EL JUEGO DE ENDER: Pequeño gran ¿héroe?

Analizar esta pelí­cula es una tarea ardua. Principalmente porque no es lo mismo si has leí­do la novela o si no lo has hecho, si te gusta el sci-fi o no, o si te gusta Harrison Ford o no. Por ello, esto no es un análisis sino tres:

– PARA AQUELLOS A LOS QUE NO LES GUSTE EL SCI-FI:

Es difí­cil que os guste esta pelí­cula si no os gusta la ciencia ficción pero, oye, aquí­ estoy yo para convenceros. La historia es la de un muchacho que es reclutado en un futuro lejano para luchar contra una invasión aliení­gena que esta al caer. El muchacho se llama Ender: es el tercero de tres hijos en una sociedad en la que sólo se puede tener más de un hijo bajo el consentimiento del gobierno. ¿Y por qué él es el tercero, os preguntaréis? Porque su hermano era muy prometedor pero resultó ser muy violento y su hermana era una joven promesa pero acabó siendo demasiado benevolente; así­ que, les pidieron a los padres que tuvieran a Ender para ver si era una mezcla de los dos. El caso es que al chico se lo llevan para enseñarle el noble arte de la aniquilación aliení­gena… Y hasta aquí­ puedo leer.

¿Por qué podrí­a gustaros esta pelí­cula si no os gusta la ciencia ficción? Principalmente, porque, con un escenario totalmente distinto, la historia hubiera permanecido intacta: véase el servicio militar en La Mancha o en tierras estadounidenses, el escenario intergaláctico no deja de ser un espectacular envoltorio con el que adornar una historia sobre el fascismo.

– PARA AQUELLOS QUE Sí LES GUSTA EL SCI-FI PERO NO HAYAN LEíDO LA NOVELA:

Veamos: partiendo de la premisa anterior, podéis entrever que vais a disfrutar de lo lindo siempre y cuando no esperéis una lucha continua de humanos contra aliení­genas. El grueso de la historia es el aprendizaje de Ender y cómo va aprendiendo las distintas normas del arte de la guerra. Para enseñarle esas normas esta Harrison Ford y Viola Davis, sargento de hierro el primero, y figura materna reconfortante la segunda, que intentan adoctrinarle y llevarle hasta la cima… Aunque no saben hasta el último momento si se encuentran ante el elegido.

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El mayor atractivo para el público amante de la ciencia ficción son esas escenas en gravedad cero que son verdaderamente espectaculares. Llegan a provocar esa sensación de normalidad en el espectador, es decir, de creer que lo que estamos viendo esta rodado realmente así­ por la veracidad que transmite. Y, en este pro de la pelí­cula, se encuentra también uno de sus pequeños contras: nos quedamos con muchí­simas ganas de ver más entrenamientos en esa gran burbuja. No son pocos los que aparecen pero sí­ son inferiores a los que asistimos en la novela por lo que, para los del apartado siguiente, probablemente, se les quede un pequeño agujero, una necesidad de añadir media hora más a ese fragmento.

– PARA LOS QUE HAYAN LEíDO LA NOVELA:

En la novela, uno de los aspectos más caracterí­sticos eran las distintas intervenciones de los comandantes al comienzo de cada capí­tulo. Estos comentarios han sido recogidos con maestrí­a en la pelí­cula de modo que van transmitiendo unos valores al espectador acordes con la trama. Sí­ es cierto que no han dejado ese tufillo grandilocuente que destilaba la novela y las han adaptado para ser más entretenido de cara al público. Digamos que le han regalado a esa parte de la novela un rejuvenecedor lavado de cara que le quita el tedio que provocaba, en algunas ocasiones, la original.

Otro de los aspectos que se han visto cambiados han sido las escenas de violencia. Aunque se mantienen presentes, tanto la inicial con el matón del colegio como la que da lugar en las duchas con Bonzo, en el libro las imaginábamos más brutales y no es que aquí­ sean tapadas o sucedan fuera de cuadro, sino que nos falta esa crudeza en los golpes que nos ofrecí­a el libro.

