Julie, nominada a mejor actriz, no se lo pudo llevar. Sin embargo, tenemos que hacerle un hueco entre las mejores monjas del cine porque hasta ahora nadie ha conseguido ser tan empalagosa y adorable al mismo tiempo.

Chus Lampreave en Entre Tinieblas.

Pedro Almodóvar lo tuvo claro desde el principio. Chus debía aparecer en sus películas, y no dejó de insistir hasta que ésta cedió y se metió en la piel de Sor Rata de callejón, una peculiar hermana de la más peculiar aún orden de las ‘Redentoras humilladas’. Este grupito de monjas, dignas representantes de la movida madrileña, merecen ser recordadas, y más aún Chus, un ángel del cine español.

Gracita Morales en Sor Citroën.

Los 60 fueron los años de Gracita, que conseguía colarse en algún que otro papel de secundaria graciosilla de casi cualquier película española. Sin embargo, es en las carnes de la hermana Tomasa como mejor la recordaremos siempre. Son tantas las tardes de Cine de Barrio las que Sor Citroën nos ha dado, que no podemos dejar pasar el momento para premiarla como una de las monjas icónicas por excelencia de la historia del cine.

Concha Velasco en Teresa de Jesús.

Todavía corrían los años de Cuéntame cuando una joven Concha Velasco se ponía en la piel de Santa Teresa para rodar esta película, resumen de una serie de televisión emitida por TVE en 1984. Concha, que interpretó la vida y obra de esta santa con una crudeza admirable, pudo consagrarse con este proyecto como una de las actrices por excelencia que a día de hoy continúa siendo.

Las 10 mejores películas de Pedro Almodóvar

Mañana se estrena Julieta, la vigésima película de Pedro Almodóvar, uno de los cineastas más importantes de la historia del cine español. Este regreso al drama femenino del director ha cosechado calurosos elogios entre los críticos que ya lo han podido ver, y llega en una semana difícil para el cineasta, sumido en el escándalo de los papeles de Panamá, y que ha sufrido el fallecimiento de una de las chicas Almodóvar más importantes y más reverenciada por el público, Chus Lampreave. Aprovechamos el estreno de Julieta, para repasar las 10 mejores películas de una filmografía extensa, personalísima y fascinante.

 

10. Los abrazos rotos (2009)

Los abrazos rotos

Tras el inmenso éxito de crítica, público y premios, cosechado por Volver, Almodóvar le regalaba a Penélope Cruz otro personaje protagonista en Los abrazos rotos, su regreso al melodrama, uno de sus géneros predilectos, tanto en su faceta de cineasta como en su pasión de cinéfilo. Esta historia de amor, fatalidad, celos, posesión y desgracia, lo tenía todo para convertirse en una de las grandes obras del director, sin embargo cosechó una fría recepción en Cannes, siendo tachada como una cinta irregular. El film, con una estructura de guion compleja juega con los saltos temporales y el cine dentro del cine, intentando pegar los cristales rotos de un amor trágico, protagonizado por un escritor/director (Lluís Homar) y una femme fatale atípica (Penélope Cruz). Quizás el gran problema de esta película, hermosa, elegante y precisa en el plano visual, es que intenta contener demasiadas tramas en su interior, acaparar todos los sentimientos y los personajes que pueda, lo cual hace que a ratos sea sublime y en otras ocasiones farragosa. Los abrazos rotos contiene retazos del mejor Almodóvar, es una película que ha sido injustamente tratada.


9. Carne Trémula (1997)

carne tremulaUna de las obras más olvidadas de Almodóvar es este oscuro thriller, quizás la película menos almodovariana de toda su filmografía. En Carne Trémula adapta, con la ayuda de Ray Loriga y Jorge Guerricaechevarría, una novela de Ruth Rendell, algo novedoso en el cine del manchego, que siempre escribe guiones originales y en solitario. Curiosamente Julieta también tiene como punto de partida una obra ajena, tres relatos de la escritora Alice Munro. Quizás por ello Carne Trémula a veces parece una película de Almodóvar, pero en muchas otras ocasiones es un thriller alejado de su mundo. Tres hombres y una mujer coinciden trágicamente en una casa, discuten y estalla la violencia. A partir de ahí, la película explora las consecuencias de lo acontecido, siguiendo a una serie de personajes marcados por la tragedia. Javier Bardem, Pepe Sancho y Ángela Molina están fantásticos en un film que abre la puerta a un Almodóvar cada vez más oscuro.


