Varry Brava, energía por doquier

Varry Brava es un grupo murciano. Ellos son Óscar, Aaron y Vicente, tres indies que nos hacen saltar con sus canciones. Directos enérgicos, sencillos pegadizos… Desde 2009 se suben a los escenarios, pero su último disco ha marcado un punto de inflexión. Ahora, nos traen su Arriva para levantarnos. Esto es lo que nos cuentan.

Tres oriolanos llamados Varry Brava. ¿Qué significa para vosotros el nombre?

Óscar Ferrer: Varry viene de Barry White, falleció meses antes de montar la banda. Brava, de una de nuestras canciones favoritas de la italiana Mina Mazzini. Pero para nosotros ese nombre significa ya muchas cosas más: ilusión, agradecimiento, diversión, satisfacción…

Vuestro estilo pasa por el pop ochentero, el indierock, el disco music… ¿Con qué os sentís más cómodos?

Aarön Sáez: Con un buen traje. Nos da igual la música mientras vayamos bien vestidos. Nos gustan todos los estilos, pero no todas las camisas. Es muy importante elegir bien.

¿Qué creéis que os diferencia de otros grupos emergentes?
O: Por lo que nos dice público y la crítica creo que es una visión distinta del pop, la festividad y la energía de las canciones y el directo, la vitalidad y la personalidad.

Aseguráis que vuestras influencias han sido muy diversas. Desde Mecano hasta Rihanna, pasando por Flaming Lips. ¿Qué os ha marcado más?

A: Es todo mentira, seguimos componiendo canciones que se parecen mucho a las canciones de Nacha Pop y de Radio Futura, el resto es postureo de newsletter, y relleno de biografía para los medios. Seguimos escuchando lo que escuchábamos con 12 años. Nunca hubo nada mejor.

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¿Cómo pensáis que ha sido vuestra evolución en el mundo de la música?
O: Todo esto empezó con una clara influencia ochentera de la que es imposible despegarnos. Vivimos ese sonido y esa manera de entender la música desde que éramos críos, pero siempre la hemos desarrollado de una manera muy propia, mezclando distintos estilos hasta ir definiéndola en cada disco, experimentando y jugando también con influencias más actuales. Nos gusta de la misma forma Talking Heads que Empire of the Sun.

¿Cuál ha sido la clave de vuestro éxito?
A: Madrugar mucho, decir que sí a todas las chicas y nunca, nunca, nunca salir en una foto sin gafas de sol.

Vuestro último disco ha plasmado el crecimiento que habéis logrado. En él, habéis mezclado canciones muy movidas como Fiesta u Oh, oui, oui, con otras más tranquilas. ¿Qué queríais transmitir?
O: Queríamos hacer un disco enérgico y vitalista, extremadamente pop, sin caras B,  que pasara por lados más banales como Fiesta y por lados más sinceros como Playa,  Ilegal  o Navidad.

Después de recorrer las principales salas del país, ¿con cuál os quedáis y qué recuerdo guardáis?
A: Sin duda alguna el 12&medio en Murcia y LaGramola en Orihuela. No hay nada como lo sitios donde has empezado a tocar, y donde te han pasado las primeras historias. Vas a salas más grandes, a recintos enormes, y a festivales con producciones espectaculares, pero el gusto de las primeras salas donde has sido feliz es inimitable.

Tenéis un verano muy movido por delante. Estaréis incluso en grandes festivales como el Arenal, pero, ¿dónde soñáis con tocar?
O: Soñamos con volver a cada festival, seguir en la carretera presentando cada disco en las salas de todo el país y salir más pronto que tarde por Sudamérica.

Para terminar, ¿cuál es vuestro lema en el grupo?

A: Uno para todos y todos para uno. Y «señores, estamos de bolo», que es lo que grita Oli, nuestro Road Manager y Gurú On the Road, cada vez que arranca la furgoneta para un nuevo viaje.

June’s K, con quien todo puede pasar

Arantxa Iranzo es June’s Kaleidoscope. O viceversa. El caso es que esta valenciana nos ha conquistado con su delicadeza y su piano, además de habernos hecho soñar con su nuevo Secret Farewells. Esta despedida secreta ya tiene videoclip, por lo que desde Bface hemos hablado con esta artista que cogió las maletas rumbo a Londres para triunfar en el mundo de la música. Finalista en la batalla de bandas del mítico Hard Rock Café de Londres, June’s K tiene mucho que decir a través de su caleidoscopio particular.

Arantxa Iranzo, valenciana que cogió las maletas a Londres y se convirtió en June’s Kaleidoscope. ¿Qué significaba para ti el nombre?

June’s Kaleidoscope era para mí un comienzo, y aún lo sigue siendo. Vengo del mundo de la música clásica, estudié una carrera donde pasas la mayor parte de tu día repitiendo notas y trabajando técnica y expresión para conseguir interpretar una obra pianística lo mejor posible. Pese a ser una parte importante de mi aprendizaje y mi vida, cuando acabé Piano Clásico quise empezar a expresar lo que yo misma quería decir. Un caleidoscopio es un instrumento donde miras y ves toda clase de cristales de colores uniéndose para dibujar formas. La visión a través de un caleidoscopio, o más bien, la visión de June a través de él, es transmitir lo que veo y quiero contar de lo que tengo delante de mí. Elegí a June como un álter-ego que inspira lo mismo que una mañana de verano: uno de esos momentos felices en los que sabes que todo puede pasar.

El cambio a Londres te permitió crecer en el mundo de la música, sobre todo con la victoria en la batalla de bandas del Hard Rock Café. ¿Qué otras oportunidades encontraste allí que aquí no existían?

Tocar en el circuito de salas de Londres es fácil si sabes cómo moverte, aunque duro a la par. Hay mil oportunidades para coger tu instrumento y a tu banda y tocar un slot cualquier día de la semana, pero los medios de alguien que está empezando son pocos y movilizar a una banda para que toque tus temas a veces es difícil, aunque yo recuerdo ese primer año como un año fantástico donde lo pasamos genial yendo de gira. La música tiene más importancia y sobre todo, hay artistas de toda clase, y no se les mira ni mejor ni peor según el estilo que tengan, pero se les mira. Eso es lo que más me gustó. Se aprende de todos ellos, se crece musicalmente y te abre más la mente en cuanto a dónde podría llegar tu forma de crear música. En España la música independiente ha estado siempre más limitada, pero ahora eso está cambiando. Ya no son los cuatro de siempre los que protagonizan un festival alternativo, afortunadamente.

