‘Isla de Perros’: Un brillante espejismo en slow-motion

El cine de Wes Anderson es uno de los más carismáticos y fácilmente reconocibles de la cultura pop internacional. ¿Quién no se ha percatado de los tonos pastel de su cinematografía? ¿Y de sus planos centrales estudiados al milímetro? Pero sin duda, lo que verdaderamente define su estilo es la facilidad de envolver la miseria en un bonito bombón: fácil de digerir, pero puede que te resulte algo amargo.

Así ha ocurrido con cintas como ‘Moonrise Kingdom’ (que habla de la emancipación prohibida), ‘El Gran Hotel Budapest’ (una clara denuncia racial) o ‘Life Aquatic’ (o mejor dicho: cómo trasladar a la pantalla una sentencia de venganza). Encantadoras en su superficie y amargas en su concepto. No obstante, Anderson rompe con la regla y pone fin a una era de estéticas icónicas. Vuelve al stop-motion tras su primer largometraje de animación, ‘El Fantástico Mr. Fox’, para describir la lacra de una política corrupta. Así es ‘Isla de Perros’.

La premisa del filme lo deja todo bien claro: En Megasaki deportan a un millar de canes a una isla vertedero debido a la superpoblación canina. Un canto a la situación actual de los refugiados que, al igual que en la película, no les permite dar vuelta atrás. Sin embargo, Anderson recupera un alma llena de inocencia y humanidad que pretende viajar de forma autónoma a buscar a su perro: un niño de 12 años que, además, es discípulo del alcalde de la ciudad. Todo un canto a la rebeldía que enriquece el concepto del filme.

Aunque sea una idea muy general y difícil de ejecutar, existen grandes trabajos de cámara al trasladar los dilemas sociales en la actualidad. Películas como Persépolis o La Tumba de las luciérnagas salen de la formulaica historia estructurada en tres partes con un final feliz, y se atreven a viajar en flashbacks, o simplemente, añaden más capítulos a un conflicto moral. Y en ‘Isla de Perros’, Anderson cuenta en cuatro partes (mas un prólogo) esta historia de discriminación canina y racial, esta última traducida al entorno humano. Escenas de la película como el lavado de Chief, uno de los perros protagonistas, y sus enumerases conversaciones sobre lo difícil de ser un perro callejero, hablan por sí solas.

Son varios factores, pues, los que hacen de ‘Isla de Perros’ una cinta especial en la filmografía de Anderson: primero, vuelve al stop-motion, perfeccionando la técnica de Fantástico Mr. Fox en tanto a sus personajes como en la historia de estos; segundo, al ser una critica social, abandona los cánones de la comedia en el cine de animación y centra el discurso en una batalla entre humanos y animales. Tercero, gracias a su imaginario oriental, amplía su espectro de referencias y la llena de matices que regalan frescura y nostalgia al resultado final (el haiku y el uso de la música del cine de Kurosawa se hacen notar). Y finalmente, por realzar la presencia infantil en la película, tal y como Anderson hizo anteriormente con ‘Moonrise Kingdom’: solo ellos pueden otorgar, en un mundo de crueldad e indiferencia, la humanidad para saber perdonar, valorar y dar nuevas oportunidades.

Los mejores y peores ‘Beauty Looks’ de los Oscars 2018

La noche del cine por excelencia nos deja otro año más muchas cosas que comentar, y es que, a pesar de ser la alfombra roja más corta de los últimos años, no podemos resistirnos a analizar hasta el último detalle. Por eso, vamos a hacer un repaso de los mejores y peores beauty looks de los Oscars 2018.


Margot Robbie

Margot Robbie, nominada al Oscar por primera vez, estrenó corte bob combinado con ligeras ondas efecto despeinado. Además, lució un maquillaje suave en tonos rosas, discreto y natural que no restaba protagonismo a su vestido. Es una de las favoritas.

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Allison Williams

Allison Williams destacó también como una de las mejores peinadas de la noche por sus marcadas ondas al agua que conseguían el efecto de una espesa media melena. Su look lo combinó con un maquillaje discreto en tonos nude.


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María Menounos

Maravillosa María Menounos, que lucía un espectacular recogido en forma de moño alto rematado con cuatro minitrenzas que empezaban desde la nuca y decorado con un pequeño lazo negro. Su maquillaje también en tonos rosas con un gloss de color natural resaltaba la belleza de la actriz.

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Danai Gurira

Sorprendió Danai Gurira, actriz de Black Panther, con la cabeza completamente rapada luciendo un espectacular tribal en color blanco haciendo un homenaje a su película.

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Greta Gerwig

Greta Gerwig, única mujer nominada en su categoría, se atrevió con un corte pixie de ondas marcadas y raíces oscuras. En cuanto al maquillaje, optó por resaltar sus labios con un tono vino y marcar sus ojos con pestañas XXL. Estaba fantástica.

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LAS MENOS ACERTADAS

Por otro lado, se puede decir que todos los looks pueden ser tan brillantes como los anteriores. Nicole Kidman y Sandra Bullock, por ejemplo, no arriesgaron mucho y optaron por dejar sus melenas sueltas y raya en medio.

Otro de los looks que menos ha gustado ha sido el de Rita Moreno, que con su diadema negra ha resultado ser demasiado casual para la noche de las estrellas.

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Tampoco nos ha gustado el «des-peinado´´ de Camila Alves que, aunque lo natural marque tendencia, quizá esta semitrenza casi deshecha y estilo ‘no make-up’ sea demasiado para una noche como esta.

