Por qué Miranda Makaroff nos enseña mucho más que moda

Las redes sociales se han convertido en el escaparate para que los demás nos observen y sepan de nosotros. Sin embargo, cualquiera diría que alguien inventó un manual para que todos nos mostráramos de la misma manera, donde la frivolidad y el narcisismo son medidos a golpe de likes y comentarios. De hecho, si escuchas “Chained to the Rythym” de Katy Perry, definitivamente te darás cuenta de que hay un mensaje que debe ser recibido y absorbido. Es por ello que ahora, más que nunca, se valora la originalidad y ser verdaderamente fiel a uno mismo a través de una pantalla. Mientras el resto del universo egoblogger camina por la ciudad mirando el móvil mientras fingen que no saben que están siendo fotografiados, Miranda Makaroff tira por el color (en abundancia), el buenrollismo, y la ironía para recrear las poses más inverosímiles. Cada nueva imagen que actualiza en su cuenta se acerca, si cabe, a una obra de arte.

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Es por ello que su perfil va mucho más allá de la moda y atrae a sus más de 150.000 seguidores. Si tú eres uno de ellos, sabes de sobra que esperas sus stories como agua de mayo, y que ni siquiera te planteas pasarlos deslizando el dedo, sino que los escuchas hasta el final e, incluso, los repites. Su discurso sobre la energía positiva, las buenas actitudes en la vida, y los conocimientos adquiridos a través de libros de autoayuda para vencer a nuestro “Chucky” interior, atraen y reivindican el poder que todos tenemos para vivir como realmente queramos siguiendo nuestro propio camino.

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Si algo hemos aprendido de Makaroff es que realmente un poder influyente se puede aprovechar para crear y fomentar el bien, y que no deberíamos tomarnos ni la moda, ni la vida tan en serio. Renunciar a tu esencia, sea la que sea, únicamente para agradar al resto, significa perder tu identidad, y uno siempre debería creer en su gusto y su esencia por encima de todo.

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Los 5 fotógrafos de moda que todos deberíamos conocer

Stricke a pose. Te presentamos a los 5 fotógrafos con más talento y fuerza que han revolucionado el mundo de la moda a través de su objetivo, y que, sin duda, deberías conocer.

Richard Avedon

Hablar de Richard Avedon es hablar de aquel hombre neoyorkino que un día decidió poner el mundo de la moda «patas arriba». En su paso como director de fotografía en publicaciones como Vogue o Harper’s Bazaar, fue él quien introdujo el concepto de las modelos como protagonistas, estableciendo las bases de lo que ahora son las modelos como las conocemos hoy en día. Él y solo él consiguió que figuras de la talla de Marilyn Monroe o Andy Warhol perdieran la tensión ante el objetivo y resultaran retratadas en auténticas obras de arte.

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Guy Bourdin

Bourdin rompió expectativas y límites sentando las bases de un nuevo tipo de fotografía de moda. La fuerza narrativa de sus capturas excedió los límites de la fotografía editorial convencional, donde sus mejores amigos, una y otra vez, acababan por ser la controversia y la estilización del entorno.

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David Lachapelle

Como muchos soñadores, se trasladó a Nueva York para probar suerte, y fue allí donde conoció a Andy Warhol, quien le ofreció un trabajo como fotógrafo en la revista Interview. Desde entonces, ha publicado libros, inmortalizado vídeos y documentales y realizado toneladas de grandes campañas con el estilo que tanto le caracteriza, el Pop. Él mismo recalcaba: “Lo visual es un idioma; me niego a que mi trabajo dependa de lo escrito y se tenga que explicar. Debemos hablar al mundo. Ser pop. Pop como en vox pópuli, la voz del pueblo y para el pueblo. Pop como Michael Jackson. Nunca estuve en el mundo de la moda, siempre estuve en el exterior”, decía.

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Mario Testino

Si alguna vez te ha costado encontrar tu camino, piensa que Mario Testino empezó estudiando Economía y cambió tres veces de carrera hasta trasladarse a Inglaterra para convertirse en lo que es hoy. Una mezcla de teatralidad y minimalismo, de arte y moda. Sin duda, te has metido a leer este artículo esperando encontrarlo, y es que Testino ha trabajado para las publicaciones más prestigiosas del mundo, sus obras cuelgan de galerías y por su objetivo han pasado las modelos y actrices más solicitadas del planeta. Él, por su parte, insiste en que tres de las personas más geniales con las que ha trabajado son Madonna, Kate Moss, y la princesa Diana, de la que se convirtió en retratista oficial.

