Oscar 2016: las 5 virtudes ignoradas sobre La chica danesa

La crítica ha sido tajante. La cinta de Tom Hooper que narra la experiencia del primer transexual de la historia parecía buscar tan desesperadamente el favor de los académicos de Hollywood que, finalmente, ha conseguido el efecto contrario. La chica danesa no optará el próximo 28 de febrero al Oscar a la mejor película. Una decisión cuestionable desde el momento en que se basa en un prejuicio, ser un filme oscarizable, que en anteriores ocasiones no ha supuesto un problema para obtener la nominación. A continuación, repasamos los principales motivos por los que esta historia basada en hechos reales merecía su puesto en la categoría madre.


Los dos protagonistas están de lujo

La chica danesa

Mientras la actriz del momento Alicia Vikander se lleva la gran mayoría de halagos por encarnar a la sufrida esposa de Einar Wegener, el trabajo de Eddie Redmayne ha quedado un poco ensombrecido por su compañera de reparto y por las críticas hacia su hipotética sobreactuación. El ganador del Oscar el año pasado por La teoría del todo, en cambio, realiza en La chica danesa una interpretación ejemplar, que destila perfectamente la impotencia y la indefensión de todo aquél que debe enfrentarse al rechazo social. Un papel de Oscar que Redmayne ganaría de calle si no fuera por su anterior galardón y porque Leonardo DiCaprio aguarda con uñas afiladas su merecido reconocimiento.


Tom Hooper supera a El discurso del rey

La chica danesa

El director británico ha roto su racha de nominaciones a mejor película con ‘La chica danesa’. Si con su anterior propuesta, Los miserables, obtuvo ocho nominaciones, incluida la de mejor filme, con El discurso del rey alcanzó la gloria en 2010 agenciándose el máximo galardón y el de mejor dirección. Sorprende que una película que sigue a rajatabla la particular visión estética de Hooper, que incluso la supera, no haya entrado esta vez en la lista de hasta diez nominadas a mejor película. ¿Será quizá que esta vez ha roto las normas de toda historia de superación que exige el academicismo? El director no ha visto recompensado su esfuerzo por romper los moldes del cine más convencional, como por ejemplo mostrando sin tapujos y frente a un espejo el cuerpo desnudo de un hombre que se siente mujer.


Contiene todos los elementos para optar al premio gordo

La chica danesa

Esta es quizá su virtud más cuestionada. ¿Hasta qué punto debe ser evidente la búsqueda insaciable del mayor número de nominaciones posible? Es bastante palpable que Hooper ha buscado ir tachando de su lista todas las categorías de los Oscar a las que podía optar. Salvo algunos apartados técnicos, La chica danesa está confeccionada para abarcar el máximo de galardones, desde la banda sonora, a cargo del infalible Alexandre Desplat, hasta el vestuario de Paco Delgado, que ya obtuvo otra nominación gracias a Los miserables, también de Hooper. Lo que en principio podría ser un hándicap, la pérdida absoluta de autoría en favor de los gustos encorsetados de los académicos, no es más que una suma cuasi perfecta de los elementos que convierten a un filme de temática prácticamente marginal en una obra para todos los públicos.


Normaliza un tema que sigue siendo objeto de mofa

La chica danesa

Hablamos mucho de la marginación de los Oscar hacia la comunidad negra pero lo cierto es que si hay un colectivo que todavía sigue sin superar la barrera del premio a la mejor película es el que se esconde, al menos cinematográficamente, bajo las siglas LGTB (enseguida nos vendrá a la mente Brokeback mountain). Grandes interpretaciones, como la de Tom Hanks en Philadelphia o la de Sean Penn en Milk, han logrado su estatuilla. La máxima concesión que ha otorgado la Academia de Hollywood a las personas transgénero fue la nominación de Felicity Huffmann por su insuperable papel en Transamerica. Ahora que La chica danesa ha sido prohibida en varios países de Oriente Medio, Hollywood tenía una excelente ocasión para dar visibilidad a un filme que consigue normalizar una opción vital que todavía sigue siendo objeto de burla en los países supuestamente desarrollados.


Algunas de las nominadas son mucho peores

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Muchos todavía se rasgan las vestiduras con la inclusión de Brooklyn entre las finalistas. Algunos dudan de los méritos de Marte. Las múltiples opciones de El puente de los espías (otra que también podría recibir acusaciones de buscar desesperadamente su hueco en los Oscar) se antojan bastante desproporcionadas para otros. En un año claramente falto de obras maestras, no hubiera estado de más incluir a La chica danesa. Una cinta que en ediciones anteriores, y mucho más competitivas, habría entrado sin duda en esa lista de hasta diez seleccionadas que, más que para optar al gran premio, sirven para dar visibilidad a otro tipo de cine. La historia de Lili Elbe merecía, sin duda, ese reconocimiento.

El show televisivo de los Goya

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Se acerca la única fecha del año en que nuestro cine se hace tele y objeto de interés puntual pero seamos francos; en un panorama sin Candela Peña, sin guerras importantes a la vista y sin Eva Hache al frente, ¿qué tienen de interesante los Goya? En Bface no queremos que desesperes y te damos las claves para disfrutar de la XXX Edición de los Premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España como el espectáculo televisivo de altura que aunque sus numerosas cagadas hagan que no te des cuenta.

El factor sorpresa no es precisamente el mejor santo al que encomendarse en una gala de varias horas a priori tediosas en las que los premiados a las categorías menos relevantes intentarán ganar relevancia con sus discursos. Aquello del minuto de gloria, que está muy bien, pero que nunca es un minuto. La retahíla de padres, hermanos o abuelos que escucharemos esa noche no ha de frenarnos a la hora de entregarnos a la única entrega de premios que por suerte, y por franja horaria, no requiere de despertador ni cafeteras para su disfrute. Por si no es suficiente, ahora se celebra en sábado; un guiño indiscutible a la cultura del botellón, así que reúne a tu gente, compra alcohol del bueno y entrégate a un espectáculo televisivo digno de análisis. Nosotros te dejamos las claves del éxito, ¿qué tienen los Goya que los hace únicos?