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Salma Hayek no acertó con su vestido y tampoco con su peinado. Los mechones descuidados no favorecían mucho la forma del rostro de la actriz y el moño trenzado natural no combinaba con la pomposidad de su vestido. Al menos, equilibró su look con un maquillaje en tono natural y un labial intenso.

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Arranca el rodaje de Estigma, un corto para luchar contra la serofobia

El rodaje del cortometraje ESTIGMA arranca el 9 de febrero en Madrid a las órdenes del director David Velduque, que cuenta con el actor Álvaro Fontalba como protagonista y aborda el estigma asociado a la serofobia a través del género de terror.Estigma

David Velduque se une a Abril Zamora, Fernando Gamero, Roberto Pérez Toledo y Alberto Velasco para dirigir uno de los 5 episodios de la segunda temporada de Indetectables, proyecto multi-dimensional de prevención y lucha contra la discriminación LGTBIQ+ liderado por la Asociación Apoyo Positivo.

El actor Álvaro Fontalba, promesa del cine nacional y conocido por la serie de Antena 3 Cuerpo de Élite, se pone a las órdenes de Velduque como protagonista del proyecto.

Estigma

El actor Manu Tejera, conocido por Tiempos de Guerra o Acacias 38, completa el reparto del rodaje, que cuenta con el respaldo de una de las producciones más ambiciosas de Neurads, Creative Content Studio que acompaña a Velduque en este ambicioso reto.

Son muchos los colaboradores que han decidido respaldar el nuevo proyecto de Velduque por su valiente planteamiento a la hora de abordar la diversidad y la lucha contra un problema tabú tan frecuente como la serofobia. Entre ellos están Coordonne, Oxum FX, Finding the Sound…

Estigma

El compromiso del director David Velduque con el colectivo LGTBIQ+ y  su trayectoria profesional le han llevado a ser jurado de la última edición del festival LESGAICINEMAD. Además, su nuevo cortometraje ‘Estigma’ será el tercero del director, junto con ‘Por un beso‘ y ‘ No place like home’, centrado en la lucha por la diversidad y los derechos del colectivo.

Cuáles son los mejores vestidos de los Goya 2018

Llegó la noche en la que las estrellas del cine español recorren la alfombra roja en una nueva edición de los Premios Goya. Moda y cine se dan la mano para demostrar que aquí también tenemos mucho glamour.

La 32ª edición nos sorprende un año más con los diseños que lucen nuestros actores y actrices, tanto de grandes marcas internacionales como los que apuestan por la moda made in Spain. Este año, por lo general todos han estado muy bien, ha sido una gran alfombra roja, pero sin duda nosotros tenemos nuestros favoritos.

Nos han enamorado con vestidos rouge tres actrices, Irene Escolar con un vestido de tul de Santos Costura, que mostraba su lado más sexy llevando una súper abertura en la espalda y en el escote, Leonor Walting luciendo un Stella McCartney, y la gran Hiba Abouk con un vestido de Azzedine Alaïa homenajeando al diseñador.

Goya

Sin duda, han llenado la alfombra roja de esta edición la actriz nominada a mejor actriz revelación Sandra Escacena, de Dolores Promesas, con un clutch de Mibuh. Miriam Hernández, con vestido blanco con capa, ha escogido unas joyas de Bárcena para completar su look. Y, como siempre, el director de Pieles, Eduardo Casanova, rompiendo las normas, siendo único y especial, con su outfit en gris, pero sobre todo por llevar tacones masculinos.

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Más mujeres‘ ha sido el lema de esta edición de los Premios Goya, y hemos visto a muchas deslumbrar como nadie en esta alfombra. La impecable Juana Acosta con un palabra de honor de Pedro del Hierro, Nuria Gago con un vestido negro con brillantes de la diseñadora Isabel Sanchís y joyas de Suarez, y Dafne Fernández brillante, como siempre, con un vestido de Pronovias y con unos labios color negro que le quedaban de infarto.

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Por último, este squad cada vez nos gusta más, si se puede, y no sólo por eso pero han sido algunos de nuestros favoritos, tanto la actriz nominada a Mejor Actriz de Reparto por su papel en La Llamada, Anna Castillo, vestida de Villalba Atelier negro con un escote en V y pedrería. Los Javis o Javas, con un look totalmente rompedor y tan espectacular como ellos, ambos combinados y con trajes de la firma Gucci. Y la protagonista de la película Macarena García con un vestido nude con bordado de pedredía de Dsquared2 que iba a juego con la dulzura que transmite.

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Y estaremos a la espera de los Oscar para volver a vivir otra noche del cine y poder disfrutar de los celebrities y la moda.

Fotos: © Gtresonline/GettyImages/CordonPress

«Oro» o como desaprovechar una oportunidad dorada

Con el paso el tiempo las producciones nacionales han ido sabiendo cómo dar el Do de pecho a la hora de lanzar grandes superproducciones que hicieran frente a las propuestas internacionales que nos asfixian constantemente. Películas como Palmeras en la nieva, Lo Imposible o Ágora han demostrado que se pueden superar las fronteras lingüísticas para crear historias que puedan ser disfrutadas a un nivel internacional. Este mes llega a nuestras pantallas el esperado nuevo intento Sonny Pictures por intentar consagrar el cine español, de la mano de Agustín Díaz Yanes con el filme: Oro.