Uno de los grandes aciertos a la hora de llevar el libro a la gran pantalla ha sido el de suprimir todo lo referente a esa subtrama polí­tica que envolví­a a los hermanos de Ender. No aparece para nada y tiene un principal problema: el regreso a la Tierra de Ender. Si recordáis, en ese momento, ambos han cambiado y es algo que pasa muy desapercibido en la pelí­cula. Si bien se mantiene el hecho de que Val le convenza para volver, en el libro nos encontramos con un Ender más aspero, inhumano casi, y una Val destrozada por el cambio que ha tenido que hacer. En la pelí­cula no hay un arco de transformación tan marcado porque, principalmente, no hay tiempo. Como decí­a antes, media hora más en el tramo del entrenamiento, hubiera hecho que se enriqueciera el personaje protagonista.

Por último, el tramo final, algo que a mi me preocupaba sobremanera, esta perfectamente llevado. Aquellos que no han leí­do la novela, hablan de anticlimático y que no llega a envolver al espectador… Es exactamente igual que en el libro, para bien o para mal.

Después de estos tres análisis, mi opinión es que se trata de una muy buena pelí­cula de ciencia ficción que, si bien es muy disfrutable para cualquier publico, si previamente se ha realizado una lectura de la novela, se disfrutará mucho más. ¿Sorpresa? Puede, porque casi todas las adaptaciones terminan por dejar un mal sabor de boca en el lector y ésta, no.

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Only God Forgives el juego de Hollywood… o no

Hollywood tiene un eslogan claro y no se molesta en esconderlo: ¡Si quieres triunfar, ponte cachas! Eso es algo que el agente de Ryan Gosling sabe muy bien y lo explota al máximo. ¿Pero qué se esconde detrás de todo esto?, ¿en qué momento se decidió cambiar el rumbo de su carrera?, ¿es este el único ejemplo a seguir para ser alguien?, y lo mejor de todo: esto es un juego sucio que la sociedad acepta con los brazos abiertos. No son estadí­sticas, es la realidad. Hollywood es capaz de manipular todo el mundo conocido con unos buenos pectorales. El caso Gosling no es el único, ni lo será.

¿QUIí‰N ES RYAN GOSLING?

¿En qué momento se decidió que este chico acaparase todas las portadas? Hollywood, en su libro de reglas, sigue unas pautas muy bien marcadas (aunque variables):

 1. Estrella infantil: paso clave, no siempre obligatorio, pero de vital importancia, es ser una estrella infantil. El 90% se queda a mitad de camino, la mala vida, el dinero rápido. Pero si consigues superar esta primera fase, si de verdad consigues formar parte de ese 10% ganador: ¡Enhorabuena!, porque el cielo te espera (Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Will Smith). Del Mickey Mouse Club, con los que todos ya sabemos, a series de culto teen como Pesadillas y El Club de Medianoche. El Joven Hércules no se da por válida.

 2. Jóvenes inadaptados: siguiente paso clave en la fórmula, tu nuevo agente que se ocupará de ti durante la adolescencia decidirá sin opción de protestar, porque «tú aún no entiendes el show business»,  los papeles más apropiados, que serán adolescentes y jóvenes inadaptados en la dura sociedad: Asesinato… 1-2-3 (2002) o The United States of Leland (2003). (Jake Gyllenhaal sabe de lo que hablo).

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 3. Drama romántico (si es de Nicholas Sparks mejor): si has pasado con aprobado el anterior paso tu agente se matará por meterte en ese proyecto de «drama romántico basado en best-seller» que todos los estudios se rifan. ¡Genial, ya estás dentro! Ya solo falta la chica. Los dramas indies no te han dado suficiente poder y todaví­a no tienes la capacidad de llenar los cines, necesitamos una cabeza de cartel, alguien de moda. En 2004 si algo estaba de moda era Chicas Malas, y Rachel McAdams se convirtió de la noche a la mañana en eso que llaman: «lanzar al estrellato». No nos engañemos, la estrella de El Diario de Noah era McAdams, y lo siguió siendo durante años. ¿Cuál es la diferencia entre los dos? Mientras que Ryan se dedicó a perfeccionar su gesto melancólico en pelí­culas independientes: Half Nelson (2006) o Lars y una chica de verdad (2007), Rachel se dejó manejar por los grandes estudios en comedias absurdas, pero de buena taquilla y buen cheque: La Joya de la familia (2005) o Más allá del tiempo (2009). Resultado: paso 4.