[small_title title=»CANDELA PEÑA»]

Y sus discursos. Sí, Candela Peña es arte en movimiento, regalo divino para cinéfilos pero también todo un animal televisivo que merece una y mil menciones especiales por sus apariciones. Acerca de los recortes en sanidad puso voz televisada contra la política del Gobierno en un discurso que pasará a la historia. La posterior campaña mediática contra la artista contribuyó a convertirlo en un hito del surgimiento de la ola hypsterpolitóloga en la que todos nos vimos envueltos después. Por si fuese poco, Candela también presume de haber enunciado uno de los speech más emocionantes de cuantos se han televisado en nuestro país al recoger el premio a Mejor Actriz Protagonista en 2006 por su memorable prostituta de Princesas. A día de hoy tan sólo ha sido igualado por el grandioso momento en el que Nerea Barros inundara las redes en la pasada edición por lo psicotrópico ‘alegre’ de su grandilocuencia. Candela además nos tiene acostumbrados a grandes looks que no pasan por showroom o pre-acuerdo con marcas (ha llegado a lucir un vestido diseñado y confeccionado por su propia tía)y en definitiva es indispensable en una buena gala de premios que se precie… esperemos que aparezca por allí.

[small_title title=»Looks imposibles»]

Paz Vega, ¡pechos fuera!. Como si de una consigna de personaje manga se tratase, el pecho de Paz salió disparado de aquél vestido imposible en el que se metió la sevillana (y por entonces actriz querida) cuando recogió el premio más importante de su carrera hasta la fecha; mejor actriz revelación por Lucía y el Sexo. Aunque ya no aparezca por España ni para anunciar yogures, su primera vez en los Goya será recordada por la eternidad de la era activia.

La alfombra de los Goya, sea del color que sea, es además uno de los momentos más divertidos por razones que poco atienden al buen gusto.La primera por la cantidad de reporteros de dudoso conocimiento del medio que manda TVE a cubrir las llegadas; errores, gazapos, nombres de diseñadores inventados… de todo puede suceder (‘oit points‘). La segunda por el morbo de observar los horrores de estilo que destilan nuestras grandes estrellas y que plagarán la red de memes en los días consecutivos. Juega con tus amigos a adivinar quién será la peor vestida de la noche, pero recuerda una premisa importante: ‘fallarás seguro, siempre pueden aparecer Loles León con algo en la cabeza o Massiel captando adeptos entre los militantes del Partido Animalista’

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[small_title title=»Parejas estelares»]

Los Goya son de las pocas ocasiones que tenemos de ver en televisión a parejas de altura que viven ajenos al universo Sálvame. Penélope y Bardem, por ejemplo, reciben todo tipo de halagos, alusiones y mofas cada vez que acuden, acentuando así el hecho de que nuestra Academia es aún bastante cateta en esto de creer en su propio star system.

Clara Lago y Dani Rovira tampoco quedaron ajenos al chascarrillo general y pese a que el malagueño fue además el conductor de la pasada edición, no dudaron en ofrecer el momentazo Carbonero que mucha gente esperaba frente a sus televisores. La naturalidad y la euforia del ganador son buenos aliados del espectáculo y enemigos declarados del pudor. Y bueno, luego están apariciones sorprendentes como Chenoa cuando acompañó, y quiso dejar constancia de que así fue, a su entonces novio Álex González o la diversión hecha pareja en Macarena Gómez y Aldo Comas; mítica fue su aparición ante los micros el año que venían directitos de la boda de Andrea Casiraghi… ellos son así:

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Sin duda, este año ha sido la reciente confirmación de que Isabel Preysler y Mario Vargas Llosa acudirán juntos  a la gala el golpe de efecto necesario para que más de uno se pegué al televisor el próximo 6 de febrero ansioso por escuchar las bromas que Rovira pueda hacer al respecto de la pareja geriátrica más famosa del momento. Peloteo máximo asegurado.

[small_title title=»Sketches y numeros musicales»]

Algunos son terribles, otros muy de factura del Club de la Comedia y alguno que otro reivindicativo, quizás demasiados. Hay para todos los gustos. Entre las reinas de la conducción hemos tenido a Rosa María Sardá, tan mítica que algunos crecimos pensando que era ella la única presentadora de las galas pese a haberlo hecho solo en tres ocasiones, o Eva Hache, que incapaz de aparcar su trabajo en la Sexta termina haciendo su propio show de humor al margen de la gala. Tan brillante Eva como brillante aquél Paco León de Raquel Revuelta poniendo el auditorio patas arriba con una presentación de premio memorable.

Para los estudiantes de cine o comunicación, los diferentes téasers editados para la ocasión a propósito de los guiones de las películas nominadas pueden ser un atractivo. Si bien algunos se revelan como auténticos truños de primero de carrera, en ocasiones están muy bien realizados y además tiran de los famosos más mediáticos y simpáticos que encuentran en la Academia.

Finalmente, si eres uno de esos románticos y fanáticos de los clásicos estilo Broadway o simplemente un melómano declarado, los guionistas de la gala siempre tienen algún regalo para ti aunque termine siendo envenenado para sus protagonistas. No se recuerda número musical que no haya sido duramente criticado y ridiculizado, sin embargo desde BFace queremos ser justos y defender a nuestros actores que se dejan las vergüenzas para crear un show televisivo que sirve de gran homenaje tanto para amantes del cine español como de la mítica Al Salir de Clase, pues es de las pocas ocasiones en que vemos a Lucía Jiménez con vida. Nunca falla:

[small_title title=»Rostros televisivos»]

Gente del cine, obvio, pero también de la música, de la tele, de la nada, Aída Nízar acompañando a Amenábar… de todo se ha visto en los Goya y se seguirá viendo mientras haya representantes que mueven bien sus hilos para que los personajes de mayor proyección mediática del momento aparezcan esa noche entregando premios, que no recibiéndolos. En dichas apariciones hay mucha promoción y en ocasiones mucho morbo; que en la pasada edición Loles León actuara y entregase estatuilla meses después de haber sido expulsada de TVE por su apoyo explícito a la huelga de los trabajadores internos no fue en absoluto fortuito.

