TEST: ¿Qué tipo de personaje de Zac Efron eres?

Durante la última década Zac Efron se ha dedicado a ocupar el corazón y las carpetas de millones de fans. El éxito labrado con la película de Disney High School Musical lo catapulto a la fama, llegando a trabajar con actores de la talla de Nicole Kidman, Robert De Niro o John Travolta. Aunque aún no haya conseguido hacer méritos interpretativos demasiado relevantes no deja de ser un ejemplo de elegancia y belleza masculina.

La próxima semana llega a las carteleras su nuevo revientaquillas Baywatch o lo que es lo mismo, el remake en forma de película de la famosa serie de televisión de los noventa Los vigilantes de la playa. En Bface Magazine repasamos todas sus facetas interpretativas y hemos creado este test personal para que por fin puedas descubrir con que personalidad de Zac Efron tienes más parecido. Disfruta comparte, invita a tus amigos a realizarlo y recuerda, todos tenemos un Zac en nuestro interior:

 

 

5 Razones para amar y odiar «Piratas del Caribe La Venganza de Salazar»

¡Bucaneros todos al cine! El capitán Jack Sparrow vuelve esta semana a las pantallas con un subtitulo tan poco atractivo como La Venganza de Salazar (más aún si lo comparamos con el precioso «Dead Men Tell No Tales» original). La nueva Piratas del Caribe nos trae devuelta al pirata más querido de Disney en una aventura donde Jack tendrá que unirse a un joven grupo de exploradores para encontrar el tridente de Poseidón. Un antiguo artefacto que domina el poder del mar y que puede acabar con la maldición que persigue a nuestro amigo. Un grupo de piratas dirigidos por Javier Bardem, el cual aún tiene una deuda pendiente con Jack.

En una época donde la llegada de secuelas, remakes, reboots… abordan las salas de manera extenuante. Disney decide apostar por seguir explotando uno de sus títulos más exitosos defendiendo que cada filme aporta algo diferente. Partiendo de que venimos de la vapuleada Mareas Misteriosas, la saga no lo tiene nada fácil para volver a ganarse el favor de publico y crítica. Sin embargo sus números en taquilla permiten que sus secuelas no cesen (su última entrega consiguió colocarse entre las 10 películas más taquilleras del mundo en su año de estreno) ¿Cumplirá esta quinta entrega con los deseos de sus fans? Ponte cómodo y disfruta de nuestras impresiones sobre la película:


5 RAZONES PARA AMAR PIRATAS DEL CARIBE LA VENGANZA DE SALAZAR

1. SU ESPECTACULARIDAD

Inevitable. Toda secuela debe superar a su predecesora a nivel visual. La casa del ratón lo ha tenido claro a la hora de elaborar escenas que nos llevan desde un impresionante barco devorador de barcos, un particular robo a un banco a gran escala o un duelo sobre los cañones de un barco… No podían escatimar a la hora de crear nuevos escenarios que impresionaran al espectador y nos trasladaran hasta otro mundo. Dando como resultado unas preciosas escenas en lugares de ensueño que hacen una vez más que uno de los sellos estrella de esta saga mantenga el nivel.

2. SUS NUEVOS INTEGRANTES

Uno de los factores más peligrosos en una secuela es el de la introducción de personajes. Más teniendo en cuenta que suplen el rol de grandes actores de los que aún guardamos sus interpretaciones en la memoria. Javier Bardem se pone en la piel del villano de la película y a pesar de que no crea una figura realmente mítica cumple en el nivel estético y narrativo (genial su escena que explica el origen de su maldición). El pirata que caza a los piratas con un diseño que es una pura metáfora de la rabia personificada, aportando esa genial atmósfera tan atractiva como maquiavelica. Se unen a él Brenton Thwaites y Kaya Scoldelario, un dúo que lo tenía realmente difícil para encajar en la saga y suceder a los queridos Will y Elisabeth, pero a pesar de todo dan equilibrio a la historia.

3. LA BANDA SONORA

Otro de sus símbolos por excelencia: su música. La saga ha pasado a la historia gracias a la banda sonora original de Hans Zimmer, el cual consiguió elevar la epicidad armónica a un nuevo nivel. Un estatus musical que ha mantenido secuela tras secuela y que aquí vuelve a ser un referente rescatando temas del pasado para los más nostálgicos e incluyendo nuevas partituras de Geoff Zanelli que ya compuso la anterior cinta. Vuelve a repetirse el efecto Logan, el tema «Ain´t No Grave» de Johnny Cash no está presente a pesar de aparecer en uno de los trailers promocionales. Pero sigue cumpliendo musicalmente, un genial acompañamiento para este gran portento visual.

4. LA TRAMA

El capitán Salazar era un corsario español que estuvo a punto destruir a toda la flota marina del Caribe. A punto, ya que un joven Jack Sparrow se interpuso en su camino impidiendo sus planes de hacer perecer el estilo de vida pirata. Dejando a Salazar y a su tripulación presa de una terrible maldición y cautivos en el triángulo de las bermudas. Cuando la maldición se rompe Salazar emprenderá un viaje con el fin de destruir al hombre que se interpuso en su camino y de paso destruir a todo pirata viviente sobre las aguas. Con esta premisa arranca La Venganza de Salazar, un relato bastante irresistible y que aporta ciertos cambios importantes en el transcurso de la franquicia. Lo que la convierte en un clásico instantáneo.

5. EL FACTOR NOSTÁLGICO

Una de la razones por las que odiamos a la anterior entrega fue por prescindir de esa emblemática historia de amor protagonizada por Orlando Bloom y Keira Knightley. Will y Elisabeth nos robaron el corazón y son parte de la saga, sin ellos la historia no tiene ese misma armonía.  Por suerte han sabido solventar sus errores y tenemos fan service para rato. Barbosa, Gibbs, el mono Jack… vuelven para crear una entrega mucho más redonda con sorpresas para los fans más acérrimos, consiguiendo ponernos en pie para aplaudir de puro llanto emocional en más de una ocasión. A fin de cuentas si vemos estas continuaciones es para reencontrarnos con esos personajes tan entrañables con los que hemos crecido. Preparaos porque en esta secuela de Piratas del Caribe os va a dejar boquiabiertos en este aspecto.


5 RAZONES PARA ODIAR PIRATAS DEL CARIBE LA VENGANZA DE SALAZAR

1. JOHNNEY DEPP/ JACK SPARROW

¿Puede haber perdido uno de los actores más queridos de Hollywood su muchedad? Depp vuelve a pecar en esta secuela de estar demasiado exagerado. Un protagonista que pocas veces logra tener una crudeza con la que pueda empatizar el espectador. Los chistes ya no funcionan igual, se ha estirado demasiado el chicle y no consigue sorprender. Un hilo conductor que pasa desapercibido y es devorado por una grupo de secundarios con situaciones mucho más atractivas que las del reiterativo y alocado Jack. . Estamos ante una versión caricaturizada del personaje a la que probablemente hayan afectado los problemas personales que el actor tuvo durante el rodaje de la cinta. Johnney necesita renacer fuera del terreno comercial y relanzar su carrera la cual parece estar en un camino sin retorno hacía la decadencia interpretativa.

2. SUS EFECTOS ESPECIALES

La ópera prima de la franquicia ha envejecido perfectamente. Ya en 2003 se notaba ese detalle por hacer que cada elemento encajara al detalle, el realismo era uno de los pilares estrella del filme. Los años no han pasado en balde y a simple vista somos capaces de ver unos efectos generalmente creíbles y espectaculares. Aunque es palpable la ausencia de esa delicadeza que teníamos en la primera entrega. Temblamos de miedo por ver como envejecerán esos curiosos tiburones zombis o ese indiferente acto final, que está a años luz de esa lograda escena inicial. De hecho la decisión de rejuvenecer a Depp para una de las escenas ya es bastante cantosa (muy al estilo de aquel desenlace de Leia en Rogue One) y genera una impresión más bien pobre que la del asombro del que pretenden alardear. Al espectador de hoy en día ya no engañan con cualquier efecto digital.