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Patrick Demarchelier

¿Did Demarchelier confirm? No se podía comenzar a hablar del fotógrafo francés por excelencia sin lanzar esa pregunta. (Y, aclaro, eres guay si lo has pillado). Sus tantos logros en la industria incluyen portadas y editoriales en las publicaciones más importantes del planeta – pasando desde Roy Lichtenstein a Angelina Jolie – carteles de películas, campañas icónicas, e, incluso, retratos a la familia real británica.

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¿Qué fotógrafo de moda es tu favorito?

LOUIS VUITTON X JEFF KOONS: la unión de la moda de lujo y el arte contemporáneo

A finales del mes de abril, Louis Vuitton presentaba su última colección, en colaboración con el artista Jeff Koons, denominada «MASTERS«. Se trata de una serie de reproducciones a gran escala pintadas a mano de obras clave de los grandes maestros clásicos, transformadas en bolsos y otros complementos de la conocida firma de lujo.

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Arte + lujo = diversidad conceptual

Dentro de la colección podemos diferenciar cinco tipologías: Fragonard, Van Gogh, Da Vinci, Tiziano y Rubens. A su vez, éstas se dividen en subcolecciones, formadas por diferentes complementos como fulares (desde 495€), monederos (desde 1200€) o bolsos (desde 1800€), todos ellos con el mismo estampado correspondiente a la obra a la que pertenezcan.

Dichas obras corresponden a La caza del tigre, de Rubens; La Gioconda, de Da Vinci; Chica jugando con su perro, de Fragonard; Marte, de Tiziano y Un campo de trigo, de Van Gogh.

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Este tipo de arte plasmado en los complementos de la firma de lujo francesa corresponden a las pinturas de la colección «Gazing ball« del artista Jeff Koons. Un dato curioso es que, por ejemplo, cada bolso de este tipo lleva a un lado las iniciales LV clásicas de referencia pero, a su vez, en el otro lado, las iniciales del diseñador, JK, algo no permitido hasta la fecha por la marca.

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Por otro lado, también tenemos que decir que ésta no es la primera colaboración que ha realizado LV con artistas. Desde hace años, la firma de lujo muestra su compromiso con el mundo del arte mediante las colaboraciones que ha realizado con personalidades influyentes vinculadas a este mundo como, por ejemplo, Cindy Sherman, Daniel Buren o James Turrell. 

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Durante estos días, hemos podido ver mediante redes sociales un amplio abanico de opiniones: unos dicen que es un insulto al arte clásico, otros afirman que la firma francesa ha perdido su esencia al dejar que se modifique tanto el concepto inicial de LV al que estamos acostumbrados y, en cambio, algunos ya están ahorrando para permitirse este capricho de lujo y tenerlo en sus manos en poco tiempo.

Y tú, ¿con qué diseño de LV x JK te quedas?

10 YEARS OF ME: fusión explosiva de arte, música y diseño en Madrid

El pasado jueves 27 de abril tuvo lugar en el hotel ME Madrid Reina Victoria de la céntrica Plaza de Santa Ana de Madrid un evento con motivo de la celebración de sus diez años de vida.

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Aprovechando la reapertura del famoso hotel tras estar un año de reformas, se llevó a cabo la iniciativa «ME 7 ROOMS», mediante la cual se permitió el acceso a siete suites del establecimiento donde pudimos disfrutar de propuestas de arte de lo más conceptuales y futuristas.

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Por otro lado, pudimos apreciar un espectáculo pionero en nuestro país, conocido como «batalla de artistas», donde los mismos tuvieron que enfrentarse en plena plaza como si de un «ring» de boxeo se tratara, luchando mediante su arma más preciada: un lienzo en blanco y el poder de su creatividad sin límites.

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Además, en la sexta planta pudimos visitar el showroom de varios diseñadores de renombre como es el caso de David Catalán o Xavi Reyes. Todo ello acompañado de música en directo, hasta llegar en esta misma planta a la zona de la terraza, donde se podía establecer contacto con numerosas personalidades vinculadas al mundo de la moda y el arte, degustar tacos mientras disfrutábamos de unas vistas increíbles e incluso probar alguna de las diferentes variedades de tequila que ofrecían.