Éste año apostamos fuerte porque Berta Vázquez suba a entregar algún cabezón y así quitarnos el mono de Vis a Vis pese a que Mario Casas haya declinado la invitación a la gala tras el pobre trato recibido en las nominaciones por Palmeras en la Nieve. Otra televisiva como Adriana Ugarte, a punto de estrenar la última de Almodóvar, será otro de los rostros que habrá colocado en el escenario su particular Toño Sanchís  representante. Estas apariciones suelen ser frescas y divertidas, pues no van acompañadas de nervios, y nos dejan ver a nuestras actrices de forma relajada, especialmente las ‘chicas Almodóvar’ de toda la vida, siempre ordinarias y divertidas. ¿Acaso imagináis a cualquiera de las nuevas generaciones haciéndose un Bibiana? Nuestro cine gana adeptos de la misma forma que pierde grandes mujeres espectáculo, es una realidad.

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[small_title title=»Los perdedores»]

Momento sublime para morbosos y una pantalla partida en cuatro para que a nadie se le escape la reacción de los perdedores. Memorables fueron la decepción del Niño Jesús Sánchez tras perder frente a Dani Rovira o la de Antonia San Juan ante la absoluta injusticia que dejaba a La Agrado sin premio el año que la actriz condujo la gala. Este año, si las apuestas siguen colocando a La Novia de favorita, veremos a Inma Cuesta pasear curvas sin retoques hacia el escenario mientras la foto fija de Juliette Binoche será la única que no muestre el gesto de una perdedora pero serena Penélope o de una Natalia de Molina sonriente y nerviosa.

No hay que venirse arriba; con la buena educación a la que nuestras estrellas nos tienen acostumbrados no se puede esperar un Gaga-DiCaprio a la española, seamos francos, pero por muy actor que uno sea, las emociones nacen del corazón y puede resultar tarea difícil la de aguantar un primer plano amable cuando no es tu nombre el del vencedor … hay esperanza.

[small_title title=»Momento dulzón»]

Para melancólicos y necrófilos, perfil tan de moda ahora que cada muerte de famoso nos parece un drama insuperable, el gran momento llega sin duda con el homenaje a las gentes del cine que han fallecido a lo largo del último año. A veces son tantos que casi se te escapa la cara del artista más querido de entre todos los fallecidos, pero tranquilos, que siempre ha habido clases y la realización de la gala no permitirá que nadie se quede sin honrar a Lina Morgan.SÍ

Con una gala así, con unos actores que cada vez fluyen más entre el cine y la televisión y con las polémicas que cada año persiguen a la celebración de la ceremonia, ¿quién dijo aburrimiento? El aburrimiento es un estado para necios y en la retransmisión de esta gala lo único que amenaza con matarnos a bostezos será la clásica cobardía de nuestra Academia a la hora de repartir premios. Olvídate de los Óscar o los Globos de Oro, aquí la especialidad es ignorar a las películas más taquilleras, menospreciar a los personajes cómicos (ya lo dijo Machi..) o no reconocer a las chicas más molonas nominadas al Goya revelación; aún no perdonamos haber dejado sin premio a La Juani de Verónica Echegui, por mucho que pongan la gala un sábado y terminemos viendo doble a Bayona cuando habla José Sacristán.

 

Los 16 estrenos clave para los premios Oscar del 2016

Comenzamos el 2016 haciendo un flashforward a los estrenos más importantes de cara a la próxima entrega de los premios Oscar que, como ya sabréis, presentará Chris Rock. Prácticamente todas las que coparán las ternas de nominados aún no han llegado a nuestro país, así que, muy atentos porque estas son las películas que no te puedes perder en los próximos meses si quieres hacer quiniela en los Oscars.


El hijo de Saúl

La ópera prima del húngaro László Nemes es la favorita indiscutible para llevarse el Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa. El film sigue a un judío húngaro en un campo de concentración nazi, que tiene como labor conducir a otros judíos a las cámaras de gas y luego recoger sus cuerpos. Una premisa muy dura para una película terrible. Gracias a la dirección de Nemes, El hijo de Saúl se acerca al Holocausto desde una óptica diferente e impactante. La película, que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, da tanto miedo por lo que muestra, como por lo que no nos enseña, lo que nos oculta en el fuera de campo. Estamos ante una obra visual y sonoramente impresionante.

Estreno en España: 15 de enero.


Anomalisa

La segunda película como director del brillante guionista Charlie Kauffman, es una comedia dramática rodada en stop-motion, co-dirigida con el animador Duke Johnson. Anomalisa se centra en la anodina vida de un motivador profesional, que un buen día se enamora de la voz de una chica, saliendo de su aletargamiento vital. Allí por dónde ha pasado, ha cosechado críticas excelentes, destacando la sensibilidad con la que está escrita y el humanismo que desprende. Kauffman, autor de guiones como Eternal Sunshine of Spotless Mind o Adaptation, se confirma así, como uno de los grandes autores estadounidenses del cine actual.

Estreno en España: 19 de febrero.