Tu estilo viene marcado por una gran influencia de The Beatles, además de que te han comparado con James Curran, Arcade Fire o Regina Spektor. ¿Cómo sientes estas comparaciones? ¿Qué es en realidad lo que te ha marcado más?

Que te comparen con artistas a los que admiras tanto es siempre un aliciente para creer que lo que haces está bien y debes seguir haciéndolo. Yo he escuchado mucho a Regina a temporadas, siempre me ha sorprendido su frescura y lo original que es para cantar y contar cosas de modo que parezca un juego de niños, pero lo curioso es que bajo esa apariencia algo infantil su música está compuesta de una forma tremendamente inteligente y significativa. Arcade Fire es igual, pero es música más orquestal y todos ellos son multiinstrumentistas. Pero Los Beatles siempre serán mi influencia número uno. Su discografía entera es una obra de arte, y la llevo a todas partes. Es increíble cómo cambiaron tanto sus composiciones a través de los años, sin perder ese punto mágico en cualquiera de sus temas que hace que no te canses de ellos jamás. Mi objetivo a la larga es cambiar, al igual que ellos, continuamente, y escribir «esféricamente»: en muchas direcciones, y que esas canciones lleguen a ser algo bueno en la vida de alguien.

June's K

Sin embargo, tu EP debut, “Soon You Will See”,  fue grabado en Valencia. ¿Por qué elegiste este lugar en vez de apostar por Londres de nuevo?

Empecé a grabar mis dos primeros temas (Ms Honey y Long Ago) en Valencia antes de irme, y los utilicé como prueba para ver cómo respondía la gente y, simplemente, por probar un camino nuevo. La producción y grabación estuvo a cargo de Jorge Pérez y César Giner, en sus estudios de grabación en Valencia. Nos entendimos muy bien y el sonido que conseguí con ellos fue fantástico, ir al estudio a grabar era como estar en casa y disfruté muchísimo siempre. Decidí continuar simplemente por ese motivo, además de que era mucho más cómodo contar con amigos músicos de mi ciudad que contribuyeran grabando para mi proyecto, antes de ponerme a buscar en una ciudad tan grande como Londres. El resultado fue muy bueno. No descarto pese a todo grabar en Londres algún día, las posibilidades son enormes.

Cuéntanos sobre tu lado solidario. Tu música ha sido patrocinada por organizaciones como la UNESCO por tus colaboraciones, y eso es algo muy positivo.

Empecé a colaborar para el álbum benéfico «The Nepal Tree» gracias a gente de mi entorno que había estado implicada especialmente con los orfanatos de Kathmandu, en Nepal. Me contaban lo agradecidos que eran los niños con cualquier cosa que se les ofreciera, y con la música disfrutaban de un punto de apoyo común con el que podían olvidarse de todo. Compuse el tema The Nepal Tree basado en las experiencias que la gente me contaba sobre su paso por los orfanatos y en su día a día. La organización The Batterflay Effect, gracias a la cual los niños grabaron el disco, contó conmigo para completarlo y UNESCO lo patrocinó. Fue una experiencia muy bonita. Hace poco volví a colaborar con varios conciertos por las víctimas del terremoto, especialmente los niños. Espero volar a conocerlos tan pronto como se pueda.

Acabas de lanzar tu primer videoclip, Secret Farewells. ¿Cómo ha sido la experiencia? ¿Qué idea tenías cuando empezasteis a grabarlo?

Secret Farewells ha sido para mí un punto de inflexión hacia otra dirección con June’s K. En cuanto al videoclip, viajar a Irlanda ya era de por sí emocionante, pero grabar la historia de la canción recorriendo su parte más salvaje ha sido toda una suerte. El rodaje fue intenso y un poco duro a veces. El viento de los acantilados allí es brutal, me tiró al suelo al llegar al pico, y casi me mato. El vestido quedó inundado de barro y ahí decidimos darle fin. Pese a todo, el resultado fue muy bueno y Silvia Foz (filmmaker de Barcelona y autora del videoclip) encajó a la perfección la idea que tenía para que el significado de la canción cobrara vida: la separación de dos personas que se quieren pero no pueden estar en el mismo sitio, y no se pueden despedir, de ahí el título. Yo buscaba un ambiente totalmente melancólico para encuadrar el mensaje, que mar, montaña, río, llanuras y bosques fueran conjuntamente conmigo los protagonistas, y no una segunda persona.

Tienes por delante un futuro prometedor, ¿qué metas te has marcado en el mundo de la música?

Girar y girar. Recorrer ciudades, festivales, tocar en todas partes. Ver mundo y llevarme a June’s conmigo. Me encantaría poder vivir de la música. Dedicarme a componer canciones, álbumes, y música para películas. Tocar directos con toda una orquestas sinfónica detrás, a lo Woodkid, como cuando vino a la Brixton Academy y la BBC Symphony Orchestra lo acompañó. Crear bandas sonoras y ser una futura pseudo- Randy Newman, Michael Giacchino o Alexandre Desplat. Todo a la vez.

De todos los escenarios a los que te has subido, desde los de Valencia hasta los de Londres, ¿dónde te has sentido más cómoda y de cuál guardas mejor recuerdo?

Guardo muy buen recuerdo de los Conciertos de Viveros en Valencia el año pasado, durante la Feria de julio. Fue la primera vez que subí a un escenario tan enorme, en casa, con piano de cola,  y con los Jardines de Viveros alrededor. Es uno de mis sitios favoritos de Valencia. Tocamos muy a gusto y sonó un directo espectacular, aunque no quede bien que lo diga yo… Tocar con la banda entera es algo que me encanta. Tener la oportunidad de enseñar mi música tal cual es, con todas sus capas. También guardo muy buen recuerdo de mi primer concierto en Londres, que aparte de haber sido el primero, fue en el Hard Rock Café de Hyde Park, en la final de The Rising of Bands.

Recientemente has sido seleccionada por Universal Music K para participar en una exposición de vinilos solidaria que combina música y arte. ¿Cómo fue la propuesta y cómo será la exposición?

Tocar en Secret 7 vino a raíz de una competición online de músicos, lanzada por Universal Music UK. Envié mi último single, y dos días más tarde me escribieron para tocar y grabar en vinilo en Somerset House, uno de mis edificios preferidos de Londres. En el evento en sí se exponían y subastaban 7 vinilos grabados en edición limitada de 7 artistas internacionales, como los Rolling Stones o The Maccabees. Las carátulas son diseñadas por artistas de todo el mundo, como Yoko Ono o Paul Smith. Hasta que no compras tu vinilo, no sabes quién lo ha diseñado, ahí está la gracia. Todos los diseños eran extraordinarios, y la iniciativa iba dirigida a recaudar fondos para Nordoff Robbins, una organización benéfica  que ayuda a adultos y niños a cambiar sus vidas a través de la musicoterapia.