El cineasta vuelve a adaptar una de la historias de Arturo Pérez-Reverte y vuelve a caer en los mismos errores (en 2006 llevo al cine las aventuras del capitán Alatriste a la pantalla grande). Es precioso ver el dialogo de su fina prosa en directo, pero intenta abarcar demasiado creando una cinta visualmente atrayentes pero carentes de ningún tipo de alma. Oro, es la historia de un grupo de conquistadores españoles del siglo XV, que se adentraron en los parajes más ocultos de la selva en busca de encontrar una ciudad de oro que les saque de la pobreza que sufren. La tensión no tardará brotar cuando la obsesión por el poder y los peligrosos de la selva los acaben atrapando en un tormentoso viaje donde abunda la locura del ser humano.

Cumple en ese factor principal de intentar transmitir el constante peligro que sufren sus protagonistas. La angustia interior de cada personaje a pesar de que la mayoría parezcan serenos, muestra más con sus miradas y silencios que con sus diálogos. Destacando lo visiblemente desaprovechado que queda su reparto que esta capitaneado por cuatro de las grandes figuras de nuestro cine: Raúl Arévalo, José Coronado, Bárbara Lenni y Óscar Jaenada. Arévalo es el mejor parado de un reparto coral abrumador, no tanto por sus dotes interpretativas en la cinta, sino más bien la cantidad de intérpretes que pasan por la cinta sin dejar poso alguno en el espectador o en la historia. Prácticamente todos los personajes son intrascendentes para el desarrollo de la historia y no aportan más que algún gifs cómico momentáneo. Dejando un grupo de personajes comunes, carentes de una historia propia que les dé sentido y por tanto que no genera ningún tipo de empatía o emoción, en una batalla de ajedrez donde todos son peones.

Donde mejor parada sale la producción es a la hora de haber elegido el escenario de la cinta. El rodaje les llevo por los montes de Anaga en Tenerife. Creando la atmosfera perfecta para atrapar a los protagonistas y a los espectadores en ese bello paraíso salvaje. También cabe mencionar su maestría a la hora de retratar un característico vestuario a pesar del terreno de guerra y lineal que sigue, dotando a cada individuo de una personalidad diferente. Aunque estos aspectos quedan desmerecidos  por un pobre trabajo técnico. Innumerables batallas poco creíbles, con un montaje rápido que no deja apreciar lo que ocurre y que carece de una visión real del cuerpo a cuerpo tan rudo y propio de la época. La palma se la llevan su constante gusto a la hora de presentar muertes con un tono tan a lo spoof movie que no hay quien se crea.

No puede evitar pecar de pretenciosa, ya que no es más que un olvidable entretenimiento para los espectadores menos exigentes. Fracasando notablemente a la hora de trasladar unas creíbles escenas de acción y que vagamente menciona la crítica primordial que debería denunciar la cinta. El traslado de un momento que refleja una época injusta con una sociedad de futuro incierto bajo el régimen de gobernantes deplorables. Por tanto, no puedo evitar denunciar la necesidad exigir historias que vayan más allá de los espectáculos pirotécnicos y sepan abordar verdaderamente los sentimientos de nuestra nación. Una innecesaria propuesta de la que es mejor mantenerse alejado. Aquellos que prefieran ir hacía el dorado mejor que vean cintas con la reciente Z: La ciudad perdida o incluso la animada La ruta hacia el dorado, estas al menos les ofrecerán algo más que un banal envoltorio.

7 razones para amar «Thor Ragnarok»

Marvel está a punto de cerrar un año redondo. La tercera entrega de las aventuras del superhéroe nórdico es la encargada de poner el broche de oro a un año que estuvo capitaneado por dos grandes propuestas que no pasaron desapercibidas para el público: Guardianes de la Galaxia Vol. 2 y The Amazing Spiderman. Es cierto que cada vez se critica más la sobreexplotación que sufrimos de este tipo de productos y la poca originalidad que representan. Sin embargo, desde que la casa del ratón posee los derechos de la compañía de Stan Lee, han conseguido que en la mayoría de los casos nos vayamos a casa con una sonrisa de oreja a oreja y con la sensación de no haber malgastado el dinero.

Probablemente Thor es uno de los vengadores que ha pasado más desapercibido, destacando más por su belleza y su tozudez que por sus verdaderas habilidades. La saga necesitaba una nueva estrategia para enganchar al público y una vez más han sabido aprender de sus errores. He aquí nuestras 7 razones por la que pensamos que deberías amar Thor Ragnarok:


1. Primer director NO caucásico de la historia Marvel:

El universo marvelita siempre ha destacado por indagar a la hora de buscar creadores que puedan dar vida a sus historietas preferidas. Apostando siempre por cineastas independientes que puedan ofrecer una marca diferente a cada nueva entrega. En esta ocasión Taika Waititi se coloca en la silla de director. Un artista reconocido por haber coqueteado con el cine realizando cuatro pequeñas producciones y por ser un genial comediante, que de hecho estuvo detrás de la desternillante serie Fly of the Conchords. En esta nueva cinta es palpable la mano que ha tenido el director para dar frescura a la franquicia, además de ser un ejemplo más de igualdad laboral para las grandes producciones de Hollywood.