8. La ley del deseo (1987)

la ley del deseo

Un director de teatro (Eusebio Poncela) se ve sumido en un triángulo amoroso cada vez más viciado, entre su ex (Miguel Molina), al que aún ama, y su nuevo novio (Antonio Banderas), que vive fascinado por él. A su lado, infatigable, su hermana y musa (Carmen Maura). La ley del deseo es una película fundamental en la filmografía de Pedro Almodóvar, porque ejemplifica a la perfección el híbrido genérico entre el melodrama y el thriller, una fórmula que se repetirá, en mayor o menor medida, en muchas de sus películas posteriores. También pululan por este film los temas más importantes del universo Almodóvar: la familia, la pasión, la identidad, el género, los celos, el sexo, la violencia, el amor fou, el mundo del espectáculo. Por todo ello La ley del deseo se merece un puesto relevante en esta lista.


7. ¡Átame! (1990)

Átame

Un hombre desquiciado (Antonio Banderas) se obsesiona con una actriz (Victoria Abril) y la secuestra. A partir de ahí, Almodóvar hace un estudio de personajes brutal en su película más claustrofóbica y desnuda. Pocas veces los colores, siempre vivos, que pintan Almodóvar y su director de fotografía favorito, José Luis Alcaine, estuvieron más vivos. El tour de force entre Banderas y Abril, cargado de una malsana tensión sexual, es un triunfo, la secuencia del buceador una de las más poderosas de la carrera del cineasta, y Loles León funciona como perfecto alivio cómico. Puede parece una obra menor, pero contiene muchas de las señas de identidad del cineasta. Una película que respira frescura.


6. ¿Qué he hecho yo para merecer esto! (1984)

que he hecho yo

Aunque en otros films de su filmografía existe cierta crítica social (Todo sobre mi madre, Volver), ¿Qué he hecho yo para merecer esto! es la película más social de Almodóvar, una comedia que se mueve con soltura entre la alegría y la desolación. ¿Qué he hecho yo para merecer esto! es la crónica almodovariana de una España que había dejado atrás el franquismo, pero que afrontaba una situación complicada sumida en los inicios de la reconversión industrial y con una seria crisis de modelo productivo. Gloria (una inmensa Carmen Maura) es una ama de casa deprimida que tiene que lidiar con un hombre al que no ama, una familia asfixiada económicamente y una existencia completamente anodina, mientras trabaja, además, limpiando en otros hogares. ¿Qué he hecho yo para merecer esto! podría ser la historia de miles de mujeres en la España de 2016, pocos films de Almodóvar sirven para explicar tan bien la sociedad en la que vivimos. Una película mayúscula.


5. La mala educación (2004)

La mala educación

Almodóvar Unchained. La religión es un tema que ha sobrevolado el cine de Pedro Almodóvar prácticamente desde sus inicios. Si en Entre Tinieblas nos presentaba a un grupo de monjas lisérgicas, a cada cual más pecadora y perdida en la vida, en La mala educación entra de lleno en la pederastia en la Iglesia. Lo hace a través de un guion complejísimo, quizás uno de los más retorcidos, tanto estructural como temáticamente hablando, de su carrera. La mala educación nos presenta a dos niños internados en un colegio de curas que se enamoran y cuya relación se ve truncada por la obsesión del director con uno de ellos. A partir de esa premisa la película salta en el tiempo y juega a confundirnos entre lo que es real y lo que es ficción, envolviéndonos lentamente en un thriller oscurísimo. La mala educación no es un film para todos los públicos, es una película que busca violentar al espectador. Una de las obras más ambiciosas de un director que no se amilana ante nada ni ante nadie.


4. Volver (2006)

volver

Tras enlazar cuatro de sus films más duros (Carne Trémula, Todo sobre mi madre, Hable con ella y La mala educación), Almodóvar dirigió una de sus obras más tiernas, tan dolorosa como dulce, tan triste como optimista, Volver. Esta dramedia de mujeres a las que no amaban los hombres tiene uno de los guiones más redondos que ha escrito jamás Almodóvar. Todas y cada una de sus tramas funcionan y encajan perfectamente. La Raimunda de Penélope Cruz se erige en la líder de una familia de mujeres apaleadas por la vida, a través de su fortaleza podemos observar cómo se puede salir adelante, incluso cuando nos encontramos sumidos en lo más hondo de un pozo. Volver quizás sea la película más luminosa de un cineasta que ama moverse entre las luces cegadoras y las sombras más misteriosas.


3. Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)

Mujeres al borde de un ataque de nervios

Pedro Almodóvar convierte el piso de Pepa (Carmen Maura), a la que ha dejado su novio, en un camarote de los hermanos Marx por dónde van pasando personajes al borde (o mucho más allá) de un ataque de nervios. Construye así la mejor comedia de su carrera, la más redonda, precisa, impecable y brillante de todas las que ha escrito y dirigido. Alumbra, de paso, uno de sus films más icónicos, una desenfadada y descacharrante apología de la locura. Cuando uno está loco se siente inmensamente vivo. Almodóvar adapta la screwball clásica a su particular sentido del humor y a su complejo universo, creando un film de ritmo, tanto cómico como narrativo, envidiable. Es una de las grandes comedias de la historia de un cine, el español, que contó con autores como Berlanga o Ferreri. Mujeres al borde… también será recordada como la película que rompió la relación artística y personal entre el creador, Almodóvar y su musa, Maura. Aunque firmaran la paz en los Goya de 1990, cuando él le dio a ella un trozo del Muro de Berlín, y volvieran a rodar juntos en Volver, jamás la relación volvió a ser la misma y terminó estruendosamente con un tuit de Agustín Almodóvar. No se me ocurre una forma más maravillosa de romper una amistad que pariendo algo tan brillante como esta película.


2. Hable con ella (2002)

Hable con ella

Tras Todo sobre mi madre, Almodóvar se embarcó en un drama sentimental que seguía a dos hombres, un enfermero (Javier Cámara) y un escritor (Darío Grandinetti), perdidamente enamorados de dos mujeres en coma (Rosario Flores y Leonor Watling).  El cineasta volcaba su sensibilidad para retratar las emociones humanas en un drama, a ratos tierno y a ratos terrible. Hable con ella es una película llena de trampas, que juega con los sentimientos del espectador y que lo obliga a enfrentarse a actos terribles. En su complejidad moral reside gran parte de su encanto. Pocas veces Almodóvar estuvo más pausado, más relajado. Hable con ella es una caricia y una puñalada en el corazón. Además está dirigida con una elegancia inusitada, para la historia queda ya ese corto en blanco y negro que incrusta en el centro del film. Esta película le valió a Almodóvar su única nominación a mejor director en los Oscar y el premio de la Academia al mejor guion original, consagrándolo definitivamente como uno de los autores europeos más importantes del cine de las últimas décadas.


1. Todo sobre mi madre (1999)

Todo sobre mi madre

La importancia de las relaciones materno-filiales ha estado en el corazón del cine de Pedro Almodóvar desde sus inicios. Hasta Todo sobre mi madre, que el cineasta estrenó a las puertas del cambio de milenio, había realizado ya un largo camino desde Pepi, Luci, Boom y otras chicas del montón, construyendo a mujeres fascinantes en situaciones difíciles. Todo el cine de Almodóvar está influenciado por la relación con su madre y esta película es la mayor carta de amor que el cineasta le rodó. Todo sobre mi madre nos muestra el amor incondicional, irracional y desmedido que siente una madre por su hijo, a través de una enfermera (Cecilia Roth, en una interpretación deslumbrante) que pierde trágicamente al suyo y viaja a Barcelona a buscar al padre de su hijo, que ahora es una mujer, para comunicárselo. La película combina con astucia el melodrama, el teatro dentro del cine (de Mankiewicz a Cassavetes), el cine social, la comedia, el thriller, la identidad y el viaje de autodescubrimiento personal. Quizás estemos ante la película de Almodóvar más compensada, un film conformado por elementos, géneros y temas muy dispares, que funciona siempre como un todo. La película arrasó en los Goya cosechando 7 premios y logró el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Todo sobre mi madre es una película tremendamente dolorosa, tierna, sensible y emocionante. Una especie de milagro cinematográfico. Un film que te hace llorar y reír, que te intriga y te conmueve. Pura magia.

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.

ACEPTAR
Aviso de cookies