Para terminar, ¿dónde podremos disfrutar de tu música?

Podéis visitar mi web, que además ha sido actualizada hace poco, donde encontraréis todo lo que queráis sobre mí.

Además, ¡podéis seguirla en Facebook, Youtube o Soundcloud!


Tórtel, un indie diferente

Desde Valencia llega Jorge Pérez para encandilarnos con unas melodías sublimes. Tórtel, como le llamaban de pequeño, que finalmente se ha convertido en su nombre artístico, escribe unas letras realmente buenas, compone silbando y crea ritmos que son diferentes. Además, su evolución y progreso desde que lanzara en 2009 «Lugar Nuevo» lo han convertido en todo un referente del indie, aunque su estilo no está del todo definido. Lo podríamos englobar en varios sitios, ya que su capacidad de reinventarse y de buscar nuevos sonidos le permiten ir de una música a otra. Y sí, ha hablado con nosotros para que lo conozcamos un poco mejor.

Para empezar, ¿por qué Tórtel y qué significa el nombre para ti?

Cuando empecé a grabar mis primeras canciones, ni siquiera tenía nombre para el proyecto. Estuve barajando algunas posibilidades, pero ninguna me convencía. Al final todo era más fácil: Tórtel es el nombre con el que me han llamado desde siempre algunos amigos de la infancia. No significa nada, es solo una variación loca de mi nombre, Jorge. Se le ocurrió a algún crío del lugar donde solía pasar los veranos. Me gusta porque al fin y al cabo el nombre estaba ahí desde bastante antes de que llegaran las canciones. Luego descubrí que es una localidad de Chile, y que hay un tipo de pasteles que se llaman así. Me gusta.

En 2009 aparece tu primer trabajo, «Lugar Nuevo», pero, ¿cómo fueron tus inicios en la música? ¿Qué te llevó a dar el salto?

Comencé con 17 o 18 años en un grupo con algunos amigos más. Nos llamábamos Ciudadano y llegamos a editar algún disco y tocar mucho, no solo por nuestra ciudad, Valencia. Aprendí un montón en esta banda. Lo que pasó con Ciudadano es que llegado el momento, de manera natural todos teníamos la cabeza puesta en otros objetivos, yo por mi parte empecé a hacer algunas canciones que no encajaban del todo en el grupo, mi amigo Joaquín Pascual (Surfin’ Bichos, Mercromina, Travolta…) las escuchó y me animó a grabarlas en plan demo en su casa, con muy poco equipo. Yo siempre he sido bastante inseguro, así que el hecho de que Joaquín quisiera echarme un cable me dio mucha confianza. Cuando la demo estuvo terminada, acabó editándose tal cual, no volvimos a grabar ni remezclar nada porque al final me pareció que a pesar de las limitaciones técnicas las canciones tenían lo que debían tener. Fue «Lugar Nuevo'» la primera referencia de Tórtel.

¿En qué grupos o cantantes te has inspirado?

No tengo un cantante o grupo fetiche que se haya convertido en un claro referente a seguir . Me gustan muchas cosas, imagino que de alguna manera todas ellas me han influido; desde crío he oído mucho a Talking Heads, The Smiths, Neil Young, Beach Boys, Nirvana, Bob Dylan, Paul Simon, por supuesto los Beatles. Luego he ido descubriendo cosas muy emocionantes también, como Daniel Johnston, Beck, Deerhunter, Sufjan Stevens, Animal Collective… Ojalá se me haya quedado un poquito de cada uno de ellos de tanto oírlos, ojalá fuera tan fácil. A veces la inspiración llega de otros lugares que no son musicales: una película, una serie, un cómic…

fuente: furydays.wordpress.com
fuente: furydays.wordpress.com

Cuéntanos el proceso de composición. ¿Cómo creas la música y cómo surgen las letras?

Por lo general parto de un melodía e inmediatamente después de un ritmo. Trato de no caer en el típico ritmo anodino de pop, por eso a veces alguna de mis canciones pueden sonar con aire ‘ tropical’ o ‘latino’. Siempre me han gustado los grupos que le han dado una vuelta de tuerca al pop, sobre todo en lo rítmico, para así enriquecerlo (Talking Heads, The Clash o Golpes Bajos, Radio Futura…). La melodía se me puede ocurrir en cualqueir momento; en el bus, fregando los platos… normalmente silbando, cuando tengo algo que me gusta después con la guitarra saco los acordes y trato de armonizarla un poco. La letra llega al final y nunca del tirón, suelo tardar semanas en acabar una letra.

¿Cómo crees que ha sido tu evolución? Tu último disco, «La Gran Prueba«, ofrece una mayor reflexión. Un Tórtel más maduro.

Cada vez me he ido intersando más por el sonido y por la producción como parte misma de la composición de una canción. Antes era un poco más de «escupir» una melodía, una letra, tener unos arreglos sencillos envolviendo todo… Desgraciadamente, siempre ando muy justo con los presupuestos y no puedo pasar el tiempo que quisiera en un estudio probando cosas. Como tú dices, de «Lugar Nuevo» a «La gran prueba» se nota una mayor reflexión a la hora de plantearme todo, trato de cuidar más los detalles y de, por así decirlo, ampliar la paleta de colores con los que trabajo. Creo que es una buena forma de enriquecer las composiciones. Ahora mismo ese camino me resulta más estimulante.

Entre las colaboraciones aparecen Pau Roca, Ramírez, Abel Hernández… ¿Cuál fue la más especial y con quién te gustaría colaborar en un futuro?

Con todos ellos colaboro desde mi primer disco. De hecho, una de las buenas cosas que tiene ser un «solista» es precisamente que te permite colaborar con un montón de gente. En los grupos por lo general los roles se reparten y quedan muy definidos, está «el cantante», «el guitarra», «el batería»… Con Tórtel aprendo muchísimo de todos los amigos que me echan un cable, sobre todo en las grabaciones, me dan visiones de las canciones que yo ni siquiera me había planteado. Además, soy un músico muy limitado, así que es un lujo que quieran colaborar conmigo.

¿Qué ha significado haber sido escogido entre los diez mejores discos nacionales del 2014?