 4. Cheque gimnasio: el momento ha llegado, ya estás listo. Después de ganar por méritos propios un status en el circuito indie, el paso más importante es conquistar al resto. ¿Y cuál es el modelo a seguir? Proteí­na. Tu cuerpo más vivo que nunca. El proyecto más apropiado para lucir tu nuevo aspecto es unir el género del que vienes y el mainstream: drama indie. Blue Valentine (Derek Cianfrance – 2010) es lo que la carrera de Ryan necesitaba en el momento exacto, y así­ fue. El mundo ya se habí­a Goslinizado sin marcha atrás y relevo a largo plazo.

 5. El firmamento: ya estás aquí­, todo es tuyo y de momento nadie te lo va a quitar, pero aún te falta lo más importante en una carrera: una pelí­cula de culto. Es raro que no la hayas conseguido en tu etapa indie, pero no pasa nada, porque en este momento: puedes. Y llegó DRIVE. Pelí­cula de encargo que terminó en manos de un director danés hasta entonces desconocido por las masas, pero con un gran estilo, y eso es lo que necesitamos para una pelí­cula de culto al fin y al cabo. Hugh Jackman está metido de lleno en el proyecto, pero tu agente es competitivo. Hugh tiene una familia que mantener, así­ que se le sube un poco el cheque de Marvel y conseguido. Dentro. Drive ya es Ryan Gosling, y Ryan Gosling revoluciona el mundo, y la cultura pop. (Suena Nightcall de Kavinsky de fondo).

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¡ONLY GOD FORGIVES!

En 2011 crí­tica y público se arrodillan ante Drive. El camino empieza en Cannes con el premio a Mejor Director para Nicolas Winding Refn. El planeta hipnotizado por el fenómeno de culto. ¿Qué no has visto Drive? ¿En serio? Ese era el pan de cada dí­a, hasta que todo el mundo tragó. Así­ funciona el hombre, la naturaleza te obliga a formar parte de una sociedad. Y la sociedad se vio obligada a consumir.

El mismo equipo enseguida se pone en marcha para ampliar ese mundo creado. Esta vez el proyecto es personal, Winding Refn vuelve con Gosling, y se van de vacaciones a Tailandia. Lo que en un primer momento se vendió como la continuación de Drive, resultando una estrategia errónea, acaba siendo lo contrario. Si en Drive destacaba la belleza de la violencia con historia romántica, Only God Forgives es el poder de la familia y la venganza. Menos accesible. Ryan Gosling  conoce sus puntos fuertes y su gesto insí­pido lo saca de paseo. La reina de la función, Kristin Scott Thomas, se come la pelí­cula como una Real Housewive de Miami. Si el mundo fuera justo, que no lo es, Kristin estarí­a presente en la temporada de premios. Otra serí­a la que se pagase una campaña, pero Kristin está por encima.

Refn vuelve a contar con un maestro del neo-noir, Gaspar Noé (Irreversible, Enter the Void) como asesor. La escena de culto del ascensor en Drive en suya. Cliff Martinez (Spring Breakers) se encarga de la música oní­rica que causó furor en Drive. Only God Forgives es poesí­a visual, la poesí­a de una violencia provocada por la furia de la venganza. No apta para todas las mentes, pero sí­ para aquellos seleccionados. Los seleccionados snobs, como el propio Winding. Resultado: tibio. El mundo esperaba una secuela, pero lo que se encontró fue una venganza cruel por convertir en mainstream lo contrario.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=LDCt1V8T3To[/youtube]