3. EL ROL FEMENINO SIGUE DESDIBUJADO

Películas como Frozen, Moana, La Bella y la Bestia (2017)… han hecho sus intentos por crear historias con protagonistas fuerte e independientes, pero pocas veces consigue sus objetivos.  Kaya Scodelario es la encargada de suceder a las olvidables Penélope Cruz y Àstrid Bergès-Frisbey interpretando a Carina Smith, una joven astrónoma que ayudara a Jack Sparrow en su búsqueda. Por un lado es genial encontrar un personaje tan pionero en una época en la que las mujeres estaban tan infravaloradas. Ser una amante la ciencia y ser acusada de brujería era algo de lo más cotidiano, pero no deja de ser un aspecto atractivo que no llegar a destacar. Ya que por otro lado no deja de ser una joven en apuros que no pocas veces llega algo más que un alivio romántico a la que no le falta un buen escote. Scodelario cumple pero no puede evitar quedarnos un sabor amargo al final recordando que veníamos de Knightley, la reina de los piratas.

4. ¿UNOS PIRATAS DEMASIADO FICTICIOS?

Partiendo de una obra original donde el némesis de nuestro protagonista y su tripulación se transformaban en esqueletos a la luz de la luna por culpa de una maldición azteca. La verosimilitud queda un poco abstracta pero son solo un par de elementos que permitían darle un toque especial a una película sobre piratas. 15 años después, el filtro y la delicadeza están totalmente perdidos. Es inevitable que los acontecimientos te saquen de las historia, porque “a pesar de ser visualmente atractivo” su credibilidad es cero. Haciendo que general lamentablemente no podemos tomarnos en serio a la película.

5. El factor nostálgico

Como bien nos ha enseñado el cine, jugar con el pasado puede tener grabes consecuencias. En ocasiones para bien (ese flashback de un joven Sparrow es de lo mejorcito de la película) y en ocasiones para traspasando una delicada línea que puede herir el sentimiento de muchos de sus seguidores. Particularmente hay dos momentos clave que suponen un grave error en la trama (ojito a la escena postcreditos). El efecto de rizar el rizo afecta de manera negativa a una película donde por ejemplo intenta impresionarnos con los lazos de sangre que son bastante previsibles y tópicos. Además no se abstiene de tener agujeros de guión y linealidad temporal. Vamos de traca!

En general tras este último punto la reflexión que uno saca no puede evitar ser la de agotamiento. Los personajes merecen un digno descanso en una evolución que puede llegar a entretener pero que cada día se aleja más del icónico producto original. Aquella Maldición de la Perla Negra que probablemente se hubiera convertido en un clásico de culto del cine de aventuras de ser por el flaco favor que le están haciendo sus secuelas.

La Venganza de Salazar traspasa levemente un peldaño en lo que se refiere a un producto decente tras venir de una desastrosa cuarta entrega. Aunque supere la prueba de fuego que pocas secuelas pasan, las limitaciones siguen a simple vista y está claro que los piratas deben despedirse momentáneamente de las pantallas de cine. Disney ándate con cuidado. ¿Te atreves a adentrarte en el nuevo capítulo de las historias del capitán Jack Sparrow?

7 razones por las que amarás «Guardianes de la Galaxia Vol. 2»

Guardianes de la Galaxia llego a las salas en el año 2014 de la mano de James Gunn, una nueva propuesta de Disney por intentar seguir lucrándose de los derechos que posee de marca de comics, Marvel. El experimento fue todo un éxito y por ese motivo esta semana nos llega su secuela. Protagonizada por una desconocida y atípica familia de antiheroes espaciales que acabarán uniendo sus habilidades ante las posibles amenazas que puedan alterar el universo. En esta ocasión se dará respuesta al origen paterno de su protagonista: Star Lord (Chris Pratt) una de la mayores incógnitas que nos dejó la primera cinta. En Bface volvemos a adelantarnos y os relatamos nuestras impresiones sobre la cinta:

1. Típica pero NO tópica:

Las secuelas son carne de las críticas más duras. Mantener el nivel de su antecesora suele ser todo un reto. Para variar, aquí no se rompe con la esencia que respiraba su opera prima, el hecho de que Gunn repita como director sin duda ayuda a mantener ese equilibrio. Una estructura inicial que sumando nuevas tramas y personajes aportan un conjunto que prácticamente no tiene nada que envidiar a su primer volumen (algo que pocas secuelas de Marvel han conseguido igualar). Es cierto, que puede pecar de ser argumentalmente poco sorprendente pero a grandes rasgos consigue repetir con aquellos elementos que nos enamoraron la primera vez.


2. ¡¡ YO SOY BABY GROOT!!

Desde los títulos de créditos iniciales Groot vuelve a robarnos el corazón. Infantilizar al personaje se ha convertido en una decisión arriesgada pues aleja a una parte del público que ansía ver acción a raudales y que no está interesada en esos gags que aportan un extra de adorabilidad sobre dicho personaje. A nivel personal creo que aporta un factor realmente beneficioso, al ser un efecto temporal, el jugar con algunos tópicos en este volumen acordes con la edad de Groot nos muestra situaciones que tal vez ya hemos visto pero que dan geniales respiros cómicos a la cinta. Un auténtico angelito que nos encantaría llevarnos a casa.


3. Mantiene los valores originales

Una de las principales características que guardan las familias de superhéroes de Marvel es que todas cumplen el concepto de ser una familia. En esta película es vital para cada personaje hacernos sentir esa unión que les hace combatir, ya sea mediante lazos de sangre o no. Abriendo la posibilidad a la idea de que nosotros somos libres de elegir a nuestra propia familia. Permitiendo el desarrollo de algunos de estos personajes inadaptados e irreverentes de los que casi no podíamos haber explorado su faceta sentimental. Generando por tanto una línea argumental más fuerte y de la que suelen prescindir este tipo de blockbuster palomiteros haciéndola más orgánica.


4. Su diseño de producción

Esta saga puede alardear de gozar de tener un potente universo imaginario dispuesto a ser explotado. Algo que suele ser más unidimensional en el resto de productos de la compañía (Thor o Doctor Extraño son de las pocas que ofrecen algo visualmente nuevo). Claramente esta segunda parte se aprovecha para ofrecer un mayor derroche visual. Desde la creación del planeta Ego hasta la introducción de los Sovereign (una especie de humanos dorados espaciales). Todo ello acompañado por los necesarios y apabullantes efectos visuales que dan credibilidad a esas ansiadas escenas de acción. Creando su propio universo, con un delicado trabajo creativo que consigue dejarnos totalmente anonadados.


5. El palpable aire ochentero

A pesar de su extensa duración (2 horas y 15 minutos) sus humor ameniza la acción de los acontecimientos. Tal vez en esta ocasión se abusa de este recurso pero las referencias a la cultura pop de los años 80 nos regala algunos de los momentos más bizarros e inesperados de la película.  Una referencia temporal que vuelve a estar palpable también desde punto de vista visual y musical. Cotando con una banda sonora que no llega a la grandilocuencia de su antecesora, pero que nos vuelve a brindar grandes escenas.


6. Mantis

No es nada fácil introducir nuevos personajes a una franquicia. Interpretada por la actriz Pom Klementieff la llegada de Mantis aporta un perfecto equilibrio en el equipo. Un nuevo ser inadaptado que destaca por su capacidad de transmitir y modificar sentimientos emocionales. Característica que la convierte en todo un blanco para las bromas de la cinta gracias en parte, a su dulce ingenuidad. Una inesperada incorporación a la que suman otros personajes como los de Ego (Kurt Russell) el desaparecido padre de Star Lord o la alta sacerdotisa Ayesha (Elizabeth Debicki). Dos interesantes personajes a los que no se les debe perder vistazo.