Algunas publicaciones han destacado entre los mejores discos del año nacionales, «La gran prueba», otras ni siquiera lo han reseñado, es una cuestión de gustos, obviamente. En cualquier caso, uno ya se planta con demasiadas dificultades como para no valorar este tipo de cosas y disfrutarlas en su justa medida. Para mí todo esto de las listas es como una palmadita en la espalda. Me sirve mucho para coger confianza, son pequeñas alegrías de las que disfruto muy agradecido.

En tus directos, ¿qué es lo que intentas transmitir?

Intento transmitir lo que hay en las canciones y que no siempre es sencillo captar en una grabación. Las grabaciones suelen ser algo frías en general y aunque puedes conseguir grandes cosas en un estudio, otras se quedan fuera. Sobre todo cuestiones de expresión o dinámica. Lo bueno de los directos es que nunca sabes qué va a pasar, puede haber momentos mágicos y otros (tratas de evitarlos al máximo) un poco desastrosos. En cualquier, caso las canciones en directo cogen una vida nueva y distinta en cada concierto. Creo que ese punto imprevisible y descontrolado es muy atractivo.

Para terminar, ¿en qué fechas y en qué lugares podremos verte próximamente?

Estaremos tocando en el festival Aspesuena a finales de julio, en el Sonorama en agosto, si todo va bien haremos una fecha en Madrid relacionada con el día de la música alrededor del 18 de junio… Hay algunas cosas más pero no están confirmadas al cien por cien. En cualquier caso, parece que es más fácil para Tórtel tocar en invierno en pequeñas salas que aparecer en los carteles de los festivales de verano, donde no cuentan mucho con nosotros. Tenía pensado aprovechar el verano para comenzar a maquetar algunas canciones nuevas y ver qué tal van funcionando.


El rock de Censurados y su carpe diem

Censurados nació en 2001 en la capi. Con rock en sus venas, desde pequeños escuchaban a sus ídolos y soñaban con subirse a un esceneario a demostrar de qué pasta estaban hechos. Así, 14 años después siguen disfrutando de la música y defendiendo el carpe diem: «No hay que pretender más que disfrutar la música«. Y parece que lo han conseguido.

Parece que la censura cultural está en alza con las diversas medidas que se están tomando. Ahora bien, ¿por qué vosotros sois Censurados’?

Nosotros pusimos el nombre hace un montón de años, quizás éramos un poco más reivindicativos pero grosso modo, es un tema bastante importante en España el de la censura. Siempre ha sido un tema a tratar, con mucha fuerza y bastante pegado al rock.

Tenéis 14 años de vida. Como muchos otros grupos, os juntó la amistad y las ganas de disfrutar de la música. ¿Seguís teniendo el mismo espíritu que en 2001?

El espíritu es el mismo, quizás cambian un poco las formas de ver las cosas a la hora de ilusionarte y hacer el cabra. El tiempo te da la experiencia para hacer las cosas con calma, siempre viene bien. Como también al principio no ves resultados, y con el tiempo sí, por lo que la ilusión es mayor ahora porque ves que esto genera resultados y eres consciente de todo el trabajo que hay detrás.

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La grabación de maquetas, ganando con ellas varios concursos, os permitió haceros un hueco entre las bandas jóvenes. ¿Cómo fue esa experiencia y qué habría sido de vosotros sin esos concursos?

Qué habría sido no lo sé, pero sí que nos sirvió mucho para abrir puertas. Todo eso, aparte de la ilusión que te crea a nivel personal, siempre había premios que te grababan una maqueta, te ayudaban a la promoción… Todo eso fue la clave para luego buscar una discográfica que apostase por nosotros y tomárnoslo ya más en serio.

En 2007 editasteis vuestro primer trabajo discográfico, “El tiempo todo locura”. ¿Qué queríais plasmar después de 6 años recorriendo la península en busca de oportunidades?

Aquel disco fue un poco lo que llevábamos sembrando esos años. Igual entre todas las maquetas teníamos 40 o 50 canciones, y fue el momento de pensar que eso ya era importante, ya era un disco en serio, y significó llevar todo el trabajo de carretera a un cd. Nuestra ilusión se había cumplido y podíamos plasmar todo lo que llevábamos en una discográfica y difundirlo un poco más allá.

La perseverancia podría decirse que ha sido vuestro sello, así como la pasión por la música. ¿Qué consejo le daríais a las nuevas bandas jóvenes?

Lo primero, que fue nuestra piedra angular, es no pretender nada más que pasarlo bien. Es la manera de no frustrarte, de seguir adelante. Hay que disfrutar del momento, de los conciertos que puedas dar, de las notas que puedas tocar. Hoy en día el mundo de la música es un mundo muy difícil para comer de ello, y la gente que empieza o lo hacen por amor y total desinterés económico o lo van a pasar psicológicamente mal.

Fue muy sonado vuestro single Soñar despierto”, cuyo videoclip se emitió incluso en MTV España, 40TV, Sol Música… ¿Cómo fue veros en la MTV? ¿De quién fue la idea del vídeo?

Eso fue una pasada. Surgió la idea a raíz de que era la canción que más gustaba en el público, así que la elegimos de singles y mandamos el videoclip a las cadenas. De repente lo empezaron a poner en MTV Europa, y fue una pasada. Veías un videoclip de Green Day y luego veías el tuyo. Esas cosas siempre vienen bien y siempre abren puertas. No nos podemos quejar de cómo nos van las cosas.

¿Qué influencias habéis tenido a lo largo de vuestra trayectoria musical?

Miles. Empezamos escuchando grunge, hoy en día mucho Foo Fighters y de ese estilo. Siempre hemos sido de grupos de fuera más que españoles, básicamente porque hay muchas más bandas. En España hay 8 0 10 bandas de rock grandes, mientras que en EEUU hay mucha más variedad y más mercado. Extremoduro, Marea, Platero y Tú…los hemos escuchado desde pequeñitos.

Vuestro estilo, el rock, siempre está en alza a pesar de las distintas épocas. ¿Qué es lo que más os gusta de este tipo de música?

Eso sale y ya está. Vas creciendo escuchando este tipo de música de una cinta que tienes de tu padre en casa, Led Zeppelin, Deep Purple…todo eso nos gustaba. También está bien que desde pequeño tengas variedad y puedas elegir lo que te gusta. Si llevas a tu hijo en el coche con los 40 Principales, te va a salir tonto. Hay que darles variedad y la opción de elegir, como con todo. Nos dieron donde elegir, y salimos rockeros.

En relación a vuestros conciertos, ¿tenéis alguna manía o alguna anécdota interesante?