La juventud

Paolo Sorrentino regresa este año pisando fuerte con La juventud. Tras haber arrasado, entre otros, en los Premios de cine europeo con tres galardones a mejor película, mejor director y mejor actor (Michael Caine), se postula como una posible favorita para los Oscar 2016. Por el momento, esta película, que reflexiona sobre la madurez y la amistad, ha sido doblemente nominada en los Globos de Oro, antesala de los Oscar, en las categorías de “mejor actriz de reparto” (Jane Fonda) y “mejor canción”.

Estreno en España: 22 de enero.


Brooklyn

Un prometedor romance en el que todos los focos apuntan hacia su actriz protagonista. Saoirse Ronan suena como clara favorita en la próxima edición de los Oscar tras haber sido nominada a mejor actriz en los Globos de Oro, aún pendientes de resolución, en un papel en el que parece brillar con luz propia. La película narra la historia de Ellis Lacey, una joven emigrante irlandesa que, tras llegar a Nueva York, consigue encontrar el amor. Sin embargo, un importante suceso familiar hará que deba tomar importantes decisiones por sí misma. Brooklyn supone el regreso al cine para el director irlandés John Crowley, tras haber cogido las riendas de la segunda parte de True Detective.


Los odiosos ocho

En Estados Unidos se estrenó el día de Navidad para celebrar las fiestas con sangre y brutalidad en las Américas del final de la Guerra de Secesión. En España estamos esperando la octava película de Quentin Tarantino como agua de mayo. Maldad, violencia y el mejor Tarantino en estado puro con un reparto inolvidable que, según apuntas las primeras críticas, no tendrá ninguna absoluta piedad por sus víctimas. Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Jennifer Jason Leigh o Tim Roth protagonizan este espectáculo cinematográfico que estará nominado a varios Oscar y espero que se lleve alguno.

Estreno en España: 15 de enero.


La habitación

Triunfó en el Festival Internacional de Cine de Toronto, está nominada a los Globos de Oro y tiene pinta de que, su cruda y verídica historia, va a arrasar en los Oscar que se celebrarán este año. Este drama está basado en una novela de Emma Donogue sobre la historia de Ma, secuestrada a los 19 años, que protege a su hijo en una habitación hasta que considera la opción de huir y escapar al exterior. La crítica coincide en que Brie Larson debe llevarse todos los premios posibles por el papelón que hace como madre y protagonista. La disputa va a estar interesante de ver.

Estreno en España: 4 de marzo.


Steve Jobs

Michael Fessbender se mete en la piel de Steve Jobs, el responsable de que hoy en día el iPhone sea una extensión de nuestra mano. El largometraje cuenta la historia del genio en los tres lanzamientos más importantes de Apple: el Macintosh el NeXT computer y el primer iMac. Una película que no tiene nada que ver con la anterior que narraba la vida de Jobs y que, sin duda, tiene papeletas para triunfar en la próxima entrega de los Oscar, ya que cuenta con un gran reparto y dirección.

Estreno en España: 1 de enero.


Trumbo

Bryan Cranston -más conocido como Walter White en Breaking Bad- interpreta a Trumbo, el guionista mejor pagado de de Hollywood en los años 40. Sin embargo, la historia se trunca y el escritor es condenado a un año de cárcel por sus creencias políticas. El reparto formado por Cranston, Helen Mirren y Diane Lane hace que la película sea una clara candidata a los Oscar de 2016. Tendremos que esperar para poder verla en España y darle nuestro visto bueno, aunque tiene muy buena pinta.

Estreno en España: 4 de marzo.


La gran apuesta

Christian Bale, Ryan Gosling, Steve Carell y Brad Pitt. Cuatro pesos pesados lideran esta banda de criminales que, sin embargo, se ganarán toda nuestra simpatía al tener como objetivo a los grandes bancos, esos que nos llevaron a la enorme crisis financiera que todavía padecemos. Se trata de la primera pequeña incursión en el drama de Adam McKay, hasta ahora únicamente conocido por ‘Anchorman’ y su secuela y, de momento, ya se ha asegurado un puesto en la carrera hacia el Oscar con cuatro nominaciones a los Globos de Oro, incluida la de mejor película de comedia o musical, y siete nominaciones en los Critics Choice Awards. Una mordaz crítica a Wall Street que algunos ya han comparado con el mejor Martin Scorsese.

Estreno en España: 22 de enero.


Spotlight

Es de las pocas películas que aparece en todas las quinielas, seguramente porque reúne todos los requisitos para merecer un alud de premios. Es valiente (narra la investigación de los periodistas del Boston Globe que destapó los casos de pederastia en el seno de la Iglesia Católica en Massachussets), está basada en hechos reales y cuenta con un reparto impecable, que incluye a Mark Ruffalo, Michael Keaton y Rachel McAdams. Cuenta ya con el aval de la crítica de Los Ángeles, que la ha considerado la mejor película del año y fue segunda finalista en el festival de Toronto. Puede que no alcance el premio gordo, pero será sin duda una de las imprescindibles del 2016.

Estreno en España: 29 de enero.


Creed

El Spin off de rocky ha sorprendido positivamente en su estreno en EEUU (quién iba a esperar algo bueno de ello) y se ha subido al carro de los Oscar con la baza racial aún oculta bajo la manga. En cualquier caso, que salga una película de boxeo que promete ser digna sucesora de la mítica saga de Stallone siempre es una gran noticia.

Estreno en España: 29 de enero.


La verdad duele (Concussion)

Will Smith es protagonista, como siempre, de un drama basado en hechos reales sobre el síndrome post conmoción cerebral que afectó a numerosos exjugadores de la NFL. En principio parece complicado que consiga rascar alguna nominación, pues las categorías interpretativas (donde parece que Smith ha hecho un buen trabajo son las más reñidas en esta edición.

Estreno en España: 12 de febrero.