7. Su Villano/a

Una de las marcas de la casa más opacas de las películas de Marvel suelen ser sus villanos. Pocos han logrado trascender quedando como meras caricaturas que hacen la vida imposible a nuestros protagonistas, sin suponer un gran reto a fin de cuentas y que no aportan interpretaciones memorables. En esta segunda parte el villano/a es casi una gran incógnita (excepto para los fans de los comics) y sin duda es un acierto. No era nada fácil abordar en acción real el concepto que han tratado, pero han sabido darle un creíble y cuidado toque personal. Un villano realista y con motivaciones que probablemente no pase a la historia pero que nos deja un trabajo más cuidado que con anteriores contrincantes. El secreto sigue bajo llave y si quieres saber a qué se enfrentarán nuestros guardianes tendrás que visitar las salas de cine.


Guardianes de la Galaxia consiguió aportar un nuevo código en las cada día más anodinas franquicias de superhéroes. Con su volumen dos nos traen justo lo que necesitábamos más y mejor. Descubre desde este viernes que nos depara esta nueva película. ¿Crees que superará las expectativas?

Los 10 momentos más emotivos de Los Simpson

Apunto de llegar a sus 30 temporadas, Los Simpson, es una de la series de mayor éxito de la historia de la televisión. Esta producción aminada americana se ha convertido en todo un referente del canal Antena 3 y marcado a varias generaciones gracias a su asociación cultural y su peculiar sentido del humor.  Como buenos amantes del mundo amarillo hemos decidido revisar minuciosamente las escenas más emocionantes de la serie y hemos creado esta lista con los momentos más emotivos que nos han regalado sus personajes.


1.El baile de promoción de Homer y Marge:

Episodio 25 – Temporada 2

Argumento del capítulo: Cuando la televisión se estropea Homer y Marge deciden comenzar a contar la historia de cómo se conocieron. Ambos coincidieron en el aula de castigo del instituto, momento en el que Homer quedo totalmente enamorado de Marge y le dé pide que le dé clases de apoyo que realmente no necesita. Una pequeña mentira que hace que los dos pasen tiempo junto y se enamoren, pero que sin embargo no evita el enfado de Marge que decide no ir con él al baile de graduación.

La Escena: Tras una desastrosa noche en la que Homer vuelve a casa andado por la carreta tras ver como su chica bailaba con otro un coche comienza a pitarle. El interior del coche esta Marge que va recogerlo pues se ha dado cuenta de que realmente está enamorada de él y que lo que hizo fue algo dulce. La dulce canción “Close to you” acompaña durante todo el capítulo a los personajes, convirtiéndose en un emblema de la serie.


2. La muerte de Encías Sangrantes.

Episodio 125 – Temporada 6

Argumento del capítulo: Bart necesita ser operado de apendicitis. Durante su visita al hospital Lisa se reencuentra con su viejo amigo el saxofonista Murphy (Encías Sangrantes). Lamentablemente cuando Lisa vuelve al día siguiente para visitarlo recibe la noticia de que ha fallecido. Acontecimiento que iniciará una profunda depresión en ella, intentado que el don para la música de Murphy no caiga en el olvido.

La Escena: Haciendo referencia a la mítica escena de El Rey León, cuando Mufasa se reecuentra en forma de nube gigante con Simba para hacerle entender que deber seguir adelante y cumplir con su destino. En la serie Murphy se aparece en forma de nube para despedirse concluyendo con un fantástico tema musical a dúo. El punto de vista de la muerte tratado desde los ojos de la pequeña Lisa nos regala un capítulo que crea una perfecta empatía por lo real y duro que es la pérdida de un ser querido.


3. Marge decepcionada por Bart:

Episodio 139 – Temporada 7

Argumento del capítulo: Bart es alentado por los matones de la escuela para robar un videojuego en un centro comercial. Al intentar huir con el juego es pillado por el guardia de seguridad, el cual le prohíbe la entrada al establecimiento. Sin embargo, las compras de navidad de los Simpson no evitan una inminente visita al centro provocando que el secreto de Bart salga a la luz y Marge se quede totalmente avergonzada de su hijo.

La Escena: Tras una etapa donde Marge sumida en la depresión decide ignorar a Bart, dando por entendido que puede valerse por sí mismo. Bart decide regalarle a Marge un retrato de él para que pueda colocarlo junto a la foto de familia en la que el siempre sale haciendo el tonto. Un detalle que enternece el corazón de Marge y con el que decide que es hora de volver a hacer las paces con su hijo viendo que están arrepentido sus actos.


4. La operación de corazón de Homer:

Episodio 11 – Temporada 4

Argumento del capítulo: Homer lleva un tiempo sufriendo molestias en el corazón. Manteniendo una fuerte discusión con el señor Burns sufre un infarto, lo que lo llevará a tener que comenzar un inminente proceso quirúrgico en el que le colocaran un bypass. Al ser una operación bastante cara la familia decide optar por cirugía que ofrece el doctor Nick. Lo que hará la operación mucho más delicada.

La Escena: Las palabras de Homer a sus hijos antes de la operación. Conservando lo más tierno y cómico de un momento que no deja de ser increíblemente duro. Donde son los propios hijos los que lo tienen que ayudar para hacer un buen discurso (regalándonos aquel mítico: Lisa eres adoptada y no te quiero).


5. La Boda de Lisa

Episodio 122 – Temporada 6

Argumento del capítulo: Durante la feria renacentista de Springfield, Lisa conoce a una hechicera que le contará la historia de cómo será su primer gran amor. Un ideal chico británico que no puede aguantar a su futuro suegro, lo que generará un conflicto durante la ceremonia nupcial.

La Escena: Durante la boda Lisa decide finalmente no casarse cuando ve que su pareja no acepta a su familia. Dejando escapar a su amor y prefiriendo estar con sus seres queridos ya que a pesar de que no sean inteligentes o elegantes son parte de ella.


6. La primera palabra de Maggie

Episodio 62 – Temporada 4

Argumento del capítulo: Toda la familia se empeña en intentar en que Maggie diga su primera palabra, situación que ve Marge para contar como fue la primera palabra de Lisa. Relatando como compraron su casa actual y la difícil relación que ya vivían Bart y Lisa desde sus inicios.

La Escena: Homer intento que las primeras palabras de Lisa y Bart fueran “papi», sin embargo no huno manera, dando como consecuencia algunos de los momentos más tronchantes del episodio. Pero los esfuerzos de Homer dan fruto cuando justo antes de dormir  Maggie se queda sola en la habitación se quita para el chupete y dice “papi”. Una palabra que nos encogió el corazón al mostrar un momento tan tierno y con ello la primera palabra del personaje.


7. Lisa contra Bart sobre hielo

Episodio 111 – Temporada 6

Argumento del capítulo: Lisa está apunto de suspender la asignatura de gimnasia. Su única oportunidad de aprobar la asignatura es apuntándose a una actividad extraescolar, en este caso el hockey sobre hielo. Sorprendentemente Lisa destaca en el deporte lo que despierta los celos de Bart al ver la popularidad que se ha ido labrando. Produciendo un enfrentamiento entre los dos hermanos que casualmente se enfrentarán para ver quién es el mejor en un partido de hockey.

La Escena: Durante el juego toda la agresividad del publico envuelve la atmósfera del partido, los cuales aclaman por tener un ganador. A falta de un punto para desempatar, Lisa y Bart comienzan a recodar los momentos que han vivido juntos, ya que a pesar de sus diferencias son hermanos y eso está por encima de cualquier juego. Se odian y se aman a partes iguales por lo que deciden cerrar el partido con un abrazo y hacer (momentáneamente) las paces.


8. El primer beso de Homer y Marge

Episodio 333 – Temporada 15

Argumento del capítulo: Homer cuenta a los niños como fue su primer beso durante un campamento de verano cuando era pequeño. Para su sorpresa resulta que aquel primer beso fue con Marge y ninguno de los dos lo supo hasta ahora. Por desgracia un malentendido del pasado rompió el corazón de Marge abriendo un triste cajón a su pasado sobre la decepción que sufrió Marge con su primer amor.