Una vez el guitarrista casi se queda en el sitio, le pegó un calambrazo tremendo. Encima tiene el pelo largo y se le puso para arriba, tres palmos de pelo hacia arriba de punta. Llevamos muchos conciertos y cosas pasan, es normal.

¿A qué escenario soñáis con subiros?

Más que soñar con un escenario, es poder seguir disfrutándolo. No un escenario en concreto, sino seguir subiendo. Que pasen otros 14 o 15 años y seguir tocando. Mejor poquito todo el rato, que jugársela a una carta.

Para terminar, contadnos dónde podemos disfrutar de vuestra música en las próximas fechas.

Estamos ahora componiendo, estamos haciendo un disco bastante rockero, en todos los sentidos, y un poco diferente de lo que veníamos haciendo. Nos están saliendo ideas nuevas y estamos probando a ver qué sale. Probablemente dentro de unos meses sacaremos disco.

 


The Sweet Vandals: Soul&Funk

The Sweet Vandals son una banda de soul y funk que vive en Madrid y actúa por todo el mundo. Este grupo, con un estilo tan único y tan auténtico, lleva desde 2005 creando música, música realmente buena. Su humildad queda patente cuando aseguran que «creemos que estábamos en el sitio adecuado en el momento adecuado». Así, desde BFace hemos tenido la suerte de contar con sus perspectiva en este mundo musical:

The Sweet Vandals. ¿Qué tenéis de dulce?

Bueno, el nombre hace alusión a la mezcla que en opinión de algunos tenemos en nuestra música. A veces dulces y aterciopelados y a veces bastante salvajes.

Sois una banda de soul y funk con una larga trayectoria. ¿Por qué este estilo y qué os diferencia de otros grupos?

Cuando empezamos con la banda, allá por el 2005, estábamos enamorados del sonido análogico y muy pendientes de los móvimientos Nu-funk y Deep-funk que estaban sacudiendo Europa y USA. De todas formas, el sonido de la banda no fue premeditado, hemos escuchado soul, funk, jazz y rock durante toda nuestra vida. Creemos que nuestro sello personal es la voz inconfundible de Mayka Edjo, el Hammond, la parca instrumentación  y la crudeza del sonido.

Sois uno de los referentes del Deep-funk, habéis convencido a la crítica y a muchos amantes de la música. ¿Cómo creéis que lo habéis conseguido?

Pues para ser honestos, creemos que estábamos en el sitio adecuado en el momento adecuado. Nosotros hacíamos esa música que encajaba con el concepto Deep-Funk y tuvimos la oportunidad de tocar fuera de España dónde había una fuerte demanda en ese momento. Si no, supongo que el grupo habría durado apenas un par de años después de tocar en todo tipo de tugurios y sin interesar a nadie (como tantas otras bandas que no tuvieron esa oportunidad). Luego creo que musicalmente cubrimos un espectro más amplio que el puro Deep-Funk, cuando la gente escucha nuestros álbumes suele sorprenderse al escuchar cosas que no espera. No sólo de funk vive el hombre.

Quizás en España este estilo sea menos conocido o, al menos, reconocido en menor grado. ¿En qué momento os disteis cuenta de que lo vuestra gustaba, de que calabais en el panorama musical?

Realmente nunca hemos sentido que calábamos. Hemos sentido el cariño de bastante gente, el respeto de nuestros colegas, muchas palmaditas en la espalda…y poco más. Hemos visto a la escena crecer casi desde la casi inexistencia hasta ahora, que ya hay una infraestructura con locales y festivales, pero aún queda un largo camino para equipararnos a otros países. No me refiero solamente a la música negra, hablo de la música realmente independiente; no indie. La música autoproducida y auntogestionada tiene grandísimas dificultades para subsistir en este país, nula atención de los medios y el público, hasta que no llenas salas no te hacen ni caso.

¿Qué influencias habéis tenido en vuestra música?

Pues creo que no cabría aquí…Pero así a bulto te diría que los grandes nombres del soul, funk, blues, jazz, rock, pop… Marvin Gaye, James Brown, Stevie Wonder, Sam Cooke, Nina Simone….la lista sería interminable.

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Tenéis un estudio propio de grabación en el que producís vuestra música y también la de otros artistas. ¿Cómo es la experiencia de producir para otros?

Es increíblemente gratificante y es una de las cosas que más nos motivan. Nos habría encantado que, cuando empezamos nosotros, hubiese habido un espacio como Funkameba para desarrollar nuestro sonido. No existía, así que había que hacerlo. Además, no paramos de mejorarlo y de comprar cacharricos nuevos. ¡Es un pozo sin fondo!

¿Qué trabajo os ha marcado más en vuestra carrera musical?

Sin duda, nuestro primer álbum, que fue un bombazo inesperado aunque se grabó sin recursos y muy rápido. Musicalmente conectamos más con los posteriores, pero ése fue el que lo provocó todo. Debimos de vender de ese primero unos 15.000 discos, una burrada.

Os han incluido en multitud de recopilaciones para diversos sellos discográficos. ¿Cómo ha sido la experiencia?

Las compilaciones siempre son una alegría, significa que la gente está pendiente de tu música y que les gusta tu trabajo aunque no grabes para ellos. Son una gran oportunidad de que te escuche público que, de otra manera, tendría muy difícil interesarse por tu música. Además, cuando alguien te incluye en una compilación, te asocia a un concepto diferente al típico. Esto es, una canción incluida en un álbum y que no despierta la atención de nadie, de repente, en otro entorno, suena fresca y mágica, y hace que la gente se interese por ti.

Vuestro éxito os ha permitido recorrer las principales ciudades europeas. ¿De qué sala guardáis un mejor recuerdo?

Nuestro corazón está en el mítico Lovelite de Berlín, dnde empezamos nuestra historia -y que ya está demolido-. Luego hay otros clubes increíbles como el Mojo Club de Hamburgo o el Moods de Zurich. También el Francia, La Maroquinerie o el New Morning… Hay sitios realmente impresionantes, en España tal vez el Café Antzokia o el Apolo de Barna. También recuerdo bolos tremendos en Tempo Club.

Después de «After All», en 2013, muchos están esperando sonidos nuevos. ¿Qué proyectos tenéis en mente?