2. Rompe con todo lo establecido:

Las comparaciones son odiosas. Es inevitable observar el parecido que guarda esta nueva secuela con la saga de Guardianes de la Galaxia (viaje interplanetario incluido). Pero la esencia funciona. Thor se aleja del sombrío aire shakesperiano que ofrecían sus anteriores entregas, para entregarse a un mundo mucho más desenfadado, repleto de colores psicodélicos. En primer lugar, la película funciona estupendamente pues cierra los cabos sueltos que dejaron abiertos, enlazándola con la nueva historia rápidamente. Todo en un tono más cómico (aunque no todas las bromas están al mismo nivel) y alardeando de un festín en el que se nota la mano de director para incluir nuevos personajes, cameos, referencias cinéfilas… factores que ayudan a crear una atmósfera más amena y disfrutable. Tal vez no es realmente original, pero es sumamente disfrutable.

3. Nuevo look. Nuevo Thork:

Chris Hemsworth pierde su dorada cabellera para volver a ponerse en la piel del dios del trueno. Transformando además su personalidad, alejándolo de su particular tono nihilista y volviéndolo más seguro de sí mismo. Realmente, el actor no ha conseguido destacar en el panorama cinematográfico, pocas de sus películas han conseguido resarcirle de su etiqueta de cara bonita. Al menos esta tercera entrega le ha permitido desarrollar su faceta cómica. Algo que cuesta digerir en un primer momento, pero a lo que acabas acostumbrándote y que nos permite ver una cara más humana del personaje. Consiguiendo sumar a este nuevo tono burlón, su compromiso con la ley, sus fuertes lazos familiares y el que siga manteniendo un cuerpo de infarto.

4. Una villana a la altura de las circunstancias:

Las películas de este tipo suelen fracasar a la hora de presentar un adversario con matices, con el que podamos empatizar en cierta forma y comprender sus verdaderos motivos para enfrentarse al protagonista. La evolución no es tan grande en esta ocasión, pero la elección de Cate Blanchett rompe los esquemas establecidos y abre la veda en los roles de los personajes femeninos en el cine comercial. Aunque nos desarrollan brevemente el origen del personaje, Hela, no deja de ser otro ególatra villano que lanza frases de superioridad y que no tiene tiempo para desmenuzar sus emociones (más allá de esa cansina ansia de poder que tienen todos).  Sin embargo, la actriz demuestra talante desde el lado oscuro. Cada gesto ejemplifica la personalidad de un personaje tan temible como hipnótico, a lo que se le suma un diseño perfecto para conseguir que Hela robe gran parte del atractivo de la cinta. Regalándonos batallas que parecen auténticos oleos.

5. Tessa Thompson:

Natalie Portman dijo adiós por la puerta de atrás a ese sosainas interés romántico que representó en las anteriores dos entregas de Thor. La introducción de este nuevo personaje femenino, nos hacía prever que era una inclusión con calzador para darle el imprescindible toque romántico al filme. Finalmente Valkyria me deja sin palabras. Un personaje independiente, fuerte y que huye de caer en el rol de señorita en apuros. Una misteriosa cazarecompensas, con un misterioso pasado al que iremos desmenuzando poco a poco. Esperemos que se mantenga viva el alma del personaje en futuras entregas.

6. Un equipo redondo:

Junto a la mencionada Valkyria (Tessa Thompson), a Thor se le unen, Hulk (Mark Ruffalo) y Loki (Tom Hiddleston). Es un placer volver a ver en pantalla al monstruo verde, esta vez dándolo todo sobre la arena. Un personaje que vuelve a estar al nivel equilibrado que funciona: tan inteligente cómico y coherente como Bruce y tan producto manporrero que nos da las escenas más brutales del filme como Hulk. Por otro lado Hiddleston vuelve a robar el protagonismo. Loki es probablemente uno de los personajes más deliciosos que ha ofrecido el universo de marvel. Su continua ambigüedad y su sonrisa de medio lado siguen conquistando al público. Dos equilibrios en los que puede apoyarse tranquilamente la cinta aportando cierta ligereza a la narración. Formando el grupo perfecto para enfrentarse a las posibles adversidades venideras. Ojito también a Idris Elba, que aunque no juegue en un rol tan importante, nos encanta volver a verlo en pantalla.

7. Su soundtrack y el aspecto visual:

La factoría suele cumplir cuando hablamos de estos puntos, volviendo a superarse una vez más. El tema central de la película (Immigrant Song – Led Zeppelin) tiene el tono apropiado que respira esta vuelta de tuerca del mundo del dios nórdico. Sus dos intervenciones ponen el vello de punta ante la grandiosidad de las más apabullantes secuencias de acción. Se le suma en el apartado sonoro una épica a la par que electrónica banda sonora, muy acorde al tono tan gamer que representa la película. Todo un mundo visual de colores vivos, donde hay espacio para desarrollar el aspecto artístico. El mundo de Sakaar introduce un interesante apartado visual (criaturas, escenarios, vestuario…) en el que apuestan por las batallas de gladiadores futuristas. Un frenético mundo que hará las delicias de los amantes de los videojuegos.

En definitiva, Thor Ragnarok no es la película de superhéroes definitiva (ni plantea serlo). Se limita a ofrecer un entretenimiento atractivo, un factor que incluso, a veces, echamos de menos en este tipo de producciones. Y de paso, permite sutilmente incluir valores tolerantes, donde se demuestra que las mujeres pueden aspirar a roles con mucha fuerza. Una de las apuesta más disfrutables del año.