La Escena: Un delicioso episodio que contiene todos los clichés y las meteduras de pata típicas de los nervios de la primera cita (Homer con un parche en el ojo y Marge de pelo liso y moreno…). La representación del beso, llevando con la canción So Happy Toguether, al espectador a un confortable y metafórico mundo visual de fantasía y comida nos dejó completamente enamorados. Además su desenlace demuestra que estamos ante una de las mejores historias románticas de la ficción televisiva.


9. Hazlo por ella

Episodio 116 – Temporada 6

Argumento del capítulo: En este capítulo Homer narra la historia del nacimiento de Maggie. En 1993, el patriarca de los Simpson decide abandonar su trabajo en la central nuclear para cumplir su sueño: trabajar en la bolera. Sueño que se ve truncado cuando el nacimiento de Maggie hace que no tenga suficiente dinero para mantener a su familia y se vea obligado a recuperar su empleo en la planta nuclear de por vida.

La Escena: Con su regreso a la empresa el señor Burns pone frente a su puesto de trabajo una gran placa para recordarle la promesa que han hecho (“No lo olvide, trabajará aquí para siempre”). ¿Cómo se enfrenta Homer a este mal trago? colocando las fotografías de Maggie en forma de mural  y modificando el texto de la placa por un enternecedor “Hazlo por ella”.


10. Madre Simpson

Episodio 135 – Temporada 7

Argumento del capítulo: Homer finge su muerte para evitar el día de recogida de limpieza de residuos en la central. Más tarde acude al registro civil para declarar que sigue vivo y descubre que su madre a la que creía muerta también lo está. Precisamente su madre vuelve a Springfield para el supuesto funeral de su hijo, lo que ocasional un especial reencuentro tras 27 años. Un capítulo que resolverá porque no se supone nada de Mona Simpson hasta ahora.

La Escena: Al final del capítulo Mona no tiene más remedio que huir tras ser perseguida por la ley. Dejando a Homer solo de nuevo. Una dulce y triste despedida que le regalan a Homer las palabras que tanto había necesita escuchar en su vida. Un Homer maduro que acepta la realidad y sobre el capo del coche ve como su madre desaparece en el horizonte mientras cae el anochecer.

 

Crítica | Órbita 9

Tras una larga carrera como guionista, Hatem Khraiche estrena su primer largometraje como director Órbita 9. Una producción española rodada durante 7 semanas en Medellín, Bogotá y diferentes localizaciones del País Vasco. Protagonizada por Clara Lago, interpretando a Helena, una mujer que ha vivido durante toda su vida en una nave en el espacio, preparándose para una misteriosa misión. Sin embargo, no es consciente de que en realidad es la cobaya de un ensayo científico. Cuando uno de los trabajadores de la fábrica científica, Álex (Álex González), conoce a Helena, decidirá poner en riesgo su trabajo para poder rescatarla de su prisión y mostrarle el mundo que hay fuera de su burbuja. Mientras, son perseguidos por la comunidad científica en un carrera que podría marcar el futuro del humanidad y de los seres humanos en el espacio.

En Bface Magazine hemos podido adelantarnos a su estreno y esta ha sido nuestra impresión sobre la película:


Realmente, la campaña publicitaria de la cinta ha tendido a explotar ese aspecto espacial del que nace la historia. De hecho, muchos pensábamos que nos encontrábamos ante la nueva Eva, una nueva obra patria de la ciencia ficción. Nada más lejos de la realidad, lo del espacio solo es el punto de partida para contar la historia que de verdad «importa». Y es que toda esa trama disfrazada de viaje espacial vuelve a caer en otra indiferente historia romántica. El amor siempre puede estar justificado, pero la conexión de ambos individuos ocurre de una forma tan instantánea que no da tiempo expresar los sentimientos de cada personaje y hace que carezca de realidad y nos saque de la narración. Aunque tratan conceptos muy diferentes, su corte de historia romántica espacial me recuerda levemente a aquel reciente y simple entretenimiento que supuse Passengers (la cual al menos transcurría en el espacio). Aquí el peso está en una relación de amor express, en la adaptación de una protagonista en el mundo real y un carrera contrarreloj para que no ser capturados. ¿No puedes ofrecerme nada más?. Realmente para atraparme no necesitas crear algo nuevo. El cine está constantemente plagado de referencias y temas vistos anteriormente pero es mucho más importante cómo me cuentas tu historia que lo que realmente me estás contando. En definitiva, Órbita 9 no aporta prácticamente nada útil. El cineasta repite el patrón que ya logró con La Cara Oculta (fue su guionista). Parte de una historia interesante para acabar en un laberinto de personajes desdibujados, dando la sensación de que no sigue una estructura. Sin esa estructura, ninguna buena idea puede venderse.

Quizás su único punto salvable sea ese aspecto visual con el que arranca. La creación de ese recinto espacial, el diseño de la nave donde transcurre la vida de Helena, la voz del sistema operativo, la alimentación de la protagonista… detalles que dan credibilidad a lo que acontece. Sin embargo, los escenarios exteriores no me parecen del todo justificables. Sí que es palpable que el hecho de rodar en lugares áridos y de altas temperaturas. Probablemente sea una idea para aumentar ese efecto de adrenalina y desesperación que rezuma la cinta, pero no deja de ser un mero efecto que realmente no llega a ser imprescindible para la misma (aunque no deja de ser vistoso).

La mejor parada de su elenco de actores es Clara Lago. Aunque parte de un interesante instinto de dureza, viendo a una especie de heroina de acción cuya única meta en la vida ha sido prepararse para esa misión especial. Sus escenas de entrenamiento son visualmente buenas pero poco creíbles en comparación con el resultado físico. La protagonista enseguida cae en el papel de una indefensa dama en apuros ante la estupefacción que le produce Álex González. Desaprovechando todo el potencial con el que partía, para dejarnos otro personaje incomprendido, al que se debe amar por el hecho de haber tenido una vida diferente. Asociación que no se llega a lograr.

Si lo sumamos a un González en piloto automático, nos deja una historia «bonita». Algo realmente insuficiente cuando el peso de la película recae sobre su historia de amor. Una relación que acontece de una manera tan instantánea que la hace totalmente irreal. Al salir de la nave, la acción empieza a subir de forma atropellada sin dar tiempo a narrar lo que ocurre. Les acompañan un detestable Andrés Parra como el tópico villano y unas anecdóticas Belén Rueda y Kristina Lilley (sí, la que estáis pensado, la misma Gabriela de Pasión de Gavilanes), que parecen perdidas en semejante paranoia cinematográfica.

Me entristece no poder ser más optimista a la hora de dejar mi opinión, pero no puedo evitar ser honesto. Órbita 9 es un thriller romántico que se se centra más en llegar a una acción final desenfrenada que en desarrollar la personalidad y las necesidades de cada personaje. Quizás sea una obra realizada más para gusto personal que para agradar al espectador, pues estamos ante un filme que lamentablemente dejará frío a buena parte de la audiencia. Caerá rápidamente en el olvido.

 

La redacción elige… las 15 mejores series de instituto

Netflix se ha propuesto sacar nuestro lado teenager. Basada en un conocido bestseller y producida por Selena Gómez, Por 13 razones, revive el germen adolescente. ¿Recuerdas la sintonía de tu serie favorita? ¿ Cuándo volvías a casa corriendo sintonizabas la tele y el mundo se paraba? ¿Esa época en la que forrabas tus carpetas con los abdominales de tus personajes favoritos?

El género de la ficción juvenil esta en continua evolución pasando de generación en generación, creando historias con las que poder sentirse identificado hasta los límites más insospechados. La nostalgia invade la redacción de Bface Magazine y por eso hemos decido crear la lista definitiva con las mejores series de instituto. Sincronizad vuestros relojes y observad en qué lugar está vuestra serie favorita:

15. Raven – 11 puntos

La generación de finales de los noventa tuvimos la suerte de contar con la cadena del ratón Mickey. Un contenedor que ofrecía lo mejor de la factoría y además la creación de contenido propio con el que poder aumentar aún más el beneficio de sus arcas. Raven y sus poderes capaces de adivinar el futuro, fueron uno de los primeros emblemas de la cadena. Actualmente se está preparando una secuela de la serie original que contará con la propia Raven-Symoné en el reparto.