Joy

Tras colocar tres de sus películas de manera consecutiva en los Oscars (The Fighter, El lado bueno de las cosas y La gran estafa americana), el director David O. Russell vuelve a la carga y repite con Jennifer Lawrence, Bradley Cooper y Robert de Niro en una historia centrada en Joy Mangano, una joven madre soltera que se vuelve rica al inventar la fregona milagro, el producto más vendido de la teletienda. Junto al trío protagonista, destacan Virginia Madsen, Dianne Ladd, Édgar Ramírez, e Isabella Rossellini. ‘Joy’ podria convertirse en el gran rival a batir en la próxima edición de los Oscars en las categorías de mejor película, mejor dirección, actriz principal, actor y actriz de reparto, montaje y guión.

Estreno en España: 8 de enero.


Carol

Esperadísima película dirigida por el británico Todd Haynes, tras «I’m not there» y «Far from Heaven». Con un reparto de lujo con Cate Blanchett y Rooney Mara a la cabeza, el film es una adaptación de la novela de Patricia Highsmith, ambientada en el Nueva York de los años 50, y cuenta la historia de una joven dependienta de una tienda de Manhattan que sueña con una vida mejor. Un buen día conoce a Carol, una mujer elegante y sofisticada atrapada en un matrimonio infeliz. Inmediatamente surge entre ellas una conexión especial que irá haciéndose intensa y profunda, cambiando sus vidas para siempre. Haynes, Blanchett y Mara ya están en todas las quinielas como firmes candidatos a optar a una estatuilla dorada.

Estreno en España: 5 de febrero.


La chica danesa

Eddie Redmayne se pone en la piel de Einar Wegener, un artista de los años 20 que toma una apariencia femenina para posar en un cuadro pintado por su mujer pero que, de repente, siente una necesidad de adoptar esa identidad de manera indefinida para poder sentirse bien consigo mismo. Basado en hechos reales, Tom Hooper vuelve a dirigir a Redmayne tras ‘Les Miserables’ y la nominación al Oscar parece indudable; sin embargo, quien la ha visto elogía la interpretación de Vikander por encima de la suya como la mujer de Einar, Gerda.

Estreno en España: 15 de enero.


El renacido

Iñárritu aún no debe haberse recuperado de su reciente Oscar por ‘Birdman’ pero aquí está de nuevo y con una cinta que tiene aún mejor pinta que la anterior. En ‘El renacido’, DiCaprio es un hombre abandonado a su suerte por su expedición, quien le da por muerto tras ser atacado por un oso. Una vez recuperado de sus heridas, decide encontrar a sus compañeros para vengarse de la traición. Ni que decir cabe que todos estamos deseando que DiCaprio se haga con el Oscar en dos meses, ¿verdad?

Estreno en España: 5 de febrero.

Las 15 nominaciones al Oscar de Steven Spielberg

Este viernes llega a los cines españoles Bridge of Spies, la última película de Steven Spielberg, uno de los directores americanos más relevantes del último medio siglo. Esta historia sobre espías en el Berlín partido en dos de la Guerra Fría, puede valerla a Spielberg dos nuevas nominaciones al Oscar (como productor y como director). El cineasta suma hasta el momento 15 candidaturas a los premios de cine más famosos del mundo (8 como productor, 7 como director), de las cuales se han materializado 3 (una como productor y dos como director). Sus 7 nominaciones a mejor director lo convierten en el cuarto cineasta más nominado de todos los tiempos, tras William Wyler (12), Martin Scorsese y Billy Wilder (8), junto a Woody Allen, David Lean y Fred Zinnemann. Y es uno de los 4 directores en activo con 2 Oscars en su haber, junto a Oliver Stone, Ang Lee y Clint Eastwood. Aprovechamos el estreno de su última película para repasar los 10 films que le han reportado alguna nominación al Oscar a Steven Spielberg.

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10. Letters from Iwo Jima (Clint Eastwood, 2006): Nominación a la mejor película

La última gran película de Clint Eastwood (hasta la fecha), ocupa este décimo lugar, no por su calidad, superior a la de algunas de las siguientes obras, sino por haberle dado a Spielberg su única nominación al Oscar por una película que no dirigía él mismo. Aún así, el díptico de Iwo Jima del maestro Eastwood, guarda, sin duda alguna, relación con la filmografía de Spielberg. La forma en que Eastwood rueda el desembargo en Iwo Jima y los enfrentamientos entre japoneses y estadounidenses bebe directamente de Saving Private Ryan. Mientras que la aproximación que hace a las emociones de los soldados, conecta con el díptico televisivo producido por Spielberg para HBO Band of Brothers/The Pacific. Estamos ante una película muy bien construida, espectacular, cruda y realista.


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9. War Horse (2011): Nominación a la mejor película

Quizás de las 15 nominaciones al Oscar de Steven Spielberg, ésta sea la menos merecida. Si aún a día de hoy resulta incomprensible que no lograra ser nominado al Oscar al mejor director por Jaws, que War Horse, con claros problemas narrativos, fuera nominada a mejor película no deja de ser sorprendente. A nadie le cabe la menor duda de que con 5 nominadas en mejor película jamás se hubiera colado en la terna, War Horse es un film menor en la filmografía de un director gigantesco. La historia de un chaval que busca a su caballo a través de una Europa en guerra, brilla en el plano formal y desparrama en el narrativo. Una película olvidable.


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8. E.T. The Extra-Terrestrial (1982): Nominaciones a la mejor película y al mejor director

Si War Horse no es una película memorable, E.T. es una película para la eternidad. Estamos, posiblemente, ante uno de los films más relevantes para la cultura de masas de la historia. Incluso las personas que no han visto E.T. hacen referencias a la misma. Al igual que, por ejemplo, Forrest Gump, es una película más importante por su impacto sociocultural que por su relevancia artística. La historia de amistad entre un extraterrestre que quiere volver a su casa y un niño, no deja de ser una película hecha para el gran público, sin mayor intención que la de ofrecer un bonito relato profundamente humano. Spielberg lleva 40 años demostrando que se pueden hacer blockbusters que no tomen a los espectadores por estúpidos.