 

Lo hacemos y ya vemos: El fenómeno «La Llamada» da el gran salto al cine

En la vida siempre hay que tener segundas opciones. Javier Calvo y Javier Ambrossi son los autores y directores del gran fenómeno de “La Llamada ”, un musical que habla de muchas cosas, pero que, ante todo, habla de libertad, de la importancia de tomar decisiones, y del poder de descubrir y afrontar cosas que uno mismo nunca pensó encontrar. En su caso, fue justamente “La Llamada” aquella segunda opción que les abrió un mundo totalmente nuevo. Frustrados ante su escaso trabajo como actores, poniendo copas con Belén Cuesta en el “Válgame Dios” en el caso de Ambrossi, y formando parte de producciones en las que no se sentía realmente realizado en el caso de Calvo, decidieron tomar las riendas de su propia trayectoria y escribir la obra de teatro que cambiaría sus vidas para siempre.

la llamada

Aquella pequeña función que nació como un proyecto lleno de ilusión en el “off” del Teatro Lara de Madrid hace ya 4 años, hoy se ha convertido en un verdadero fenómeno que ha cosechado miles de espectadores, premios y aplausos de la crítica, e incluso un tropel de fans (a los que también se les llama “Llamaders”), que reinciden de manera compulsiva sus visitas al Campamento La Brújula.

la llamada

Sí, parecía que después del lanzamiento de “Paquita Salas” el talento de ‘los Javis’ no podía cosechar más éxitos, pero una vez más, lograron sorprendernos dando un paso más allá lanzando la versión cinematográfica de “La Llamada” en la gran pantalla española. Ésta, además, va encabezada por las protagonistas que encarnaron a los míticos personajes desde un primer comienzo. Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo y Richard Collins-More interpretan un argumento maravillosamente delirante que se sitúa en un campamento de verano cristiano en el que dos adolescentes se quedan un fin de semana castigadas por haberse escapado a un concierto de electro latino. A una de ellas se le aparece Dios (esa es “la llamada”) y no sabe cómo reaccionar.

la llamada

Todo el film corre a lo largo del lema “Lo hacemos y ya vemos”, refiriéndose a que nada es tan grave como para no atreverse a tomar decisiones y a que, si algo sale mal, habrá que centrase en a otra cosa, pero lo importante siempre será arriesgarse e intentarlo.

la llamada

Verónica, It y otras películas de terror basadas en hechos reales

¡Tenemos ganas de sustos! Así es. A parte del más que explotado universo de superhéroes en cine, de lo que tenemos ganas, es de terror. Y cada día de un terror más exhaustivo, de un género consciente de si mismo y que se toma en serio. Estos últimos años lo estamos viendo; el apartado cinematográfico de los sustos y el miedo psicológico nos ha hecho llegar producciones como La Bruja (2016)It Follows (2014).  Títulos que han conquistado a público y crítica y que marcan un momento destacable de este género.

Lo último que nos llega, y que ya puede verse en pantalla grande desde hace escasas semanas, lleva por nombre Verónia e It. La primera, ambientada en Madrid, durante los años 90 tras llevar a cabo el juego de la «Ouija». La segunda, It, una nueva adaptación de la obra de Stephen King sobre el payaso Pennywise y el grupo de niños a los que atemoriza. ¿Pero que tienen en común estas dos producciones terroríficas? Desgraciadamente, al igual que algunas otras que os vamos a comentar, están basadas en hechos reales.


Verónica

La última sensación del director de Rec (2007), Verónica, ha sido inspirada por «el caso Vallecas». Un suceso ocurrido durante la década de los 90 cuando Estefanía Gutiérrez Lázaro, junto a sus amigas, practicaron el juego de la ouija. Así fue como trataron de contactar con la pareja fallecida de una de las compañeras hasta que una profesora interrumpió el proceso de invocación rompiendo el tablero de dicho juego. A partir de este momento, se creyó que Estefanía, a la que se cambiaría el nombre por Verónica en la producción cinematográfica, estaba poseída por algún familiar debido a numerosos casos epilépticos. El verano de ese mismo año murió a causa de una sospechosa «asfixia pulmonar».

It

Stephen King, el autor de la obra que ha dado lugar a esta producción, decidió inspirarse en la historia de John Wayne Gacy para crear su novela de terror. Dicho asesino en serie no se conocía como Pennywise, su nombre artístico era «el payaso Pogo» y cometió más de 30 violaciones y asesinatos a jóvenes de entre 14 y 21 años. 29 cuerpos fueron encontrados enterrados en diferentes lugares de su casa, mientras que algunos otros se encontraron en el río. Nadie imaginó que durante los espectáculos de «el payaso Pogo», John Wayne Gacy escogía a sus posteriores víctimas.

Tiburón

No, Tiburón no proviene de la imaginación del maestro Steven Spielberg. ¡Ocurrió de verdad! Al menos, en cierto modo. Durante el verano de 1916 cinco bañistas estadounidenses fueron atacados por un tiburón blanco causando la muerte de cuatro de ellos. Los primeros ataques pasaron desapercibidos al creer por parte de la comunidad científica, que un tiburón no tenía la mandíbula suficientemente fuerte como para ocasionar un daño mortal. Una vez encontradas destrozadas varias de las víctimas, la noticia se hizo eco por todo lo alto y algunos vecinos decidieron poner fin a la vida del monstruo marino. Finalmente falleció atacando a uno de los botes que pretendía terminar con su vida.