Estamos en un momento delicado, hemos dedicado 10 años a éste proyecto y estamos dándonos un descanso. Cada uno de nosotros en este momento está desarrollando algún proyecto y necesitamos cargar las pilas. Acabamos de terminar Arise!, que es una canción en la que han colaborado grandes músicos de la escena Soul-Funk de Madrid: Aurora García, Alberto Anaut, Julián Maeso, Juan Zelada, Cris López, David Elejalde, Susa Ruiz y un larguísimo etcétera. La hemos hecho para Arte por la Paz, que es un proyecto precioso, y aquí podéis disfrutarla:

Seguiremos trabajando en el estudio y juntos hacemos bastantes cosas, aunque un nuevo trabajo de The Sweet Vandals de momento no es una opción. ¡A ver qué nos depara el futuro!

 


Veintiuno, el grupo revelación de Toledo

Venimos cargaditos después de la Semana Santa. ¿Estáis agotados de la misma música? ¿El SanSan os ha dejado exhaustos? Pues os traemos un grupo nuevo que para los que no lo conocí­ais, está dando mucho que hablar: Veintiuno, grupo de rock nacido en Toledo . Rock y pop para disfrutar de unos grandes directos que hacen vibrar a los asistentes. Hemos tenido la oportunidad de conocer sus impresiones, y esto es lo que piensan después del auge que están teniendo:

Veintiuno. ¿Una fecha, una edad o un simple número?

Las tres cosas, y ninguna, en realidad. Es lo que, según el doctor Duncan Mcdougall, pesa aproximadamente el alma.

Os definen como un grupo de rock en castellano fresco con tintes de pop electrónico. ¿Cómo definí­s vuestra música? ¿Con qué os sentí­s más cómodos?

Odiamos las etiquetas, como casi todos los grupos. Hacemos ruido, ruido pop, o rock épico. Solo queremos contar y transmitir, sin importar si lo hacemos solo ante un piano, una guitarra, o machacando la baterí­a.

Vuestras letras tienen influencias de Muse, U2, Queen, Kings of Leon o Vetusta Morla. ¿Por qué ellos y qué otras influencias tenéis en vuestras canciones?

Son algunas de las influencias, nombrándolas a todas no acabarí­amos nunca. De Prince a Chopin, todo deja marca. Las letras están totalmente contaminadas de las cosas que nos suceden, de lo que leemos, o algunas cosas que suceden a otros. Al final,las canciones siempre hablan de las personas.

Además de vuestros EP, los directos son muy importantes para daros a conocer. Vuestros seguidores aseguran que son potentí­simos. ¿A qué creéis que se debe?

A que tocamos con la convicción de que si no consigues vaciarte sobre el escenario, no consigues llegar a quien te está escuchando. El directo es el entorno natural del músico, o debe serlo. O se suda o mejor no subirse al escenario.

Nacisteis en 2010, pero fue en la segunda mitad de 2014 cuando publicasteis «Sublime», vuestro último EP. ¿Cómo fue el cambio?

Hemos pasado por varios cambios hasta llegar al punto en el que estamos ahora, a nivel humano y musical. Este EP ha tenido muy poco tiempo de preparación (se grabó en directo en cinco dí­as) pero mucho de investigación sonora previa. Intentamos sonar como la música que nos gusta escuchar, y transmitir lo que tenemos en la cabeza.

Veintiuno

¿Cómo ha sido fichar por Stars Work Management?

Un enorme paso. Desde el primer momento en que Jorge (Grau, manager) nos dijo que querí­a trabajar con nosotros lo tuvimos claro. No sólo él es un gran profesional, y un gran tipo, sino que tenemos un equipo humano estupendo en la oficina.

Grabasteis en la mí­tica sala Moby Dick vuestro videoclip «Di mi nombre». ¿Por qué elegisteis este lugar y qué os pareció el resultado?

Nuestros queridos The Noises nos invitaron a tocar con ellos allí­ el pasado diciembre, y dado que es una sala que nos gusta mucho y la noche prometí­a, le pedimos a Claudia Maturana, la talentosa señorita que nos ha hecho también la fotografí­a que preside nuestro EP, que nos grabara los mejores momentos del concierto, para poder resumir qué hacemos sobre el escenario.

¿Qué os diferencia de otros grupos?

El alma. No hay dos grupos iguales.

Los festivaleros ya están preparando la cuenta atrás para disfrutar de este verano 2015. ¿Dónde os gustarí­a tocar si tuvieseis la oportunidad?

Por el momento tenemos una agenda bastante ajustada en primavera y hasta verano. A dí­a de hoy no nos importa tanto tocar en un festival o lugar concreto sino tocar absolutamente todo lo posible. De poder elegir, más que una sala, lo mejor que podemos desear es conectar con un público entregado con lo que hacemos.

¿Qué objetivos os marcáis y dónde podremos disfrutar de vuestra música?

Para abrir boca, el 17 de abril en Toledo, el 23 de mayo en San Sebastián de los Reyes, y el 5 de junio en Valencia, además de las fechas que se unirán en breve. Quien no pueda soportar la espera o quiera descubrirnos nos tiene en YouTube, Spotify, Deezer, iTunes y Bandcamp.

Os dejamos el videoclip del que hablábamos antes. No todos pueden presumir de tener uno en la Moby, ¡así­ que disfrutadlo!

Fotos de Fede Grau


La banda de Fesser, el rock agridulce

La Banda de Fesser es un grupo madrileño que nos ha conquistado. Mañana se estrenan dentro del ciclo Escenarios Cómplices de Mahou, una iniciativa que «les encanta ya que el zumo de cebada es la base de su alimentación«. Estas son sus impresiones antes de presentar su nuevo trabajo, 365, pero seguro que vendrán muchos más.

 

La Banda de Fesser, una banda de rock agridulce. ¿Por qué esta mezcla de sabores?

Todo en esta vida tiene algo de dulce y algo de agrio, en especial los sentimientos, y nuestras canciones no son otra cosa que sentimientos hechos música.

Aseguráis que os cruzasteis por azar. ¿Cómo se portó el destino con vosotros?

Nunca sabes si es azar o destino. Si fue azar, el destino se está portando muy bien. Han pasado años y ahora somos una familia, una familia de las que uno elige., tanto en lo musical como en lo personal.

«La música es música, y lo que no lo es, no lo es». Filosofí­a para componer, eso parece. ¿En qué os basáis para crear vuestras canciones?

No nos basamos en nada en concreto. Intentamos que expresen lo que queremos decir e intentamos que suenen bien, que sean bonitas, que transmitan la fuerza y la pasión con la que nosotros las sentimos.

Después de lanzar vuestro primer disco Japón (2012) y de mostrarlo con éxito en salas como Caracol, Siroco, Café La Palma o Copérnico, ¿cómo vivisteis este primer empujón del público?