 14. Las Chicas Gilmore – 13 puntos

La serie maternofilial por excelencia. 7 años en antena, para una serie que no tenia tapujos a la hora de tratar los típicos efectos de las relaciones generacionales (familia, amistad, escuela, clases sociales…) y a la vez ser una ventana cultural.  La genial Melissa McCarthy (La boda de mi mejor amiga), consiguió lanzarse al estrellato con su recurrente papel secundario en este ficción. El pasado año, Netflix la devolvió a la vida en un especial de 4 capítulos.


 13. Al Salir de Clase – 15 puntos

Primera parada en el mundo de la ficción nacional. La propuesta adolescente de Tele 5, llego con la idea de adaptar el modelo de ficción americana que estaba triunfando en el extranjero, con los problemas típicos de la sociedad española de finales de los 90. Ha conseguido convertirse en una de las series patrias con una mayor cantera de actores que ha terminado triunfando en el mundo de la interpretación. Actores como Elsa Pataky, Rodolfo Sancho, Hugo Silva, Alejo Sauras (interpretando a uno los primeros personajes homosexuales de la ficción española), Paula Echevarría, Olivia Molina o Carlos Sobera, amenizaron durante 5 años nuestras sobremesas. Constancia que saldo con un Premio Ondas.


 12. Awkward (La Chica Invisible) – 16 Puntos.

Nadie pensó que un “suicidio” pudiera ser tan gratificante.  Marcando un rumbo diferente con un tono más blanco, sin ponerse a moralizar, ni polemizar lo típicos temas adolescentes. Historias que temporada a temporada se entrelazaban entre si adquiriendo profundidad y consiguiendo que lo personajes crecieran. Para España fue uno de las grandes referentes de Mtv durante su periodo en abierto.


 11. Dawson Crece – 17 puntos

Probablemente la serie más políticamente correcta de la lista. Partiendo de un trio de amigos desde la infancia a los que la llegada de una nueva vecina del pueblo truncará sus vidas. Seis años de tensión emocional, exaltación de sus aficiones, la búsqueda de un futuro y largas conversaciones retoricas para concluir en el eterno y previsible romance final. Es curioso ver como con el paso de los años la carrera de Michelle Williams sigue en ascenso, mientras que la de la ex-señora de Tom Cruise (Kate Holmes) sigue en decadencia. Contiene una de nuestras cabeceras favoritas.


10. The OC – 19 puntos

California Here We Come… el grupo Phantom Planet se encargó de ponerle la sintonía a la una de las series más recordadas de la cadena americana Fox. La llegada de Ryan a una nueva familia se convirtió en nueva forma de vida para él y para nosotros.  Uno de esos imprescindibles del 2000, enamorándonos con sus ficciones que pasaban de lo cómico a lo dramático en cuestión de segundos. La serie fue cancela tras 4 años en antena cuando la problemática Misha Burton decidió abandonar la producción.


 9. My Mad, Fat Diary – 19 puntos

Basada en el libro «My Fat, Mad Teenage Diary», escrito por Rae Earl. Esta serie británica relataba la historia de Rae, la cual vuelve a casa tras pasar 4 meses en un hospital psiquiátrico intentado recuperar su antigua vida. Dándonos la particular y tragicómica versión de una pesimista protagonista. Aunque podía pecar de exagerada no dejaba de ser realista, consiguiendo enamorar a una generación cansada de ver a protagonistas de revista en televisión.


8. Compañeros – 19 puntos

Uno de los mayores éxitos de la televisión nacional. Toda una generación se enamoró de las peripecias que giraban en torno a la historia de amor de unos encantadores Valle y Quimi. A pesar del declive, provocado por su posterior lavador de cara, la serie fue galardonada con varios de los destacados premios televisivos del momento. El éxito la llevo hasta la gran pantalla con No te fallaré, título que también ponía el nombre al inolvidable tema principal de la serie.


7. Pequeñas Mentirosas – 23 puntos

Precisamente este año llega a su fin una de las series adolescentes más reconocidas de los últimos años. Tras el asesinato de la líder de un grupo de amigas, se verán envueltas en un torbellino de extorsiones en el que “A” decidirá desvelar todos los secretos de las protagonistas mientras descubren que fue lo que realmente ocurrió con su amiga. En abril comienza el desenlace con un capítulo final que tendrá dos horas de duración y del que nos aseguran que no será un camino de rosas para las chicas.


6. Malcolm – 23 puntos

Antena 3 trajo a España una de las primeras ficciones con humor negro para niños. Amenizando las mañanas de los fines de semana de miles de adolescentes (¡POR FAVOR, QUE VUELVAN LAS SERIES DE LOS FINES DE SEMANA POR LA MAÑANA!). Relatando las peripecias de Malcolm, un chico superdotado que lucha por sobrevivir día a día en una familia disfuncional a los que les persigue la mala suerte. Protagonizada por los peores mejores padres de la historia: Bryan Cranston y Jane Kaczmarek.


 5. La pecera de Eva – 25 puntos

Los años han sabido poner en su lugar a esta infravalorada serie. En ella la psicología entraba en escena, haciendo odiar y amar a los personajes ya que tenían la situación para poder ir expresando de qué experiencias estaba formado el personaje. La paciencia de Eva, los hilos argumentales y la improvisación de su reparto (no contaban con guiones escritos, dotando de realidad a la interpretaciones) nos regalaron una serie que enamoro a los más tele adictos. Protagonizada por Alexandra Jiménez en uno sus papeles más recordados por los fans.


4. Gossip Girl – 32 puntos

Las típicas tramas adolescente desde el punto de vista de un blog que relata de las vida de un grupo de jóvenes multimillonarios que viven en Mannhattan. Los conflictos amorosos, las drogas y los problemas económicos y familiares dieron forman a una serie que llego a España de forma desapercibida de mano de la cadena Cuatro. Un emblema de una nueva generación tecnológica, que influyo en el mundo de la moda y nos regaló uno de los mayores misterios de la ficción adolescente: ¿Quién es la reina cotilla?


 3. Glee – 33 puntos

Con el boom de los musicales en el nuevo siglo nació esta nueva apuesta por Fox. Manteniendo los conocidos valores adolescentes a ritmo de los éxitos musicales de ayer y hoy.  Canciones y puestas en escena que han marcado a una generación de soñadores, en las que los perdedores también podían brillar. Una serie creada por Ryan Murphy uno de los grandes creadores de la última década que nos ha regalado series o America Crime Story, American Horror Story o la actual Feud.


2. Skins – 33 puntos

La gran apuesta británica en el mundo de la ficción adolescente. Gracias a unos diálogos brillantes han conseguido ser una serie de consumo obligatorio en este nueva era digital. Cada personaje relataba una desestructurada nueva generación de personajes con desordenes de personalidad y alimentación, enfermedades mentales… La irreverencia iba de la mano de lo realista en una serie inolvidable. Lanzando al estrellato a interpretes como Nicholas Hoult (Mad Max: Fury Road), Kaya Scodelario (El Corredor del Laberinto), Hannah Murray (Juego de Tronos) o Dev Patel (Lion).


1. Física o Química – 34 puntos

No podía ser otra. El Zurbarán fue la última serie de la pantalla pequeña que marco historia. Antena 3 se atrevió a lanzar estas historias “políticamente incorrectas” que hablaban sin temor a una nueva generación, que necesitaba una serie diferente. La compresión hacía temas tan maltratados en nuestra sociedad, en los que primaba la tolerancia, consiguió conquistar el corazón de los adolescentes de la última década. Además nos regaló la historia de amor entre David y Fer, una de las más recordadas de la pequeña pantalla. A pesar de que muchos de nuestros padres nos consideraran demasiado pequeños para los temas que trataba, la serie consiguió darnos una visión más realista del mundo, permitiéndonos ser un poco más libres y optimistas.