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Todo ello gracias a la organización de la agencia Lycland en colaboración con Meliá Hotels International, que hicieron posible la unión de conceptos contemporáneos mediante la fusión de arte, diseño y música, unidos de la mano, porque a pesar de tener diferencias entre ellos, comparten algo único que está por encima de todo: la pasión por crear algo grande, algo innovador, algo que marque la diferencia en la forma de entender el mundo. 

Urvanity, la cara B del arte contemporáneo, conquista Madrid

A Urvanity no se entra por una gran puerta principal sino por el sótano. El hall de techos bajos y la rampa multicolor que conduce al interior del palacio de Neptuno es toda una declaración de intenciones: ‘esta no es una feria normal, aquí podrás ver la cara B del arte’, parece que advierten las bombillas de colores del pasillo. Y no solo las bombillas, Sergio Sancho, director de Urvanity anunciaba durante la presentación de la feria que “a pesar de celebrarse en las mismas fechas que ARCO, Urvanity no es una feria satélite más. Tenemos un público muy diferente y aquí encontrarán obras que es impensable encontrar allí. Queremos romper con las normas establecidas y mostrar algo completamente distinto a lo que estamos acostumbrados a ver”. Y vaya si lo han conseguido.

Frente a las obras de más 69 artistas (entre ellos solo 5 mujeres, por cierto) y las 17 galerías presentes (12 de ellas internacionales) ha desfilado durante todo el fin de semana un público de lo más variado. Mayores, pequeños, de aquí, de fuera y hasta varios carritos con espectadores que no llegaban al primer patito de edad. De hecho, el domingo de carnaval, varias princesas y piratas correteaban por los pasillos jugando con el policía viviente de Banksy.

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Éste (Banksy, no su policía) ha sido uno de los grandes protagonistas de la feria. Y no era para menos. El polémico artista británico siempre genera expectación, pero lo cierto es que era la primera vez que 6 de sus obras pisaban suelo español. Llegaban de la mano de la galería holandesa Vroom&Varossieau, quien trajo obras tan icónicas como la niña del globo rojo o las ratas en honor a Bleck Le Rat. Obras que, por cierto, han sido de las más fotografiadas y “selfiadas” por los asistentes.

Sin embargo, otros artistas como D face, Jef Aerosol, the London Police, Jon One o Ben Eine han hecho de esta feria una cita ‘de pesos pesados’. El primero, llega de la mano de la galería más importante de Londres, la famosa Stolen Space. Es considerado uno de los artistas urbanos más prolíficos de su generación (y el preferido de Britney Spears) y sus obras se subastan regularmente en Christie’s o Sotheby’s.  Jef Aerosol, de la galería Martine Ehmer, viste una de las paredes con un gigantesco lienzo en el que la mirada de una niña vigila la planta de arriba de la feria bajo la inconfundible firma de la flecha roja. The London Police, de la misma galería que Banksy, es quizá menos conocido que éste, pero cuenta con una lista de espera de dos años para adquirir cualquiera de sus obras. Y eso ya lo dice todo. Jon One, de la galería suiza Kolly Gallery quien revoluciona el ‘taggeo’ (la firma tradicional del graffiti) hasta convertirlo en un expresionismo abstracto al más puro estilo Pollock. Y, por último, Ben Eine cuya obra no solo ha estado en las paredes del Palacio de Neptuno sino que se ha trasladado a la calle y se podrá ver hasta que el tiempo, el ayuntamiento y las condiciones meteorológicas lo permitan en el barrio de Lavapiés, en el exterior del parque Casino de la Reina.

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1. Banksy ‘Girl with balloon’ 2. Chicles de la Mambo Gallery 3. Jef Aerosol ‘This world is your world’ 4. Javier Aguilera – Mambo Gallery

 

El spray es uno de los protagonistas de Urvanity, pero no el único. También han destacado otros formatos como las esculturas, los collages y materiales tan dispares como el papel, el bronce, los clavos de Jaime Molina o el cartón de Laurence Vallières, una de las pocas artistas femeninas de la feria. También han aparecido los neones, como en toda buena feria de arte contemporáneo. Pero como decíamos al principio, aquí se muestra la cara B del arte y los neones no escriben una frase filosófica como lo hacen año tras año en ARCO, aquí el neón conforma un tag (una firma) de los artistas Moses & Taps de la galería Kolly Gallery de Zurich.