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7. Raiders of the Lost Ark (1981): Nominación al mejor director

George Lucas, padre de la gran saga cinematográfica de la industria americana (con permiso de A todo gas, claro), una tal Star Wars, dejó en manos de su amigo Steven otra saga millonaria y reverenciada: Indiana Jones. Los niños nacidos en los 80 crecimos idolatrando a un intrépido arqueólogo, un socarrón, a la par que erudito, héroe de acción. Nadie rueda como Spielberg una buena película de aventuras. En busca del arca perdida es una montaña rusa, frenética y divertidísima, que nunca da descanso. Un entretenimiento hecho con cariño y pasión. Indy vs. los nazis. Con el destino de la humanidad en juego.


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6. Lincoln (2012): Nominaciones a la mejor película y al mejor director

Pocos personajes de la breve historia de Estados Unidos levantan la pasión, respeto y admiración de Abraham Lincoln, el presidente bajo cuyo mandato se abolió la esclavitud y gobernó un país sumido en una Guerra Civil. Precisamente Lincoln reconstruye los debates, tanto constitucionales como políticos, que se produjeron antes de que el Congreso aprobara la enmienda que abolía la esclavitud, en el ocaso de la contienda bélica. Quizás por ello estemos ante una película pausada y reflexiva, incluso narrativamente farragosa. Lincoln es un film que pretende ser un documento histórico, una obra que genere un debate amplio sobre el sistema sociopolítico estadounidense. Consciente de que lo importante en Lincoln son las palabras de Tony Kushner, Spielberg se diluye en su propio relato, firmando una puesta en escena muy austera, para evitar que el espectador se distraiga. Funciona.


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5. Munich (2005): Nominación a la mejor película y al mejor director

Este thriller de espías narra el asesinato por parte de Israel de los terroristas que cometieron el atentado contra deportistas israelís en los JJOO de Munich 72. Estamos, desde luego, ante uno de los films más polémicos y complejos de la filmografía de Spielberg. Munich no es una película perfecta, pero sí es un thriller fascinante, moralmente escurridizo, y dónde las piezas van encajando, mientras el relato discurre a un gran ritmo. Porque no nos olvidemos que, además de ser un maestro de la puesta en escena, Spielberg es, ante todo, un gran narrador.


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4. Close Encounters of the Third Kind (1977): Nominación al mejor director

En el año 1977, George Lucas estrenó Star Wars. Episode IV y Steven Spielberg, Close Encounters of the Third Kind. A partir de ahí, el cine americano incorporaría, para siempre, el sci-fi como género industrial de masas. La generación de los Easy Riders/Raging Bulls, reventó Hollywood desde dentro en los 70, tanto a nivel artístico/autoral (Coppola, Scorsese…), cómo a nivel económico/industrial (Lucas, Spielberg). Más allá de por su relevancia histórica, Close Encounters of the Third Kind es un thriller sci-fi atípico y subyugante. Una película que sigue a un grupo de personas obsesionadas con desentrañar qué quieren unos extraterrestre que acaban de llegar a la Tierra. ¿Paz o guerra? ¿Invasión o amistad? Dirigido con maestría, este film está lleno de imágenes maravillosas, casi mágicas. Ésta fue la primera nominación al Oscar que consiguió el director nacido en Ohio.


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3. The Color Purple (1985): Nominación a la mejor película

Un hombre blanco, judío, millonario y poderoso, se atrevió a contar una historia muy agria sobre el racismo en Estados Unidos a principios del S.XX. El resultado fue una de las más crudas y dolorosas películas-río que ha rodado jamás Hollywood y una de las derrotas más humillantes en unos Oscars que se recuerdan. De sus 11 nominaciones, The Color Purple no logró materializar ni una. Si esto no fuera poco, el propio Spielberg ya no había sido nominado, previamente, a mejor director del año. El viaje de liberación de Celie (Whoopie Goldberg, en la interpretación de su vida) es un relato clásico rodado con la elegancia y la emoción del mejor David Lean. Visualmente preciosa y con un elenco en estado de gracia, es una película a la que la historia no ha tratado como se merece. Su gran pecado fue hablar del racismo, ya no sólo de blancos hacia negros, sino también de negros hacia negros, o más bien de racismo coaligado con machismo.


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2. Saving Private Ryan (1998): Oscar al mejor director, nominación a la mejor película

Aunque parezca desgastarse por ser dicho muchas veces, no deja de ser verdad lo siguiente: la secuencia inicial de Saving Private Ryan no es sólo lo mejor que ha rodado jamás Spielberg, sino que también es una de las mayores demostraciones técnicas que ha hecho un director en el último medio siglo. Ya sólo por ver cómo Spielberg rueda el Desembarco de Normandía, esta película merece la pena. Pero Saving Private Ryan va mucho más allá de esos minutos iniciales, es un retrato vibrante de la destrucción que trae consigo una guerra, de la camaradería y que reflexiona sobre la noción de héroe, definiéndolo como un hombre común, con valores morales y coraje, en una situación extraordinaria. Tom Hanks lidera una cuadrilla que intentará salvar a un soldado atrapado entre fuegos enemigos. Pero lo que logrará realmente es cautivar al espectador. El Spielberg autor y el Spielberg productor de Hollywood jamás estuvieron más (y mejor) fusionados en uno solo. La película recaudó más de 480 millones de dólares en todo el mundo y sólo cayó derrotada en los Oscar ante el inmenso poder de Harvey Weinstein, que logró la victoria de Shakespeare In Love en la categoría reina.