Nos hizo mucha ilusión y nos dio fuerzas. Que nunca vamos a dejar de tocar y hacer canciones es tajante, pero cuando ves que el disco gusta, que hay muchas personas a las que les llegan las canciones, que Caracol y Copérnico se llenan de personas que disfrutan con nosotros…eso es otra dimensión, lo vives de otra manera.

Ahora os enfrentáis a un nuevo reto. ¿Qué diferencias veis con estos comienzos que siempre son tan difí­ciles?

Bueno, todaví­a estamos en los comienzos. Pero es verdad que tras años de directos, tocando, grabando, conociendo gente…la principal diferencia es que sabemos más, estamos más curtidos, hemos aprendido de la experiencia y cometemos menos errores, pero los seguimos cometiendo. ¡Y lo seguiremos haciendo!

¿Cómo viví­s los directos?

El directo es la cúspide del artista. Es el momento en el que te desnudas, vomitas lo que llevas dentro y, cara a cara, le dices a quien tengas delante todo lo que has venido a decir. Es un momento de conexión único y muy difí­cil de explicar. Nosotros hacemos canciones por necesidad, no como excusa para tocar en directo. Pero el directo es el premio.

Estáis incluidos dentro del ciclo Escenarios Cómplices de Mahou, una buena plataforma para llegar a más público…

Es esperanzador ver que hay iniciativas como esta. Estando la música como está, que se la ataca desde todos los frentes posibles, viene muy bien el apoyo de este tipo de grandes empresas. Además, el zumo de cebada es la base de nuestra alimentación.

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Habéis financiado vuestro último trabajo, 365, gracias a los numerosos Mecenas que confí­an en vosotros. Ahora parece que el crowdfounding es una buena forma de financiación, ¿qué ventajas y qué inconvenientes encontráis?

El crowdfunding es un sistema en el que el consumidor de arte financia directamente y sin intermediarios al artista que desea apoyar. Es una democratización del arte que da oportunidades a más artistas ya que con esta herramienta tienen otra ví­a para sacar adelante un proyecto aparte de las tradicionales. Todo ventajas, sin duda.

José Nortes ha sido vuestro productor. ¿Cómo ha sido trabajar con él?

Grabar 365 con José Nortes ha sido una experiencia increí­ble. Es un grandí­simo productor y ha hecho maravillas con las canciones. Además es una gran persona y en ese aspecto hemos tenido la suerte de conectar muchí­simo y eso se nota en el disco. Hemos aprendido, disfrutado y trabajado a partes iguales.

«365 es mucho más que un disco. Es el número de dí­as al año que dedicamos a lo que consideramos nuestro oficio». Un oficio sin descanso. Una vida para la música, ¿es así­?

No hay otra manera. Además, no queremos que sea de otra manera. Creemos que es la única forma de sacar este proyecto adelante pero además es que nos gusta así­, disfrutamos componiendo, ensayando y tocando como con ninguna otra cosa en el mundo.

¿Qué metas tenéis en mente y como esperáis que gire vuestra carrera con la llegada de este nuevo trabajo?

El objetivo es que este disco lo escuche la mayor cantidad de gente posible, porque estamos convencidos de que va a gustar. Que las canciones lleguen a las personas que las escuchen y que nos dé la oportunidad de tocar en todos los rincones.

Para terminar, contadnos dónde podremos disfrutar de vuestra música en los próximos meses.

De momento sólo tenemos cerrada la presentación del disco este viernes 10 de abril en la Sala Copérnico (Madrid). Tenemos unas ganas de defender este disco en directo y nos vamos a dejar la piel. Posteriormente estamos hablando con varios sitios fuera de Madrid pero nada cerrado de momento. Iremos anunciando las fechas en nuestras redes sociales.

 


Flaming Dolls, rock de mujeres

Flaming Dolls es un grupo malagueño formado en 2007 y que no deja a nadie indiferente. Estas muñecas en llamas hacen rock-pop contemporáneo con mucha distorsión y ritmos contundentes de una manera única, ya que utilizan las redes sociales para contar toda su experiencia; ya van por la segunda temporada en su canal de Youtube, y os aseguramos que no tiene desperdicio. Pura energí­a y optimismo para hacernos vibrar con sus acordes.

Flaming dolls o muñecas llameantes. ¿Por qué este nombre y por qué en inglés?

La banda comenzó en 2007 haciendo punk de garaje en inglés, así­ que necesitábamos un nombre que acompañara al estilo. Qué mejor manera de definir a una banda de chicas tocando punk que «muñecas en llamas». Con el tiempo, hemos visto que el nombre sigue definiendo nuestro estilo a la perfección ya que se trata de rock + pop y nos encanta.

Vuestro tipo de música es cañero, ¿cómo la definirí­ais?

No hemos encontrado nada parecido a lo que hacemos, como decimos, nosotras lo llamamos rock-pop contemporáneo con mucha distorsión y ritmos contundentes. Hacemos el estilo de Flaming Dolls.

¿Cómo son vuestros directos?

Muy, muy cañeros. Nos gusta sentir la energí­a fluyendo sobre el escenario y la interacción con el público. Si la gente te ve disfrutar sobre el escenario con lo que estás haciendo, ellos lo reciben y participan.

Autofinanciasteis vuestro primer disco, «Iras mal usadas», en 2014. ¿Cómo disteis el paso yFlaming Dolls cómo fue la experiencia?

Nos vinimos a Madrid en 2011 con las ideas muy claras, sabí­amos cómo querí­amos nuestro álbum debut y simplemente nos pusimos a ello. Han sido más de dos años de composición y producción, de trabajo y rodaje de los temas para centrarlos y que la grabación fuera un momento para disfrutar. Con Jaime Perpiñá (nuestro productor) elegimos a Dani Alcover como ingeniero de sonido porque conocí­amos su método y nos encantan los trabajos que ha producido, era justo el sonido compacto y con fuerza que querí­amos transmitir , así­ que contactamos con él, montó el estudio completo en nuestro salón y comenzamos a grabar en un ambiente relajado y muy familiar. Tenemos muy buen recuerdo de esas semanas, estamos seguras que para el segundo repetiremos.

Ganasteis varios concursos (Malaga Young Festival, Costa Pop Express, NubaRock…). ¿Qué han supuesto para vosotras?

El reconocimiento a nuestro trabajo siempre nos ha servido de empuje para seguir adelante, además de la compensación económica que es tan importante para los músicos. Gracias a los concursos que ganamos en 2014 pudimos financiar nuestro disco y lanzar la campaña de crowdfunding para la venta y por supuesto, la satisfacción personal de ponerte a prueba y conseguir una meta gracias al trabajo de tu propia banda es enorme.