Y mientras arriba el arte urbano se veía, abajo, en el sótano, el arte urbano se oía. Y es que, a lo largo de estos tres días se han celebrado las Urvanity-Mahou Talks, un programa de conferencias, debates y presentaciones concebido con el propósito de arrojar luz sobre este nuevo arte contemporáneo.

El encargado de inaugurar estas jornadas fue Jordi Rubio, de Montana Colors (líderes mundiales en la venta de sprays de graffitis) con una charla sobre el coleccionismo de arte urbano. Después, los asistentes pudieron escuchar y poner cara a artistas como Ben Eine, Miss Van, Mesa, Mohammed L’Ghacham o Nuria Mora. Y digo poner cara porque no todos los días se está a menos de 2 metros de artistas cuyo arte está en la frontera de lo legal y lo ilegal. Por último, una de las grandes figuras que pisado el pequeño escenario del sótano de Urvanity ha sido Cedar Lewisohn, que puede que a muchos no os suene, pero gracias a él, hoy el arte urbano es más arte (y menos urbano). Porque fue él quien en 2008 decidió que el arte urbano tenía cabida en un museo de la talla del Tate y organizó la histórica exposición Street Art en la Tate Modern de Londres, en la que, por cierto, participó el artista español Sixeart, presente en la feria de Urvanity.

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Por fin hay una feria dedicada al nuevo arte contemporáneo y parece que el gigante de ARCO no ha supuesto ninguna competencia. La afluencia de gente ha sido más que positiva y las redes sociales son prueba de ello. Esperamos una segunda edición ansiosos, con más artistas, más chicles de la galería Mambo (sí, la máquina de chicles vintage que parecía una obra de arte, era una máquina de verdad que daba chicles gratis) y con aire acondicionado, para que los asistentes puedan pasear sin tener que abanicarse con el programa de la feria.

Ahora toca esperar hasta el año que viene y conformarse con el arte urbano que encontramos en la calle, de manera gratuita y sin galerías de por medio. Que, oye, tampoco es mal plan.

El arte que se come

mitte, Mitte Madrid, restaurante Mitte

La fusión perfecta entre gastronomía y arte está en pleno barrio de Chueca. Si estás dispuesto a descubrir un universo de sensaciones a través de los cinco sentidos, Mitte se va a convertir en tu lugar de encuentro favorito.

Situado en pleno corazón de uno de los barrios más cool y cosmopolita de la capital el arte se convierte en un factor fundamental del local. Los viajes, la influencia de las obras arte y de las estancias en el extranjero de sus fundadores quedan reflejados en cada uno de sus rincones. Dos jóvenes emprendedores que hicieron su sueño realidad creando un lugar de encuentro rodeado de grafittis, luz tenue y muestras de arte urbano con toques underground.

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Si sabes lo que es comer arte, seguro que entiendes de lo que vamos a hablar, y si todavía no lo has hecho, aquí está tu oportunidad. Porque comer arte es toda una experiencia en sí misma y en Mitte la transforman para que disfrutes al máximo con los cinco sentidos. Impresiona a la vista, seduce el olfato y embelesa el gusto, parecen ser las directrices del chef para su puesta en escena. ¿El objetivo? Sorprender a los comensales llenando su boca de matices y texturas, conservando la base tradicional y apelando a los cinco sentidos tanto por su presentación como por su sabor.

En su menú podeís elegir platos de carta o menú cerrado de 4, 6 o 10 platos. Entre los que destacan la carrillera de ternera con salsa de regaliz y caviar de pomelo, las sardinas marinadas con crema de piparras y  torrija de tomate, el brioche de callos a la madrileña y el mollete de chipirones a la madrileña con ali oli de lima verde y rúcula.