 

TOP6 SPOILER 

1. Ryan Gosling mató a su padre.

2. Y por eso se fue a Tailandia, otro mundo.

3. Allí­ se gasta el dinero en chicas de pago.

4. Dinero que le da el mercado de la droga.

5. Droga que dirige su madre desde Miami.

6. Que también muere… asesinada!

 

INSIDIOUS II: El miedo siempre llama dos veces

Antes de comentar esta secuela, he de decir que la primera parte de Insidious me dejó completamente traumatizado. De hecho, cuando recuerdo la secuencia en la que el niño baila por la casa, aún se me sigue poniendo la carne de gallina. Digo esto para que partamos de la idea de que yo considero Insidious la pelí­cula de terror del momento (quizás no fuera del todo redonda, pero sí­ contaba con las secuencias más escalofriantes). Mejor dicho, consideraba: mi idea cambió cuando vi su secuela.

Insidious II va a por todas. Si en su predecesora se nos daba algún respiro, en esta ocasión, no hay una sola secuencia en que no pase algo terrorí­fico. La pelí­cula está construida de tal forma que el espectador es incapaz de descansar un solo momento y sale completamente exhausto de la proyección. James Wan, director también de la primera y de Expediente Warren, sabe cómo hacer cine de terror. Es un maestro y con esta secuela se ha coronado por completo. Ya sólo con la primera secuencia tiene al público con el corazón en un puño.

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La pelí­cula arranca donde acabó la anterior: Josh Lambert regresa del mundo de los muertos y trae consigo a una de las criaturas del otro lado: nada más y nada menos, que la novia de negro que nos aterrorizó en la primera parte.

En la primera secuencia de la pelí­cula, regresamos a la infancia de Josh. Su madre llama a una especialista en temas paranormales (la médium que muere al final de la primera entrega) y realizan una grabación en la que el niño entra en trance. Esta secuencia, en la que apenas hay un susto, está rodada de tal forma que ya nos hace sudar de lo lindo. Además, no es gratuita como en la mayorí­a de las pelí­culas del género, sino que tiene sus repercusiones en el resto de metraje.

Comienza así­ un torbellino de emociones, sustos y gritos que nos mantienen pegado al culo al asiento. Además, esta secuela es mucho más redonda porque cuenta con una trama mucho más elaborada. Mientras que en Insidious se nos presentaban las reglas de esos viajes astrales que realizaba el niño, en el segundo capí­tulo, (casi) todo sucede en el mundo de los vivos y, por lo tanto, hace a la cinta mucho más aterradora.

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Si en la primera parte os decí­a que me aterrorizó la secuencia del niño, en esta, la secuencia de los vasos conectores le sigue a la zaga. Wan consigue construir un terror que huye del susto y que se basa en grabar a fuego imágenes terrorí­ficas en el ojo del espectador. Sólo la mujer caminando por los pasillos, el piano que suena sin ser tocado o, como digo, esos vasos que conectan con el más allá y la posterior huida del armario de la joven muerta, hacen que no podamos pegar ojo por la noche.

Además de toda la parafernalia paranormal, si hay algo que asusta es la interpretación de Patrick Wilson y su más que creí­ble caracterización. El actor vuelve a brindarnos una de sus interpretaciones más brillantes gracias a un arco de transformación al más puro estilo Nicholson en El resplandor.

Nos vendí­an Expediente Warren como la mejor pelí­cula de terror desde El exorcista. Quizás el hecho de quedarse todo el rato en nuestro mundo y no fantasear con mundos paralelos, hacen que para algunos sea mucho más terrorí­fica pero, Insidious 2, aparte de conseguir mejorar la primera, mantiene un atmósfera mucho más aterradora y consigue quedarse en nuestro cerebro por más tiempo, lo que, al fin de cuentas, es lo que se pide a una pelí­cula de este tipo.

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Capitán Super Hanks

¿QUí‰ PASA CON CAPITíN PHILLIPS?