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1. Schindler’s List (1993): Oscar a la mejor película y Oscar al mejor director

Cuando Martin Scorsese y Steven Spielberg intercambiaron los proyectos de Schindler’s List y Cape Fear, el primero se quitó un gran peso de encima y el segundo puso en marcha la que aún a día de hoy es la película de su carrera, su gran obra maestra. Se ha dicho (millones de veces) que Schindler’s List es la película definitiva sobre el Holocausto. No creo que exista tal película. Una película no puede abarcar un hecho histórico tan descomunal en su horror. Películas como Shoa, The Pianist o Son of Saul, han venido a complementar el macro-relato audiovisual sobre el Holocausto. El cine aún sigue intentando aprehender esta monstruosidad, y la esta historia sobre un alemán que logró salvarle la vida a miles de judíos es una de las mayores contribuciones a la reconstrucción y reflexión histórica. El film, rodado en un solemne blanco y negro (que sólo se ve roto por un abrigo rojo), es una de esas obras que deja al espectador destrozado, indefenso ante las atrocidades de las que habla. También es una película elegante y respetuosa, que sólo muestra lo indispensable. Una obra profundamente humanista sobre el exterminio masivo de millones de humanos. Pocos Oscars más justos ha dado la Academia de Hollywood que los dos que hoy nos ocupan. Incuestionables.

Las 10 mejores interpretaciones de Penélope Cruz

Mañana se estrena en las salas de todo el país ma ma, el regreso del cineasta Julio Medem a la dirección y de la actriz Penélope Cruz al cine español. La película gira en torno a una mujer que lucha contra un feroz cáncer. Todas las críticas que se han conocido hasta el momento destacan el soberbio y poderoso trabajo de Cruz a pesar de lo irregular que resulta la propuesta en su conjunto. A continuación repasamos los diez mejores trabajos de una actriz que levanta en España pasiones desatadas y odios exacerbados. Como rezan numerosas críticas y noticias, he aquí la actriz española más internacional, la oscarizada Penélope Cruz.


2012_01_18_IMG_2012_01_18_153927_abrelosojos10. Abre los ojos (Alejandro Amenábar, 1997)

En la segunda película de Alejandro Amenábar, Penélope Cruz tuvo que interpretar a la némesis de una peligrosa e hipnótica Najwa Nimri. Frente a una fabulosa femme fatale tuvo que componer a una mujer dulce, agradable, honesta y sencilla. Aunque al espectador se le clave en la retina Nimri, Cruz consiguió hacer plausible que el protagonista (Eduardo Noriega) se enamore de ella frente al huracán que supone el personaje de su rival.


Elegy-2008-Ben-Kinsley-Penelope-Cruz-pic-39. Elegy (Isabel Coixet, 2008)

Cruz, convertida ya en una actriz de prestigio en Estados Unidos tras Volver, se entregó a Isabel Coixet en la amanerada Elegy. El film, que adapta una novela del prestigioso Philip Roth, cuenta la historia de amor y pasión entre un profesor maduro, Ben Kingsley y una alumna, Penélope Cruz. Lo que debería haber sido una obra pasional e intensa termina siendo una película fría, distante, con la que es imposible conectar. La actriz de Alcobendas hace lo que puede, pero no es capaz de derretir la gélida puesta en escena de una Coixet que comenzaba a ir a la deriva.


Captura de pantalla 2015-09-05 23.35.208. Belle Époque (Fernando Trueba, 1992)

La oscarizada película de Fernando Trueba fue uno de los primeros trabajos de Penélope Cruz en el cine. Una auténtica master class dónde compartió rodaje con actores veteranos del nivel de Fernando Fernán Gómez y Chus Lampreave (ambos ganaron el Goya por esta película) e intérpretes jóvenes con más experiencia que ella como Jorge Sanz, Gabino Diego o Maribel Verdú. Cruz interpreta a la cándida, enamoradiza e inocente hermana pequeña de Verdú, Díaz Aroca y Ariadna Gil (que la derrotó en los Goya, en su primera nominación, por Jamón, Jamón). Es un trabajo sencillo, incluso sutil, pero efectivo y medido al milímetro. Resulta graciosa, dulce y cálida.


maxresdefault7. Nine (Rob Marshall, 2009)

La última nominación al Oscar que ha conseguido hasta la fecha, la logró por interpretar a una de las amantes del Guido de Nine, la adaptación del musical de Broadway que a su vez era una adaptación del icónico film de Federico Fellini 8 y medio. Penélope Cruz demuestra en la película de Rob Marshall que baila mejor que canta y que puede llena de erotismo la pantalla. Es un papel más lucido que profundo y ella lo exprime al máximo.


Captura de pantalla 2015-09-07 21.37.086. Non ti muovere (Sergio Castellitto, 2004)

En un momento en que su carrera estaba estancada y sólo le ofrecían papeles en películas anglófonas de segunda división, Penélope Cruz decidió lanzarse a la aventura y rodar en Italia, en italiano e interpretando a una albanesa. La operación no le pudo salir mejor. Non ti muovere no es una gran película porque Sergio Castelliito es un director mediocre y un actor con mucho ego, pero ella fue capaz de trascender a la misma. Hablar de Non ti muovere es hablar de Penélope Cruz en uno de los papeles más valientes y desgarradores de su carrera. A partir de este film las cosas empezaron a ir mejor y sólo dos años después lograría su consagración con Volver. Su Italia te impacta. Con muy pocas palabras expresa muchos sentimientos, mucho dolor.


maria-elena-vicki-cristina-barcelona-2-6145. Vicky Cristina Barcelona (Woody Allen, 2008)

La incursión/excursión de Woody Allen en Barcelona le dio a Penélope Cruz su segunda nominación al Oscar y su, por ahora, único premio de la Academia. La pasional e irascible María Elena de Cruz es lo más memorable de una película polémica. Para nuestros ojos, la película es un circo lleno de tópicos. En cambio a los americanos les pareció fascinante. Lo cierto es que Penélope Cruz pocas veces ha estado tan magnética. Quizás sea un trabajo excesivo, pero también es muy poderoso.