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El chef Gonzalo Calzadilla dirige la cocina del restaurante en la que vanguardia y modernismo se funden haciendo claros guiños a la cocina castiza con platos como sus exquisitas gyozas de cocido madrileño sorprendentes por su increíble sabor y textura o uno de sus postres clave, la torrija caramelizada. Sus platos se caracterizan por su modernidad y la reinterpretacion de sabores a través de las últimas técnicas de cocina y una puesta en escena que deja con la boca abierta a todo el que lo prueba. Y, por si fuera poco, Calzadilla puede presumir de haber sido Campeón Nacional de Torrija Innovadora y Subcampeón Nacional de Torrija Salada dos años consecutivos. Ves dejando hueco en el estómago porque el postre en Mitte es plato obligatorio.

¡Mierda! Otra vez tú, Soy Cardo

Soy Cardo es el alter ego de Ana Macías, una chica de 22 años de Gandía recién llegada a Madrid que se puso a hacer dibujos en época de exámenes para desestresarse, pero porque no tenía novio otra cosa a mano. ¿Qué hubiese salido de aquí si hubiese tenido pizza o ganchillo? Igual sería la próxima diseñadora de los vestidos de Wendy Sulca.

Sus ilustraciones suelen tratar de dramas de la vida moderna, amores que gustan y que duelen, situaciones del día a día y Leticia Sabater mamarracheo abundante.

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¿Quién no se ha sentido así viajando en el metro/bus/avión/en la sala de espera de urgencias? Pues eso.

Soy Cardo sabe muy bien cómo nos sentimos, hasta se mete en la piel de las influencers y es que no son nada fáciles. ¿Os imagináis qué saldría del móvil de Paula Echevarría si se lo robasen?

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¿Y quién no se ha topado con algún «influencer» de pacotilla que hasta tu prima de Murcia tiene más estilo que éste?

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El caso es que la ilustradora Soy Cardo organiza su segunda exposición «¡ESH UNA FIESTA! By Soy Cardo» el próximo viernes 21 de octubre, en la tienda Picos Pardos (c/ Madera 40) de 19:30 a 21:30 horas. Habrá cerveza gratis gracias a los majos de AMBAR y, claro, menudo ciego nos vamos a pillar eso siempre ayuda a disfrutar del arte. Lo mismo Ana se anima y se lanza a explicar sus obras.

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No es una exposición corriente, sino que “esh una fieshta” (totalmente gratuita) en la que se espera que los invitados sonrían como el niño del anuncio de Ausonia y también que acaben hablando como él. Además, habrá DJ set del grupo Solo Astra y regalará pegatinas a los primeros que se acerquen.

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Las obras estarán expuestas durante un mes en Picos Pardos, por lo que la exposición se podrá visitar durante el horario de la tienda (lunes a viernes de 11:00 – 14:30 y 17:00-21:00, sábado 11:30-.00 y 16:30-21:00). El precio de las obras es de 15 euros y el de las pegatinas 2 euros (paquetes de 4 cardotinas).

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Todas sus ilustraciones (y demás locuras) las podéis encontrar en sus redes sociales:

Instagram
Página de Facebook
Tumblr
Twitter

Feria ESTAMPA 2016: una explosión de arte en Madrid

Entre arte, vanguardia y color nos hemos perdido este fin de semana en la Feria ESTAMPA 2016 gracias a Opel. Durante estos días hemos podido disfrutar de un sinfín de obras que a nosotros, personalmente, nos han enamorado.

Artistas, coleccionistas y más de 80 expositores se han unido en una nueva edición donde todo el arte contemporáneo a nivel nacional (e internacional) se reúne en una misma sala. Esta feria, que lleva desde 1993, nace con el objetivo de difundir el coleccionismo privado de arte en España e iniciar al mismo a miles de personas. Invertir en arte nunca fue tan sencillo.

Feria ESTAMPA 2016Este año, el encargado de dar el broche de oro al evento ha sido Luis Gordillo como artista invitado, pero además han resonado nombres como el de Luis Adelantado, José de la Mano o la fotógrafa Juana de Aizpuru, además de los de múltiples galerías que han querido aportar su granito de arena con obras de lo más originales.

Porque cada vez somos más los jóvenes apasionados por el (buen) arte, este tipo de eventos nos sirven para conocer aún más el arte de aquí, el de casa. Esperamos que el tiempo pase muy rápido, y poder volver muy pronto a la próxima edición.

Os dejamos con algunas entrevistas interesantes como resumen de la experiencia  que vivimos en #OpelyEstampa.