Algo pasa en Hollywood. Desde hace varios años un nuevo género se ha instalado en las oficinas de los grandes estudios: el docudrama. Ficción con estilo documental. Cada temporada potente de cine el docudrama de turno llega para hacer un alto en el camino. ¿Pero por qué ahora?, ¿por qué está de moda?. El docudrama siempre ha estado ahí­ de alguna manera, fue Kathryn Bigelow en 2009 la culpable de sacar de un saco oscuro el género. Cuando eres la primera mujer de la historia en ganar un Oscar como Mejor Director (a), con un estilo en principio dominado por hombres, todo apunta hacia ti y a tu forma de hacer cine. The Hurt Locker (En Tierra Hostil), ganando también el Oscar a Mejor Pelí­cula, cambió el rumbo del asunto.

Capitán Phillips viene orquestada por Paul Greengrass, un habitual del género. Con United 93 (2006), las claves del docudrama quedaron claras: historia real + estilo documental + thriller + reparto sin estrellas. Algo que se alejaba bastante de lo que Hollywood en ese momento pedí­a en un drama. Por algo es la mejor pelí­cula hasta la fecha del 11S. Con Capitán Phillips la fórmula se rompe, el director firma un pacto con el diablo y la pelí­cula pasa a ser un despliegue para el lucimiento de una estrella apagada con ganas de brillar: Tom Hanks. La historia es real, un buque estadounidense es secuestrado por piratas somalí­es. Lo tí­pico. La pelí­cula comienza con un estilo interesante, y una cámara nerviosa que te hace sentir en altamar y rehén de unos piratas con hambre de fortuna, para después convertirse en la superproducción que es y pasar a llamarse «Jerry Bruckheimer, el regreso». Tom Hanks, Prí­ncipe de las mareas. NO. El mensaje de la pelí­cula roza el ridí­culo con unos piratas somalí­es persiguiendo el sueño americano. Una vez más, los USA son los reyes. Error en el mensaje.

Protagonista del Festival de Cine de Nueva York, y con una buena acogida por parte de la crí­tica, compite directamente en taquilla con la bestia de Gravity, lo que ha impedido su reinado. Hasta ahora lleva amasados 65 millones en dos semanas.

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¿Cí“MO HA LLEGADO TOM HANKS HASTA AQUí?

Tom Hanks durante dos décadas consiguió algo inalcanzable hoy en dí­a:

  1. Ser máxima estrella de Hollywood con comedias románticas sin aparecer en ningún top absurdo de los cuerpos más deseados del planeta es básicamente imposible en el siglo XXI, a no ser que seas Melissa McCarthy.
  2. Conseguir 2 Oscars a Mejor Actor Principal durante dos años consecutivos: Philadelphia (1993) + Forrest Gump (1994).

Pero para Tom Hanks no todo iba a ser un camino de rosas. En los últimos diez años lo más relevante que Tom ha dado al mundo ha sido la multa de tráfico por conducir una moto sin casco en el cartel de ese fiasco conocido como: Larry Crowne (2011), (con Julia Roberts de copiloto, ¡la culpa es de Julia!), y seguir casado con Rita Wilson, claro. Tom Hanks llega a Capitán Phillips como un ser humano, que por naturaleza tiende a exagerar el papel de superhéroe. Capitán Phillips es el bueno de Tom Hanks, pero también podrí­a ser  Nicolas Cage con una peluca naranja y ahora estarí­amos hablando de Jessica Chastain en la carrera de este año. Espera, déjí  vu, esto me suena. Jessica Chastain en Zero Dark Thirty ha pasado de ser una Carrie Mathison con trankimazin a la reina de los mares. Jessica, vuelve.

Tom Hanks

¿CUíLES SON SUS POSIBILIDADES?