Realizáis una intensa promoción en la red, algo que agradecen vuestros seguidores. ¿Cómo surgió la idea de mostrar vuestra vida a través de videoblogs desde la FlamingCasa? Contadnos qué soléis hacer.

Nuestro gran amigo y asesor Joshua Jonitz (MOBAStudios) nos abrió los ojos ante la nueva perspectiva de las redes sociales y nos sugirió que contáramos nuestra curiosa experiencia en el mundo de la música, ya que nos dedicamos exclusivamente a esta profesión. Después de 8 años sabemos que hay muchas preguntas y curiosidades que la gente desconoce y hemos querido contar todo lo que no se ve desde fuera. La primera temporada tuvo muy buena acogida y ya estamos metidas de lleno en la segunda, ya podéis seguirla en nuestro canal de Youtube /flamingdolls

Habéis hecho versiones de grandes como AC/DC, Bon Jovi, Amy Winehouse… ¿Qué os aportan estos grupos y que creéis que aportáis vosotras con vuestras versiones?

Escogemos versiones de música que nos gusta escuchar y tocar, elegimos grandes bandas que transmitan fuerza y calidad, nuestro principal objetivo es pasarlo bien, transmitirlo y por supuesto aprender de todos los estilos. Por otro lado, para hacer una versión hay que hacer precisamente eso, una versión, no una copia, y es en ese punto donde integramos nuestra esencia.

¿Cuáles son vuestras próximas fechas encima de los escenarios?

El 21 de marzo presentaremos el disco en el auditorio de la Diputación Provincial de Málaga y el 28 estaremos en Estepona en el evento del Música Más Málaga (MMM) que organiza también la Diputación. Nos podemos ver en Soria el 4 de abril y el 23 de mayo estaremos en la sala Independance, en Madrid. Podéis visitar nuestra web flamingdolls.com y nuestras redes sociales para saber cuándo y dónde estaremos.

¿Hasta dónde queréis llegar?

No tenemos lí­mite. Estamos aquí­ y es para llegar hasta donde la vida nos permita.

Las redes sociales son algo que usáis con frecuencia. Dejadles un mensaje a vuestros seguidores con vuestro lema antes de subir a los escenarios.

Antes de subirnos a tocar nuestro grito de guerra es: «A PASARLO BIEN!!«.

Os dejamos su último disco, disfrutadlo 😉

Fotografí­as de Félix Moreno: @moreno_felix

Mr Marshall y sus III Actos

El Teatro del Barrio ha sido el escenario de presentación del segundo disco de Mr Marshall (cañas y bocatas de nocilla, eso sí­ es un teatro de barrio), ubicado en el mí­tico barrio de Lavapiés. El grupo madrileño presenta ahora nuevo disco, que en realidad son tres Eps: Acto I: Exterior, noche, Acto II: Interior, dí­a y Acto III: Entre perro y lobo.

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Mr Marshall no podí­a haber elegido mejor sitio para demostrar de lo que son capaces. A menos de 20 dí­as de la llegada de la primavera, ellos quieren hacernos volver al otoño. Rodeados de hojas secas y peculiares árboles se presentaron las guitarras que minutos después harí­an vibrar las butacas. Una perspectiva que recuerda a alguna escena de True Detective, con un Javier Vidal como McConaughey. Lleno absoluto para recibir a una boyband que se está haciendo un hueco en el panorama musical.

Su presentación el pasado 5 de marzo supuso un concierto dinámico, con subidas y bajadas, con impresionantes solos de guitarra y canciones acústicas. Violí­n, trompeta, bajo, guitarras, baterí­a. Hasta mandolina. Les faltó sacarse la zambomba para hacernos enloquecer.

Lo que parecí­a un concierto indie más se convirtió en un mix de pop, rock e indie con mucha caña. Los cambios de ritmo son su fuerte, dirigidos por un magistral baterí­a que disfruta marcando el pulso de los Marshall.

Presentado su nuevo trabajo, desde Bface queremos recomendaros esta banda madrileña que después de Bienvenido (su primer trabajo) parece querer quedarse en este mundo musical. Hemos hablado con ellos, y esto es lo que nos cuentan, y si queréis más fotos del concierto, aquí­ os las dejamos.

Bienvenido fue vuestro primer disco, como no podí­a ser menos. ¿Estarí­a Berlanga orgulloso de vosotros?

Ojalá…..Berlanga es uno de los más grandes y serí­a un orgullo para nosotros que lo estuviera. Nos harí­a más ilusión aún que se sintiera orgulloso del segundo. Acto I: Exterior, Noche. Acto II: Interior, Dí­a. Acto III: Entre perro y lobo.

¿Qué es lo que os ha unido teniendo en cuenta que sois de diferentes lugares?

La música y nuestro compromiso por hacer las cosas como nosotros las entendemos.

¿Con qué tipo de música disfrutáis?

Con las canciones tristes y bonitas. Las malas canciones son las únicas que nos ponen tristes.

¿Qué ha cambiado con este segundo trabajo?

Nada. Es un paso más en la búsqueda por no hacerles una faena a las canciones y tener que grabarlas. Con el tercero esperamos que ya seamos capaces de entener un poco mejor qué es todo esto de escribir canciones y vestirlas con los mejores ropajes.

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Tenéis unas canciones agradables, elegantes y dulces. ¿Cómo transmití­s esta idea en vuestros directos?

Gracias por los tres adjetivos. EL directo nos vale para enseñar los dientes y decir  Joder.

Habéis comentado que os gustarí­a telonear a Depedro. ¿Por qué?

Hay artistas como Jacobo Serra, Carmen Boza, Depedro, Xoel con los que nos encantarí­a tocar porque, salvando las distancias, hay puntos comunes. Todos ellos hacen la música que ellos tienen dentro sin pararse a pensar que es lo que se escucha ahí­ fuera. Tienen su propia voz.

¿Cuál es la idea que más se repite en vuestras canciones? Es decir, ¿qué mensaje queréis transmitir?

Que el mundo es un lugar extraño

¿Qué objetivos tenéis en este momento?

Ninguno. No hay objetivos como tampoco hay preguntas. Hace tiempo que nos dejamos de plantear el por qué hacemos las cosas. Simplemente las hacemos.

A todos aquellos que se acercaron al Teatro del Barrio, ¿qué les dirí­ais?

Que vengan  el 26 de marzo a la sala Costello porque algunos buscan un mundo más bonito….y otros lo crean.

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