Pesadilla en Elm Street

Freddy Krueger es uno de los villanos más amados y temidos del género. Y sí, se inspiró en un hecho real. Wes Craven creó la historia a partir de varios artículos de Los Angeles Times donde se relataba la inexplicable muerte de varios inmigrantes mientras dormían. Según fuentes de tales artículos, las víctimas se negaban a dormir a causa de las terribles pesadillas que sufrían y, una vez conciliaban el sueño sin poder evitarlo, morían súbitamente sin explicación alguna. Además de tales sucesos, Craven se inspiró en una experiencia personal de cuando era pequeño. A su temprana edad sufrió el acoso de la mirada de un extraño durante largo tiempo que se acercaba a él y que desapareció sin dejar rastro. Este momento fue clave para crear al mítico personaje de Freddy Krueger, pues la figura del hombre misterioso, le persiguió en sus pesadillas durante largos años y se inspiró en su figura para la creación del villano.

El Exorcista

No fue una niña de 12 años, fue un niño de 14, pero ocurrió. En 1949, en las ciudades de Maryland y Missouri, un adolescente sufrió una supuesta posesión demoníaca. Según clérigos, profesores y familiares del adolescente, éste podía mover cosas con la mente, cambiar de voz y temía a la agua bendita y los crucifijos. Durante más de seis semanas se llevaron a cabo diversos exorcismos. Fue durante el último, en un hospital psiquiátrico, cuando se consiguió que el joven volviera a la normalidad. Los asistentes de dicho exorcismo declararon que la cama se sacudía bruscamente durante el proceso, y las palabras «infierno» y «mal» aparecieron grabadas en el cuerpo del chico. Años más tarde, William Peter Blatty adaptaría esta historia dando lugar a la obra «El Exorcista».

Annabelle

La historia de esta muñeca diabólica se hizo realiad en 1970 cuando fue regalada a una niña llama Donna. La muñeca de trapo desconcertó a sus propietarios cuando empezó a moverse por si sola. Todos los habitantes de la casa coincidían en que Annabelle era dejada en una habitación concreta de la casa antes de salir a la calle y, al volver, se encontraba en otra sala distinta. Tras encontrar sangre en el vestido de la muñeca y cartas de socorro, las propietarias de la muñeca contrataron a una médium, la cual determinó que Annabelle estaba poseída por el espíritu de una niña. Tras varios intentos de asesinato por parte de la muñeca, la familia Warren, decidió trasladarla a la vitrina de un museo. Se dice que cuando un visitante se burla de la muñeca, muere sospechosamente en un accidente.

La Matanza de Texas, El Silencio de los Corderos y Psicosis

Estas tres aclamadas obras cinematográficas se inspiran en un mismo asesino en serie conocido como «El carnicero de Plainfield». Fue condenado por el asesinato de dos mujeres, pero sus crímenes no se basaban solo en un simple asesinato. Ed Gein, el asesino en cuestión, utilizaba la piel de sus víctimas para diseñarse trajes y decorar su casa. Usaba cráneos como cuencos y forraba sus lámparas con piel humana. Además, se especula que pudo llegar a practicar canibalismo al encontrarse restos de carne humana en las sartenes de su casa. El asesino, diagnosticado como esquizofrénico, admitió que tenía un proyecto secreto con el que pretendía parecerse más a su difunta madre. De esta forma, utilizaba la piel de sus víctimas para crearse un disfraz.

 

10 razones para volver al cine este invierno

El verano llega a su fin. Se acabó tener que guardar barriga, broncearse y escuchar Despacito hasta la saciedad en todas las partes. Las productoras son conscientes del cambio temporal y por eso aprovechan estos últimos meses del año para sacar sus últimas apuestas para conseguir convencer al público con sus mejores productos. Sin duda el lugar idóneo para refugiarse de las bajas temperaturas es la sala de cine.

Según los datos en 2017 vuelve darse una bajada en la calidad de las producciones cinematográficas que llegan a nuestras pantallas. Pocas cintas destacan en un año que de nuevo ha llenado las carteleras de secuelas, remakes y adaptaciones… ¿se habrá cansado el espectador del continuo refrito? Cuesta creerlo cuando la película más taquilllera de lo que llevamos de año es La Bella y la Bestia. Más los datos no engañan. El pasado fin de semana se registró el peor dato de recaudación en América, unas pésimas cifras que no se daban desde el año 2001. Dejemos el debate de calidad y cantidad para otro momento y mejor echemos un vistazo a las películas que harán que volvamos a los cines en los próximos meses:


1. It:

La aclamada obra de Stephen King llega a los cines tras su previa adaptación para la televisión en los años 90. Bill Skarsgård se pone bajo la piel del icónico payaso recogiendo el testigo del camaleónico Tim Curry (The Rocky Horror Picture Show, Legend). Dirigida por Andrés Muschietti, un director que ya nos aterrorizo con Mamá y que según las criticas ha conseguido dar justo con los ingredientes que la audiencia necesitaba. La película cuenta la historia de peculiar grupo de niños poco populares (entre los que destaca Finn Wofhard de la serie Stranger Things) que comenzaran a tener unas peculiares pesadillas, demasiado reales.

Estreno 8 de Septiembre.