Según las estadí­sticas generales , y las mí­as, Capitán Phillips se sitúa ahora mismo en tercera posición en el top oficial de la carrera 2013, detrás de 12 Years a Slave (Steve McQueen) y Gravity (Alfonso Cuarón). Paul Greengrass tiene casi asegurada su segunda nominación como Mejor Director después de United 93 en 2006 y a Sony Pictures con la salida de George Clooney y su The Monuments Men de la carrera de este año ya solo le queda pujar fuerte por Capitán Phillips y American Hustle (David O. Russell). Las posibilidades del doblete de Tom Hanks este año son altas. Actor protagonista por Capitán Phillips y secundario por Saving Mr. Banks donde tiene más opción, aunque complicada. Cuidado a la pelí­cula sobre la difí­cil pre-producción de Mary Poppins y las diferencias entre Walt Disney (Hanks) y su autora (Emma Thompson). Después de su paso por el London Film Festival nunca Disney se habí­a visto tan bien posicionada en el Oscar a Mejor Pelí­cula. Lo que desmuestra una vez más que los premios te pueden dar mucha ilusion en la vida, pero también quitártela de una hostia.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=NruWYK-KA6w[/youtube]

TOP6 SPOILER:

1. Tom Hanks es el héroe, aunque la tripulación del buque esté formada por 20 hombres.

2. Esos 20 hombres son los responsables de asustar a los piratas secuestradores.

3. Pero el héroe sigue siendo Tom Hanks.

4. Los piratas somalí­es aprenden inglés porque su máxima aspiración en la vida es el sueño americano.

5. El sueño americano no entiende de globalización.

6. Tom Hanks sufre mucho en la última escena y grita: ¡QUIERO MI OSCAR!. Fin.

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PRISIONEROS: Yo por mi hija MA-TO

La famosa frase de Belén Esteban me sirve de punto de partida para hablaros de una de las mejores pelí­culas que se han estrenado los últimos años: Prisioneros. En ella, dos familias sufren la desaparición de una de sus hijas. El sospechoso es un joven que se encontraba en una caravana en las cercaní­as de la casa la tarde de la desaparición. Sin embargo, éste niega haberlo hecho. Además, cuenta con un importante problema mental que le imposibilitarí­a a hacerlo. Empieza así­ una búsqueda en paralelo: la del agente de policí­a encargado del caso y la de las familias y su particular modo de obtener información.

Aunque hemos podido ver en el tráiler cómo intentan conseguir la información, no quiero desvelárselo a aquellos que se quieran acercar a la pelí­cula sin saber nada, así­ que lo dejaré para el spoiler:

El padre de una de las familias secuestra a este joven y lo tortura hasta hacerlo hablar. Estas secuencias están rodadas con la intención de incomodar al público, es decir, llega un momento en que no podemos sino compadecernos de ese chaval que está siendo machacado y del que ni siquiera sabemos si ha sido culpable. Pero, ¿y si ha sido él? ¿Y si sí­ sabe el paradero de las niñas? ¿Y si nos ponemos en la piel de los padres?

El reparto es una de las grandes bazas de la pelí­cula. Hugh Jackman es el padre que más peso lleva de los cuatro involucrados en la trama pero, cuidado, eso no quiere decir que los otros sean unos desconocidos o no tengan su secuencia de gloria: Maria Bello es la mujer de Jackman, y el otro matrimonio está compuesto por Terrence Howard y Viola Davis. Evidentemente, era de esperar algo grandioso. Pero, aún tenemos un actor más que, para mi gusto, es el más oscarizable de todos los que intervienen: un Jake Gyllenhaal soberbio como detective de la policí­a. Su construcción del personaje es verdaderamente increí­ble, consiguiendo que nos lo creamos en todo momento.

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Si el reparto es una gran baza para la pelí­cula, el guión es otra. Muchos ya se han aventurado a decir que está a la altura de grandes obras como Seven o Zodiac. No podrí­a estar más de acuerdo. Sus casi dos horas y media nos mantienen pegados a la butaca pensando, sufriendo, dudando, intentando descubrir quién nos miente y quién nos dice la verdad. Todo está tan bien elaborado que, cuando llega la resolución, nos sorprende pero a la vez nos hace asentir, entendiendo que no podrí­a haber sido de otra manera.