Por 13 Razones se estrena el 31 de marzo en Netflix. ¿Listo para volver al instituto?

6 razones por las que ‘Pieles’ te conquistará

Tras realizar su debut en el pasado Festival de Berlín, Pieles, la opera prima de Eduardo Casanova, llega al territorio nacional dentro de la sección oficial del festival de Málaga. Rodada durante el pasado verano, las noticias sobre la película nos han llegado con cuentagotas, aumentando la expectación de un público que ansía ver (por fin) algo diferente.

La película relata 5 historias entrelazadas entre sí con un mismo denominador común: todos son personas que poseen diferentes malformaciones físicas, que no pueden evitar sentirse recluidas socialmente. La búsqueda de la felicidad en un mundo lleno de incomprensión marca la crudeza de esta historia que, aunque contada de forma extravagante, es el pan de cada día de muchas personas.

Bface Magazine ha podido disfrutar de la película antes de su estreno en Málaga y no ha podido evitar sorprendernos. Por este motivo nos proponemos aumentar vuestro hype exponiendo nuestras impresiones sobre la cinta.

Las pieles cambian.  Las pieles se operan. La apariencia física no es nada.

1. La consagración de Eduardo como artista: 

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Conocido públicamente por su trabajo como actor, también se ha puesto tras la cámara para realizar campañas de publicidad, videoclips y 7 cortos a sus espaldas. Ahora cumple su mayor sueño, lanzarse al largo. Una nueva faceta que le viene por esa ansia de querer expresarse de una forma más profunda. Es necesario destacar la valentía de un creador que realmente habla en primera persona, expresándose con un lenguaje propio con total libertad. Algo difícil de ver en los tiempos que corren, donde los refritos comerciales priman sobre lo original.

2. Un reparto en estado de gracia:

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El germen de Pieles, nació con el cortometraje Eat my Sit. En el que Ana Polvorosa interpretaba a una joven con el aparato digestivo a la inversa. Una fascinante idea, plasmada en una genial crítica a la sociedad que enseguida se convirtió en viral. Polvorosa vuelve a ponerse en la piel de dicho personaje uniéndose a un reparto lleno de caras conocidas en potencia: Carmen Machi (ojito a su personaje), Candela Peña, Secun de la Rosa, Jon Kortajarena, Joaquín Climent, Itziar Castro o Macarena Gómez. Estando algunos de ellos totalmente irreconocibles, dan vida a las diferentes anomalías físicas que quería plasmar el cineasta. Es de agradecer que para crear dichas malformaciones se opte por el uso de moldes protésicos (y no de los trillados y reiterativos efectos especiales), llegando a alcanzar un apabullante realismo. Además abre la puerta a caras no tan conocidas de nuestro panorama interpretativo con malformaciones reales como las de Mikel Godoy, Vanessa Redondo o Ana María Ayala. Aportan fuerza al discurso entre un reparto tan conocido.

3. Eloi Costa: ¡Ha nacido una estrella!

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Ocasionalmente el cine nos ofrece la llegada de nuevas caras. En Pieles no puede evitar llamarme la atención el personaje interpretado por el barcelonés Eloi Costa. Y eso que con el trascurso de las tramas su historia me parece que se convierte en la más descafeinada. Pero según mi criterio, creo que tiene las mejores escenas de la película, donde se refleja la fragilidad palpable de un personaje lleno de sueños que no se siente cómodo consigo mismo, en un mundo lleno de odio, con una gran carencia de estructura familiar. Momentos extravagantes que nos llevan instantáneamente desde la deliciosa carcajada por puras situaciones absurdas, hasta encogernos el corazón por la empatía que genera el personaje. La luz que proyecta en su interpretación y su cabello violeta se convierten en un emblema de la película que nos deja completamente enamorados.

4.  Su diseño de producción:

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El propio director se ha encargado de este aspecto de la cinta. Obsesionado por el color rosa, acaba llevando esta pasión a su máximo apogeo escenográfico. El diseño está lleno de habitaciones espaciosas donde cada objeto parece puesto a medida con un fin propio. Al igual que su cuidada fotografía, donde la precisión ayuda a expresar la dureza de la obra y aumenta el interés por el diálogo de las interpretaciones actorales. Una estética que se deja influenciar por artistas como Todd Solondz, John Waters o David Cronenberg. Llama la atención que en el aspecto musical haya rescatado el tema de Matt Monro Alguien canto. Una melodía que se graba en nuestra cabeza y da una esencia especial a la película. Realmente, el diseño se ha convertido en un personaje propio e imprescindible para relatar la obra.

5. Prima la tolerancia:

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Las historias de Pieles relatan las vidas de minorías sociales con malformaciones físicas. La idea de relatar la historia de forma coral ya marca el hecho de concienciar de que existen personas diferentes. Personas que para muchos son invisibles (o se empeñan en intentar que lo sean). Casanova consigue analizar las profundas carencias que se anhelan en el ser humano: la búsqueda del amor propio, aceptarse a sí mismo, superar nuestros miedos… Sentimientos que son iguales para todos. Rompiendo totalmente con las conductas sociales actuales. Donde las redes sociales nos venden una propaganda constante de lo que es un cuerpo ideal o cómo debemos ser. Cada día tenemos una conciencia donde creemos que la igualdad es más palpable, pero aún nos queda mucho por recorrer.

6. No hay tabúes: 

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Aunque inicialmente sus imágenes no puedan evitar dejarnos algo petrificados sin saber bien qué nos cuentan o nos van contar, rápidamente entramos en la historia. Viendo como ese choque visual que producen las malformaciones simplemente es algo pasajero. Lo importante es conocer a los personajes y no juzgarlos por esa primera impresión. Una empatía con el prójimo de la que nos olvidamos muy ocasionalmente. Entrando rápidamente en un código donde prima lo natural, sin filtros. Todo lo políticamente incorrecto: el sexo, los desnudos integrales (incluyendo masculinos, algo que siempre ha costado ver en el cine), las conversaciones sobre excrementos o el consumo de drogas… y que son reales como la vida misma. Se agradece contar con un lenguaje limpio y sin censura.


Un sabor nuevo y fresco nos deja este largometraje. Lamentablemente aún no cuenta con fecha de estreno oficial en nuestro país.  Probablemente no pase la aprobación de los más escépticos. Y aunque no hay duda de que aún le quedan aspectos por pulir, Casanova marca con Pieles un brillante estreno como director, con marca propia y que no pasará desapercibido. Atentos, porque este año se llevarán las pieles.

6 razones para amar y odiar «La Bella y la Bestia»

El evento cinematográfico del año ha llegado. Es el quinto remake de Disney con actores reales de sus queridos clásicos animados. Y, sin duda, estamos ante la prueba de fuego definitiva para saber si nos llega una interesante revisión de la historia (como ya pasó con El libro de la selva), o si estamos ante una gran decepción.

Precisamente, se cumplen 25 años desde el estreno en salas de La Bella y La Bestia, probablemente una de la películas más queridas por el público, por contar con unos personajes, una banda sonora y una historia que marcaron nuestra infancia.

El debate está servido. Como hemos sido afortunados y ya hemos visto la película, os dejamos 6 razones para amar y odiar la nueva versión y que podáis argumentar vuestra decisión.


6 RAZONES PARA AMAR LA BELLA Y LA BESTIA (2017)

1. MANTIENE LA ESTRUCTURA ORIGINAL:

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Quizás es el punto que hace que nos cueste ser más imparciales a la hora de ser críticos. El factor de la nostalgia. Prácticamente es casi un calco de la película del 91. Planos, canciones, incluso diálogos, beben del material original, consiguiendo lo más difícil: mantener sus valores intactos. Cierto es que hay espacio para nuevos momentos (dura 50 minutos más que la original), pero, en general, se integra perfectamente con la historia que ya conocíamos, abriendo la puerta al pasado de Bella e intentado conseguir una relación más estrecha entre Bella y Bestia.