2. Madre:

Darren Aronofsky vuelve a las carteleras. El visionario director de Requiem por un sueño, Cisne Negro o El Luchador, pretende con esta nueva película resarcirse del frío que nos produjo su peculiar adaptación de Noé. Acompañado por un reparto de lujo (Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris,  Domhnall Gleeson, Kirsten Wiig ), su primer tráiler promete que no dejar a nadie indiferente. Poco se sabe de su argumento pero muchos ya la comparan como la sucesora del Rosemary´s Baby de Polansky.

Estreno 29 de Septiembre.

3. La Llamada:

Aunque no vivas en Madrid probablemente has ido hablar del fenómeno musical que ha supuesto La Llamada. Una producción que lleva llevando semana tras semana el teatro Lara desde hace 4 años bajo la dirección de Javier Ambrossi y Javier Calvo. El espectáculo da el salto al cine manteniendo la esencia y la historia original pero incorporando nuevos elementos que harán las delicias de los espectadores. El reparto original repite en la gran pantalla: Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta y Gracia Olayo volverán a conquistar nuestros corazones en la cinta española más esperada del año, sobretodo si tenemos en cuenta que el anterior trabajo de sus directores fue la genial Paquita Salas.

Estreno 29 de Septiembre. 

4. Blade Runner 2049:

Ha costado pero ya está aquí. Ridley Scott (esta vez como productor) y sus replicantes regresan como no podía ser de otra forma, con Harrison Ford al mando. Sus avances ya nos han dejado completamente embelesados por sus impactantes efectos visuales ¿pero mantendrán la esencia de la cinta original 34 años después? El echo de que Denis Villeneuve (La llegada, Sicario) se haya sentado en la silla de director nos deja un poco más tranquilos. Su reparto lo completan Ryan Gosling, Jared Leto, Robin Wright y Ana de Armas que da su gran salto en el cine internacional.

Estreno 6 de Octubre.

5. Thor Ragnarok

Probablemente el dios del trueno ha protagonizado la saga más olvidable del universo Marvel. Pocos esperaban el regreso en solitario de su protagonista, sin embargo trasladar la era del Ragnarok ha sido una de las grandes bazas para revivir la franquicia. Una secuela en la que destaca la primera villana en mayúsculas de este universo cinematográfico: Cate Blanchett la cual ya nos ha dejado petrificados con su imponente look en los primeros avances. Una antagonista que podría revitalizar por fin un irregular mundo de villanos. El regreso de Hulk y su estética ochentera son otros de los elementos que nos aseguran una interesante propuesta con la que al menos podemos amenizar la espera hasta la llegada de la nueva entrega de Los Vengadores en 2018.

Estreno 27 de Octubre.

6. La Liga de la Justicia:

El desequilibrado mundo de las adaptaciones de DC se ha resarcido de sus errores cinematográficos con el estreno de Wonder Woman. Pero la prueba de fuego llega con esta producción que unirá a los principales héroes de su universo (Batman, Wonder Woman, Flash, Cybor, Aquaman y ¿Superman?) en la última oportunidad para saber si hay algo salvable aún más allá de esta impecable epicidad que producen sus imágenes. O por el contrario, si volvemos a estar ante un despropósito incoherente de abultada duración. Zack Snyder (responsable de Batman V Superman) dirige acompañado de Joss Wedom (Los Vengadores). Tan escépticos como ilusionados esperamos su llegada.

Estreno 17 de Noviembre.

7. Saw VIII:

Sin duda una de las sagas de terror más longevas de la historia del cine reciente. Y una de las más rentable, pues diez años después de su séptima entrega, Jigsaw vuelve a los cines. Una franquicia acusada de haber perdido el rumbo con su excesivo contenido gore y de la que cuesta creerse su argumento a estas alturas sin un protagonista tan solvente como el original. Aun así somos “masoquistas” y tenemos esperanzas de que la saga vuelva al suspense de sus geniales primeras entregas. La mejor propuesta para pasarlo mal acompañado esta próxima temporada.

Estreno 24 de Noviembre.

8. Asesinato en el Orient Express

El último gran remake de esta temporada es la tercera”) revisión del clásico de Agatha Christie, esta vez dirigida y protagonizada por Kenneth Brannagh (Hamlet, Cenicienta (2015)).  Aunque esperamos que la historia sea lo suficientemente fluida e interesante realmente es lo de menos, ya que uno no puede evitar quedarse embelesado ante semejante reparto. Daisy Ridley,  Penélope Cruz, Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Willem Dafoe, Josh Gad, Judi Dench, Derek Jacobi y Leslie Odom, Jr. completan el vagón de la muerte donde todo el mundo es sospechoso. Como nos gusta una buena película de intriga y más con un reparto de lujo.

Estreno 24 de Noviembre.

9. Coco:

La navidad es territorio Disney. A falta de producción propia, Pixar en la encargada de poner la guinda esta navidades. Tras estrenar este mismo año la desapercibida e innecesaria Cars 3, en Coco nos encontramos con el nuevo trabajo de Lee Unkrich el director que se encargó de la aclamada tercera parte de Toy Story y que fue parte del equipo de Monstruos S.A. La festividad mexicana del día de los muertos toma como punto de partida esta historia en la que la música y la familia son los pilares de su argumento. Un nuevo intento del estudio de encogernos el corazón una vez más.

Estreno 1 de Diciembre.