Hay una cosa que me ha gustado especialmente de la pelí­cula y es la forma en que se presenta al joven de la caravana, un Paul Dano, una vez más, magistral: pasamos de tener nuestras más temibles sospechas hacia él a compadecernos con solo un plano de las manos asomando a través de unas cortinas. Esto es algo que, luego, se mantiene a lo largo de toda la pelí­cula.

En las secuencias de tortura, una vez es encerrado en la ducha, sólo vemos un ojo ensangrentado iluminado por un mí­nimo halo de luz: si para entonces no nos habí­amos compadecido de él, en ese momento, se nos encoge el corazón por completo.

Como habéis podido comprobar, no puedo estar más entusiasmado con esta pelí­cula. Me parece que tiene todo lo que se le puede pedir: un guión excepcional, interpretado magistralmente y dirigido con sutileza, manteniendo la atmósfera de tensión hasta el último momento. Yo de vosotros, no me la perdí­a.

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Miss Gravity Bullock

¿QUí‰ PASA CON GRAVITY?

Año tras año, los pocos que todaví­a consideramos el cine como un bien de primera necesidad, asistimos a una feria ambulante de atracciones. Atracciones, en su mayorí­a, con una fórmula ya caducada. Lo que se nos ofrece no es nuevo, espectáculos reinventados con campañas de marketing hinchadas de dinero y un objetivo único: triplicar el dinero invertido. La primera parada es la taquilla de cine. O la cuarta. Hasta hace pocos años el marketing previo a las salas se limitaba a revistas de cine mensuales y trailers. Nada comparado con la actualidad, las redes sociales nos han hecho primeros protagonistas sedientos de información diaria. Lo que empezó como algo revolucionario, lo sigue siendo, pero el más avispado debe saber lo importante que es medir esa información que consume. Es aquí­ donde entra el HYPE, la bomba de relojerí­a que puede estallar en las manos sin que te des cuenta, y viene causado directamente por ese consumo tan bestial de noticias que conforman una campaña viral: web, poster, teaser, trailer, entrevistas, redes sociales, y el propio público consumidor. Con un protagonista esencial: el festival de cine. ¿Qué está pasando para que los grandes estudios decidan pasear sus pelí­culas, que aparentemente no tienen necesidad, por los festivales de cine clave?. Cannes, Toronto, Telluride, Venecia, San Sebastián. Precisamente, crear ese hype en el público. Si antes la información que llegaba desde los festivales se limitaba al crí­tico de cine de un periódico por una única ví­a, ahora el boom mediático que suponen las redes sociales agiliza toda esa información que no podrí­a ser posible de otra manera. Estamos ante una nueva forma de vivir el cine. Pero cuidado, puede ser peligrosa.

¡Odio el espacio!

 

Por eso, Gravity es la pelí­cula acontecimiento del año. Con un tour que incluye Venecia, Telluride, Toronto y San Sebastián,  el film de Alfonso Cuarón es ya historia del cine, y un fenómeno de masas. En su primer fin de semana, la recaudación USA superó los 55 millones de dólares, cuando la propia Warner no confiaba en las posibilidades. En dos semanas los millones amasados en todo el mundo llegaban a 200. Entonces, ¿qué tiene Gravity de especial?. Estamos ante la atracción que devuelve y consigue renacer la magia de ver cine en el cine. La atracción estrella, con un 3D sobrecogedor que te convierte en los ojos y sufrimiento de Sandra Bullock. No has leí­do mal, si vas al cine y ves Gravity en 3D te conviertes en Sandra Bullock, y sufres, sufres mucho. Dos astronautas tienen un accidente en un viaje espacial. El argumento podrí­a haber salido de un curso de verano de escritura creativa, o de un paseo por Tumblr. Con un George Clooney irónico convertido en Buzz Lightyear, acompañado de su mariliendre, Sandra Bullock. Pero el guión tan convencional es esencial para el conjunto de toda la pelí­cula, forma parte de la experiencia. El espacio te atrapa y el espectador, desde su butaca bien agarrada, se convierte en astronauta durante 90 minutos de auténtica locura. Una locura que hace que Gravity consiga ser un punto y a parte en el cine. Pero cuidado, esto no es el relevo de 2001: Una Odisea del Espacio (Stanley Kubrick – 1968). Que nadie caiga en esa trampa del falso cinéfilo. Gravity es la atracción estrella de la feria, 2001 es la feria. Y esa atracción es manejada por una bestia parda que lo da todo: Sandra Bullock.