 

2. REPARTO:

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Un mastodonte cinematográfico como este no debía escatimar en un reparto lleno de estrellas, con Emma Watson como cara de cartel, enamorando al personal como una de las heroínas de Disney más queridas por el público. Se le suman Dans Stevens, Emma Thompson, Ian McKellen, Ewan McGregor, Kevin Kline, Josh Gad, Audra McDonald o Stanley Tucci. Todos demuestran sus dotes vocales y humanizan a sus personajes, de los que es fácil volver a enamorarse.

 

3. BANDA SONORA:

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Es una auténtica gozada volver a contar con la mano de Alan Menken para dar vida musicalmente a la película, con las melodías clásicas rediseñadas, pero que se adaptan a la perfección con el relato. 28 temas instrumentales y 15 canciones que podrían ser dignas de un musical. Además, escenas tan esperadas como ¡Qué festín! dan el do de pecho y son una auténtica delicia visual. En definitiva, es un regalo que el compositor haya hecho renacer al clásico.

 

4. EL DOBLAJE DE BELLA:

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En la versión española es un detalle que se haya contado con Bely Basarte (para las canciones) y Michelle Jenner para ponerle voz a Bella. La primera es una conocida youtuber española que ha triunfado en Internet gracias a sus vídeos, donde versiona conocidas canciones con su deliciosa voz. La segunda vuelve a ser la voz de Emma Watson tras cinco películas de Harry Potter, donde ya pudo doblarla. Juntas consiguen darle ese tono de dulce y enternecedor, que recuerda tanto al del primer doblaje que se hizo en España.  Además, Miguel Ángel Jenner, padre de la actriz, es el encargado de ponerle la voz a Din Don.

 

5. LUKE EVANS:

bella y bestia

A pesar de contar con tantos nombres relevantes en su reparto, sorprende encontrar a alguien que sobresale del resto. Como Gastón, Evans encaja perfectamente, dejando encandilado a cualquiera. Tiene porte, sabe cantar, vestir, moverse… todo un rompecorazones, aportando esa esencia irresistible que tal vez le faltaba al personaje original. Ambos son igual de inútiles y arrogantes. Sin embargo, en esta versión entendemos mucho mejor por qué las chicas iban siempre tras él. Además, pone en el firmamento las cualidades de Luke Evans para el musical, una razón más para enamorarnos del actor.

 

6. ESCENA FINAL:

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Salvando las distancias, uno de los momentos que más fuerza tienen de la cinta es la invasión del castillo. La canción del Gastón, el pueblo enfurecido con antorchas y lanzas, cómo destruyen el castillo, cómo se defienden los objetos… llegando al gran desenlace, el enfrentamiento entre Gastón y Bestia y su posterior transformación en príncipe.

Es inevitable que se te salten las lágrimas, porque toda la tensión y la fuerza que le da la música siguen intactas. Quizás hay pequeños detalles que cambian para bien y para mal, pero toda esa magia que envolvía a esa parte de la historia sigue viva.


6 RAZONES PARA ODIAR LA BELLA Y LA BESTIA (2017):

1. ADIÓS A LAS VIDRIERAS:

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No entendemos cómo uno de los inicios más emblemáticos de la compañía ha caído en el olvido en esta adaptación. La sencillez y la belleza visual que nos situaba ante lo que estábamos a punto de ver era pura narración que conseguía atraparte e introducirte de lleno en la historia.

En esta ocasión, optan por enseñarnos qué fue lo que ocurrió mediante imágenes reales, rodeados por un tono más recargado y clásico típico de la época en la que se basa en la película. ¿De qué sirve calcar la película original si olvidamos recuperar uno de sus momentos más imprescindibles?

 

2. LA BESTIA:

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No tenemos nada en contra de la elección de Dans Stevens para el papel, él es perfecto. Pero realmente han destruido la esencia del personaje para humanizarlo. La nueva Bestia está más cerca de un peluche gigante (que incluso me recuerda a Sully de Monstruos S.A.) que del personaje en que se basa. No hay rastro de la brutalidad que desprendía; ya no da miedo y destruye el alma del personaje, quitándole fuerza y personalidad, además de que su animación puede pecar de mediocre.

Para colmo, su relación con Bella deja un poco que desear, quedándose en un conjunto bonito; sólo eso. No tiene la chispa de su predecesora (en este aspecto, Lumiere también sale perjudicado). En general, todos los personajes pierden su personalidad. Es increíble cómo estos en su versión original, sin apenas decir palabra, pueden expresar más que los seres humanos.

 

3. LAS NUEVAS CANCIONES:

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Tal vez pasen más desapercibidas en la versión original, pero no pueden evitar «chirriarme» bastante las canciones que no conocemos. No tienen ese ritmo ni ese mensaje que tenía cada uno de los temas con los que hemos crecido. Eran momentos que servían para llenar de energía al espectador y hacer que evolucionara más rápidamente la historia. La única canción que ha conseguido emocionar es Evermore, (de la que el cantante Josh Groban ha realizado una preciosa versión), usada para uno de los momentos más emocionantes de la película y que está interpretada por la Bestia. La combinación de las nuevas propuestas deja que desear, teniendo en cuenta las grandes expectativas que teníamos, aunque quizás sea cuestión de que hay que acostumbrarse a ellas.

 

4. EL CASTILLO:

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La película del 91 se esforzó por hacer que los colores predominantes de cada escena fueran acordes con los sentimientos que experimentaban los protagonistas. Fue un personaje con vida propia, un lugar que estaba relacionado con la propia personalidad de la Bestia. Oscuro, gótico, tenebroso… prácticamente dando la apariencia que debería tener un lugar que muestra el dolor en lugar desolado donde anteriormente hubo vida. Es genial que para la nueva versión hayan intentado apostar por algo nuevo, pero irse al estilo rococó de la época en la que transcurre y llevarlo al extremo deja de ser atractivo. Más, si partíamos de una base tan interesante. Eliminando un elemento distintivo tan importante para la historia, como lo era la oscuridad.

 

5. DISNEY SIGUE SIN SER TOLERANTE:

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Hace unas semanas se sembró la estúpida polémica de que ésta sería la primera película de Disney que incluyese a un personaje gay. De hecho, Rusia ha calificado la película como no recomendada para menores de 16 años. Lefou, la fiel mano derecha de Gastón, se ha hecho con tal ostentoso honor, pero ¿qué tratamiento le dan? Pues prácticamente cero. La escena dura prácticamente 2 segundos y, a mi forma de ver, creo que no se percibe dicha acusación. Es triste que tengamos que hablar de este tema, cuando realmente no se han molestado por crear un personaje verdaderamente redondo y que rompa tabúes (y más triste la reacción mundial que ha tenido).

Sin embargo, me llama la atención que nadie se haya dado cuenta de que el único personaje de color de la aldea de Bella es el párroco, dando visibilidad al colectivo negro, con dos únicas frases. Personaje que también les sirve para destrozar la imagen de la biblioteca y aquel anciano vendedor de la película de dibujos animados, dejando paso a una pequeña capilla en la que casi no hay libros. Además, hay pequeños detalles recalcados en el comportamiento de Bella que llaman al feminismo, pero que caen en un saco roto. Una vez más, la sutileza y el respeto se quedan bastante cortos a la hora de ser retratados por la compañía.

 

6. ES INNECESARIA:

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Realmente es algo que no se puede discutir. Aunque nos encante la idea de revisionar la historia desde un nuevo punto de vista, no aporta nada. Copia a la original y nunca consigue mejorar el material visto; además de que cuando hace cambios no tienen ningún tipo de sentido y probablemente moleste mucho a los fans (poner a las tres hermanas trillizas rubias de morenas, que el padre de Bella sea artista en lugar de inventor…). Realmente creo que si pretendían realizar una película así, no debería haber fallo posible, y aquí uno se queda casi sin dedos para enumerar los defectos. No es una mala película, pero tras dejarla reposar, no puedes evitar sentirte decepcionado, perdiendo muchos de los momentos cómicos de la original. Porque salir de ver la película deseando ver la original no es un buen síntoma.