10. Star Wars – Los Últimos Jedi:

El Despertar de la fuerza, inicio una nueva era dentro de la franquicia Star Wars. Disney ha extendido de nuevo un universo que parecía acabado. 3 nuevas secuelas, 4 spin-off confirmados (tras Rogue One, Han Solo, Obi-Wan Kenobi y Boba Fet tendrán su propia historia como protagonistas) nuevas series animadas, merchandaising de todas las formas posibles… La historia continua estas navidades con esta segunda parte que dará respuesta a muchas de la grande incógnitas que nos dejo su sucesora. Se espera una entrega muy emocionante ya que nos permitirá ver por fin a Luke Skywalker (Mark Hammil) en todo su esplendor y también supondrá la despedida de la fallecida de Carrie Fisher (nuestra amada princesa Leia) del cine.

Estreno 16 de Diciembre.


Además de estas destacables propuesta también contaremos con nuevas secuelas: Kingsman: El Circulo de Oro, Annabelle Creation, Dando la Nota 3… El regreso de aclamados directores como Guillermo del Toro, Yorgos Lathimos o Kathryn Bigelow. E interesantes propuestas españolas como Oro de Agustín Díaz Yanes,  El Autor de Manuel Martín Cuenca, Perfectos Desconocidos de Álex de la Iglesia o El Secreto de Marrowbone el debut como director del guionista Sergio G. Sánchez (creador de El Orfanato y Lo Imposible). No hay excusas, olvídate de las plataformas de pago, el cine será nuestra casa esta temporada.

Moda y cine: 5 películas imprescindibles

Lo cierto es que el vestuario juega un papel importante dentro de la caracterización de una película. Una gran historia pierde sentido si la indumentaria de los personajes se aleja mucho de la idea que tenemos sobre aquella época, y una historia insulsa con buenos diseños puede tener algún atractivo. Aquí, un repaso de 5 películas que marcaron un escaparate de moda y convirtieron films en clásicos.

El Gran Gatsby, (2013)

Miuccia Prada fue la firma elegida y encargada de realizar el vestuario de “El Gran Gatsby”. Los dorados años 20 fueron la época del glamour y del nacimiento de la mujer moderna y su renovación de vestuario: vestidos de seda y gasa, bordados con cristales, pieles y terciopelos. La diseñadora del film, Catherine Martin, se hizo con el Oscar al mejor vestuario ese año y llegó a aclarar que el total de metros de encaje adquiridos fue de 1400 metros. Claro que, si nos fijamos, todos los vestidos tienen detalles lenceros. Además, fundamentales fueron los complementos, especialmente los tocados y los collares de perlas, que corrieron de la mano de nada más y nada menos que Tiffany & Co. Respecto a los colores, los tonos pastel eran la paleta dominante: verde agua, azul cielo, dorados, rosas suaves y nudes.

películas el gran gatsby

películas el gran gatsby

Funny Face, (1957)

Para el que no la haya visto, “Funny Face” podría tratarse de la versión más antigua de “El Diablo Viste de Prada”, con viaje a París incluido. La historia cuenta como una revista de moda busca a una cara nueva que se salga de lo habitual para presentarla como la mujer que represente a las mujeres americanas. En este caso, en vez de Anne Hathaway, la afortunada es Audrey Hepburn, que resulta reunir todas las cualidades que estaban buscando. La diseñadora, Edith Head, estuvo nominada al Oscar por el mejor vestuario, y es que, si hay algo que caracteriza al film, es la multitud de cambios de vestuario que Jo Stockton, el personaje que encarna Audrey, pudo lucir: Trajes de chaqueta y falda recta firmados por Givenchy acompañados de sombreros de paja, guantes, y sombrillas; vestidos en palabra de honor con faldas de vuelo e, incluso, un vestido de novia de ensueño con escote de barco en manga corta y falda de tul.

películas funny face

películas funny face

Down with Love, (2003)

“Abajo el Amor” no deja de ser un guiño a las míticas comedias que encarnaba Doris Day en la década de 1960. Desde un punto de vista actual, el vestuario fue llevado a cabo por Daniel Orlandi, que se encargó de que no hubiera ni una sola pieza de ropa vintage en la película. Diseñó todo, desde las camisas de Ewan McGregor, hasta los guantes de Renée Zellweger. Hazte un favor. Ve esta película este fin de semana, por primera o quinta vez.

películas down with love

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A Single Man, (2009)

La primera expedición en el cine del diseñador Tom Ford era garantía de estilo indiscutible. La fotografía está cuidada, cada plano estudiado y el vestuario y escenografía son de 10. Una de las primeras escenas del film nos muestra exactamente cómo Colin Firth empieza su día eligiendo su atuendo con gran dedicación. ¿Quién no querría encontrarse con un vestidor lleno de ropa perfectamente planchada y a la moda como la del protagonista?

películas a single man

películas a single man

La Modista, (2015)

Para cerrar el ranking, «La Modista» utiliza de nuevo el vestuario como un personaje más en la película.  En los años de posguerra de la década de 1950, la moda se dividió en dos movimientos contrapuestos que se aprecian en el vestuario del filme: por un lado, Christian Dior con su New Look, que devolvió a las mujeres en cierto modo al corsé y a la cintura de avispa. Mientras que, por otro lado, Balenciaga no utilizaba la herramienta, se hacía con lo que había y la forma en que la tela cubría el cuerpo para resaltar las virtudes y ocultar los «defectos». Si aún no has visto esta película, ¿A qué estás esperando para hacerlo? Ver a Kate Winslet enfundada en esos maravillosos vestidos es simplemente fascinante.

películas modista

películas modista

¿Cuál de las películas que integran moda y cine es tu favorita?

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