¡Solo sabemos según Cuarón que vais a flipar!
¡Solo sabemos según Cuarón que vais a flipar!

 

¿Cí“MO HA LLEGADO SANDRA BULLOCK HASTA AQUí?

Gravity es la pelí­cula por la que Natalie Portman y Angelina Jolie rascan con las uñas las paredes de su casa. Un tropiezo no para ellas, sino para sus agentes. A Natalie alguien le dijo que ganar un Oscar te daba carta libre para ser madre y no salir de casa. Angelina considera eso un despropósito y vive en una tribu. Pero cuidado, juego arriesgado. La panadera de Renée Zellweger os podrí­a contar una historia muy triste de una clienta fracasada.

Hollywood se inventa sobre la marcha muchos cuentos de hadas, pero así­ como los inventa, los destruye, y esas alas de hada se transforman en cadenas para actrices que se creen estrellas más rápido de lo que merecen. Porque 10 años y un Oscar no perdonan una retirada temporal, o eso creí­a Julia Roberts, America’s Sweetheart y rival directa de Sandra en los 90′, que desde que se bañó en oro en el 2000 no levanta cabeza. En 2009 fue testigo de como la propia Bullock relanzaba su carrera de estrella, y su IMDb, con pelí­culas que ella misma habí­a rechazado: The Proposal y The Blind Side. Un drama, Julia.

Fue precisamente con The Blind Side cuando llegó la revolución: el Oscar de Sandra.  Por si fuera poco, a veces una peluca y un Oscar no son suficientes para conseguir el respeto de todos. El mundo esperaba todaví­a algo más de Miss New Jersey, y el sufrimiento siempre es una buena moneda de cambio para ser aceptada en esta sociedad. El público al fin consigue empatizar con Sandy. De todas maneras, Sandra Bullock lleva desde 1995 siendo la responsable de que las taquilleras de metro crean en el amor, y eso ya vale más que cualquier premio.

Primera prueba de vestuario: descartado

 

¿CUíLES SON SUS POSIBILIDADES?

Como maldita masterpiece y revolucionaria, Gravity está muy presente en la carrera, segunda frontrunner potente después de 12 Years a Slave de Steve McQueen, pero NO va a ganar el Oscar a Mejor Pelí­cula. Su género, aunque no es la ciencia-ficción como se quiere hacer creer (tiene más de terror que de ciencia-ficción), thriller dramático espacial, no coincide con el gusto general de la Academia. Si hacemos historia, ninguna pelí­cula comparable a Gravity ha ganado el Oscar a Mejor Pelí­cula. En cambio, si son altas las posibilidades de Director y, por razones obvias, arrasar en todas las categorí­as técnicas. Sandra Bullock ya es una nominada segura por Actriz Protagonista, aunque su polémico primer Oscar es muy reciente, y su rival directa Cate Blanchett, por Blue Jasmine de Woody Allen, pisa fuerte. De todas maneras, la gran baza de Gravity es su ya asegurada perdurabilidad en el tiempo y en la memoria de todos. El mayor premio para cualquier pelí­cula.

 

 

TOP6 SPOILER:

1. Sandra Bullock lleva peluca. El pelo en el espacio flota, el suyo no, es especial.

2. Lo que significa que habí­a presupuesto para mucha laca, o era de los chinos.

3. Chinos que no ayudan a Sandra en la estación espacial.

4. Además, Sandra Bullock no habla chino (ironí­a reservada exclusivamente en la V.O.)

5. Sandra no muere.

6. George Clooney sí­.

 

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