En conjunto, da la triste sensación de que simplemente esta película se ha realizado para poder lucrase económicamente. Se puede disfrutar y no dudo de que se han esforzado por ofrecer en esta nueva versión, más y mejor, pero la revolución técnica que pretende exponer contrasta con la sencillez del modesto clásico original; un arriesgado movimiento del que seguramente Disney salga airosa, pero que deja a los fans de la compañía desamparados viendo cómo ya no se esfuerzan igual que en aquella maravillosa era de los 90 por sorprender al público. Miedo nos da la nueva versión de El Rey León… Ahora es tu turno, ¿irás al cine o te quedarás en casa revisionando la película animada?

TRIVIAL: ¿Cuánto sabes de los Oscars 2017?

Llegó la noche más esperada del año por los amantes del cine. Esta noche se celebra la 89º edición de los Premios Oscars.  Una entrega marcada por el regreso del género musical, La La Land parte como favorita con 14 nominaciones, como clara triunfante de la noche.

Para amenizar estas última horas de espera, en Bface lanzamos este trivial sobre los Oscars 2017. Reta a tus amigos y gánate tu lugar en la academia completando este cuestionario del que solo podrán salir airosos los más cinefilos. Feliz noche de los Oscars y que gane el mejor!!

9 claves por las que Legión será tu serie favorita

Hoy en día, uno no puede evitar estar saturado ante tanto superhéroe en el cine. La gallina de los huevos de oro ahora se une al boom de mundo de la series para intentar llegar a un nuevo mercado. Marvel ha sido pionera creando en Netflix su primer universo seriéfilo que pondrá su broche de oro este año con el estreno de “Los Defensores”.

Ahora es el turno de Fox, agarrando con uñas y dientes el contrato que les da el poder de poseer los derechos del mundo X-Men y que tantos beneficios le ha dado. Era obvio que acabarían sacándole partido en la pantalla pequeña. Sorprendentemente, la serie nos ha pillado por sorpresa, aportando luz en el trillado mundo de personajes con mallas. Seas fan o no de los superhéroes, no puedes dejar escapar esta serie. Para corroborarlo, te dejo estas 9 claves que seguro que harán que te enamores de Legión.


1. Algo nuevo:

legion

Al concluir el primer capítulo de Legión uno no entiende muy bien qué es lo que acaba de ver. La realidad y la ficción se unen en una misma historia, marcada por el presente. Un gran mérito, ya que pocas series consiguen marear al espectador y, sin embargo, crear ese efecto adictivo de querer adentrarte más en un mundo desconocido por el que no sabes por dónde caminas (o qué es real). Creando una identificación palpable con el protagonista. Una oportunidad narrativa que nos da mucha curiosidad y nos deja intrigados ante cuales serán sus próximos pasos.


2. Su protagonista:

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Su mirada de acero azul cautivo a los más seriéfilos en 2010, cuando se dio a conocer en el papel del irresistible y encantador Matthew Crawley de la serie “Dowton Abbey”. Tras dejar la serie en la mitad de su historia, el actor fue probando sin suerte en mundo cinematográfico. Sin embargo, en 2017 podría firmar su estrellato. El próximo mes podremos verle poniéndose en la piel de la Bestia, en la nueva versión de Disney de “La Bella y la Bestia”. No sabremos si conseguirá enamorar al público, pero, al menos, ya ha robado el corazón de la redacción de BFace.


3. Ser la adaptación de un cómic:

legión

Es cierto que muchos ya pensamos que el género de los superhéroes ya está algo trillado y que se ha convertido en una fácil máquina de hacer dinero. A pesar de ello, la serie bebe de un serie de 5 cómics y se separa de su origen mutante para contar una nueva versión de la historia. O al menos es la intención que parece que tienen por ahora. El ser una adaptación le permite gozar de una gran red de historias ya creadas que hará las delicias a los fans y una nueva forma de crear historias, donde pesa más la realidad política y los sentimientos personales por encima del típico personaje malvado de turno.


4. De los creadores de Fargo:

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Su técnica con la cámara y su exquisita calidad visual, sin duda, beben de su hermana mayor, la serie Fargo. Tras ponerse tras la cámara en la dos primeras temporadas, Noah Hawley dirige y escribe el guion de su nueva propuesta televisiva, empeñándose en crear un universo extravagante, imaginativo e inesperado, que se aleja de las actuales tramas palomiteras del cine de superhéroes, cuya principal base es la de reflejan el contenido de la historia en sí misma y conseguir una palpable identificación con la audiencia.


5. Nuevos héroes, nuevos poderes

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En el primer capítulo no queda claro qué tipo de habilidades presentarán los protagonistas, pero, sin duda, la dosis de levitación, telequinesis y cambia-cuerpos está servida, abriendo un nuevo abanico de posibilidades sobre interesantes personajes, sus poderes y cómo les afectan a la hora de intentar tener una vida normal. El protagonista ya es un bombón en sí mismo, un personaje que posee diferentes personalidades en su interior, cada una de ellas con un poder diferente (muy al estilo de la reciente “Múltiple”).


6. El reparto:

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La marca de Fargo también queda representada en el terreno actoral. Es un placer poder volver a ver a Rachel Keller, esta vez como protagonista femenina. Y a Jean Smart, uno de los mejores rostros que posee la televisión estadounidense. Acompañados de la icónica Audrey Plaza (Parks and Recreation), con una papel extravagante que se come la pantalla y le sienta como anillo al dedo. Además, los creadores se guardan pequeños ases bajo la manga, por lo que es probable que se sumen más caras al reparto durante el transcurso de la serie.


7. Pocos episodios:

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Es imposible estar al día en series, y que hayan decidido condensar la temporada en 8 capítulos de 50 minutos es todo un alivio. Una dosis rápida que permite que podamos seguir de una manera más clara la trama y se resuelvan antes las incógnitas. Porque lo que esta haciendo DC con sus series con temporadas de más de 20 capítulos en denunciable. Llevando buenas ideas a caer en tópicos y estirando tramas que no interesan al publico. Tácticas de marketing en extinción, creadas para el beneficio propio de la cadena. Por suerte, las series de Fox están aportando por estrenar sus series en pequeñas dosis.


8. Referencias:

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Los más avispados no podemos estar más contentos. Con un primer capítulo en el que encontramos referencias a Pink Floyd, Twin Peaks, Stanley Kubrick y su Naranja Mecánica o el mundo de Bollywood, uno puede quedarse más que satisfecho, y nos da la sensación de que evolucionará hacia contraposiciones culturales mucho más bizarras. Elementos que harán las delicias de una parte de los espectadores. Una marca de la casa que eleva el riesgo, e introduce un nuevo lenguaje para su personal mundo de ficción.


9. ¿Una nueva era para la patrulla X?

legión

Si algo añoramos del espíritu X-Men, es esa sensación de equipo redondo luchando contra el mal. Aquel equipo de la primera película (Lobezno, Jean Grey, Tormenta, Cíclope, Picara…) incluía a personajes muy diferentes, a la par que necesarios. Una magia que se ha perdido en la evolución de la saga en el cine, creando a personajes desdibujados y en los que su duración en pantalla estaba totalmente desequilibrada (primando a la estrellas por encima de los personajes).


Tras el amargo sabor que dejó X-Men Apocalysis, Legión podría convertirse en un buen método de desintoxicación para los amantes del mundo mutante. Además, sabiendo que está en buenas manos y que, al parecer, van a subir un peldaño más en el mundo que ya conocemos, uno no puede evitar ilusionarse como un niño por lo que nos deparará este nuevo universo.

Desde la redacción abrimos la botella de champán apoyando esta nueva puerta que abre Marvel (hay otra serie de X-Men en camino). Sólo esperamos que no se les vaya la mano tanto como con las adaptaciones al cine.

Puedes seguir Legión todos los lunes desde Fox España en Movistar+.

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