Los artistas de barrio llenan las calles de Madrid

Cada vez el arte y gastronomía están más unidos. Es habitual ver en la televisión como los cocineros con estrella Michelín hacen platos que podrían ser perfectamente obras de arte o por llevárnoslo al terreno más personal, seguramente tú mismo sigas a algún foodie en Instagram por las maravillosas fotos de comida que cuelga con una composición y colores exquisitos.

La marca de vinagres Louit, lleva ya algunos años apostando por el arte y en esta ocasión nos ha sorprendido organizado su primer concurso de arte dentro del evento “Los artistas del Barrio 2016”, que se celebrará el fin de semana del 6 al 8 de mayo en los barrios de Lavapiés y La Latina de Madrid.

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Este evento nos encanta porque durante un fin de semana los artistas de estos dos míticos barrios de Madrid abren las puertas de sus casas y talleres para descubrirnos sus secretos más recónditos. Y como a nosotros nos encanta cotillear, no podíamos perdernos esta oportunidad de ir a ver que se cuece.

Además, bajo el lema “Ser color es ser Louit”, la marca está patrocinando el premio de una de las categorías: el color, un criterio amplio que permite aplicarse a todas las disciplinas y, por tanto, a todos los participantes. Un jurado formado por la propia marca junto a representantes de “Los artistas del Barrio” y el blog The Art Boulevard elegirá al artista que mejor inspire color, entendiendo este concepto como una mezcla de sorpresa, experiencia, alegría y sensaciones. El ganador disfrutará de un viaje a Amsterdam para dos personas con entradas al museo Van Gogh.

Desde BFace, ya sabéis que nos gusta apoyar a marcas que apuestan por acciones culturales como esta y sobre todo, las que apoyan a jóvenes artistas de Madrid. Así que mucha a suerte a todos con el premio y … ¡Nos vemos por las calles de Madrid!

The Liberation of Art en la Galería Lumas

Arte y Moda siempre han ido de la mano. Ambos campos son fuente de inspiración entre sí y, juntos, su belleza se duplica. Ahora, la exposición The Liberation of Art reúne las obras más reconocidas de la fotografía de moda y otras tantas de artistas que seguro que te impresionan.

Colores, formas, iconos, fotógrafos de renombre, composiciones… Pásate por la Galería Lumas para empaparte de los años dorados de la moda. No es necesario que compres, pero puedes adquirir un mini cuadro como primera adquisición arty.

Explosión de color

La entrada es como cualquier entrada de una galería:  muchos cuadros y un pequeño expositor con réplicas de obras de artistas y cuadros que se pueden ver en la exposición. Pero seguro que te llama la atención una silueta de mujer anclada en la pared hecha en láminas de colores con el logo de firmas de ropa, revistas o productos de consumo. Imposible no sacar el móvil para inmortalizarlo (en la inauguración se podían sacar fotos). A medida que te introduces en el mundo de Lumas, las fotografías se suceden y tu cabeza viaja por cada cuadro, haciendo que te detengas en cada uno de ellos.

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Destacan un retrato de Marilyn posando sonriente para la cámara. Quienes la admiran, sabrán apreciar cada parte de ella; quienes no, conocerán un poco más de un mito que sigue vivo.

Audrey Hepburn también aparece en varias secuencias posando con maravillosos sombreros. Cada una, en su momento de la historia y en su arte, pero compartiendo pared en la exposición.

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Moss, Kate Mossarthur_elgort_CNA97_220_550

Top model por excelencia de los 90. Una sala acoge diferentes fotografías y un busto con un corsé en blanco -si hay algo que nos encanta de la exposición, son los maniquíes con discretas prendas, ubicados en los rincones-. Modelos en la playa, la nueva Dolce Vita, un paisaje… y una foto de Kate en la lavandería, tomada por Arthur Elgort. Esa belleza extraña que sigue cautivando.

 

 

El mundo VOGUE

La revista de cabecera de muchos, también tiene su hueco en Lumas. Varias fotografías hacen un recorrido por la historia del magazine: del icónico logo a divertidas instantáneas de modelos en los años 50.

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Te recomiendo dar una vuelta por la galería para desconectar del mundo y conectar con el color, la alegría, el arte y la moda.

 

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