2020576_l54. Los abrazos rotos (Pedro Almodóvar, 2009)

Desde hace bastante tiempo creo que tratamos injustamente a esta película. Los abrazos rotos no es un mal film, sí uno profundamente irregular y desequilibrado, pero no uno malo. Y Penélope Cruz está inmensa. Sólida y delicada a partes iguales. Se adueña de cada una de sus secuencias, pocas veces ha tenido una presencia más arrolladora. A mí su trabajo como la torturada Lena de esta historia de amor perverso me fascina. Perdió el Goya de mejor actriz protagonista frente a la emotiva Lola Dueñas de Yo, también.


001000da_medium3. Jamón, Jamón (Bigas Luna, 1992)

Penélope Cruz se estrenó en el cine por todo lo alto en el año 1992, a los órdenes de dos de los cineastas más influyentes del cine español de las últimas décadas, Fernando Trueba y Bigas Luna. De Belle Époque ya hemos hablado más arriba, ahora es el turno de entrar de lleno en ese universo con oler a sexo y ajo que construyó Luna en la soberbia Jamón, Jamón. Aquí Cruz demostró, por primera vez, que podía resultar salvajemente carnal como pocas actrices. Inocente y sexy. Ella, Javier Bardem y Jordi Mollà funcionaban a las mil maravillas desprendiendo una enorme química. Jamón, Jamón le dio, además, su primera nominación al Goya, que como ya dijimos perdió frente a su compañera en Belle Époque, Ariadna Gil. Comenzaba así una carrera inusual que la convertiría en la actriz más famosa del país.


548b45f0acf062. La niña de tus ojos (Fernando Trueba, 1998)

Si desde sus inicios en el año 1992, había demostrado desparpajo y carisma, en La niña de tus ojos explotó ambos dones como nunca jamás lo ha vuelto a hacer. En este film de Fernando Trueba sobre un grupo de españoles que ruedan una película en la Alemania nazi, Penélope Cruz es un torrente de energía que se apodera de la pantalla. Es increíble la vitalidad y la entrega con la que aborda a esta actriz en tiempos convulsos. No puedes apartar la mirada de esta niña de nuestros ojos. Con este film logró el primero de sus tres Goyas. En un futuro próximo está proyectado que Trueba ruede, con Cruz de protagonista, la segunda parte de esta película, cuto título será La reina de España.


Penelope-Cruz-Volver_TINIMA20120612_0082_51. Volver (Pedro Almodóvar, 2006)

Nunca Penélope Cruz ha estado mejor. Aún es joven y le quedan muchos papeles por delante, pero es posible que (la) Raimunda sea el papel de su vida. Es precioso contemplar, embobado y emocionado, lo que hace Cruz con esta mujer llena de fracturas, que va arrastrando por la vida traumas terribles, que sobrevive, a pesar de todo. Volver es el enésimo homenaje de Almodóvar a las mujeres como heroínas de la vida cotidiana. A esas madres, hermanas, hijas y amigas que se mantienen en pie, a pesar de que vengan mal dadas. Es una película emocionante, llena de diálogos geniales e interpretada con pasión y cariño. Cruz está perfecta de principio a fin. Se desenvuelve con soltura en el cóctel multigenérico de Almodóvar. Salta con precisión del thriller a la comedia para terminar explotando todo su talento en un drama familiar desgarrador. Es un personaje complejísimo que ella borda y convierte en icónico. Raimunda le dio su segundo Goya y su primera nominación al Oscar. La única que tiene, hasta la fecha, como actriz protagonista, en un año descomunal de actrices en el que se midió a las veteranas Meryl Streep, Judi Dench y Helen Mirren (que se impuso gracias a su Elizabeth II de The Queen) y a su coetánea Kate Winslet. Cinco interpretaciones para el recuerdo. La consagración de una actriz que lleva toda su carrera peleando contra los prejuicios.

Las 19 nominaciones al Oscar de Meryl Streep

Mañana se estrena en los cines españoles Ricki and the Flash, la nueva película de Meryl Streep, en la que interpreta a una vieja rockera que vuelve a casa para ayudar a su hija a superar una mala racha. La película, dirigida por Jonathan Demme y escrita por Diablo Cody, podría darle a Streep su veinteava nominación al Oscar, aunque quizás tenga que terminar conformándose con una nominación al Globo de Oro a mejor actriz de comedia o musical. A continuación repasamos las 19 películas por las que la mujer con más nominaciones al Oscar, ha sido reconocida por la Academia, ordenándolas de peor a mejor.

 

woods_a19. Into the woods (Rob Marshall, 2014)

De todas las nominaciones de Meryl Streep al Oscar, la última que consiguió, a principios de este año, me parece la más inmerecida. Su bruja de este musical dirigido por Rob Marshall, es un despropósito. Lo cual no es sólo culpa suya, el guion, la dirección y el maquillaje que tiene que padecer no ayudan. Pero además se agudiza en su interpretación una peligrosa tendencia hacia la desmesura y la sobreactuación que se puede observar en sus últimos papeles. Streep compone a una villana vulgar, una parodia, en el peor de los sentidos, de las brujas de los cuentos. No da con el tono en una película que durante su segunda hora camina totalmente desnortada. Perdió el Oscar a mejor actriz de reparto contra Patricia Arquette (Boyhood). Las otras nominadas fueron Laura Dern (Wild), Keira Knightly (The Imitation Game) y Emma Stone (Birdman).


maxresdefault18. The Iron Lady (Phyllida Lloyd, 2011)

Tuvieron que pasar 29 años, ni más ni menos, para que Meryl Streep consiguiera, por fin, su tercer Oscar. Una pena que tan ansiado premio lo lograra en uno de los años en que menos se lo merecía. En The Iron Lady, Meryl Streep imita a Margaret Thatcher, una de las personas más relevantes de la segunda mitad del S.XX. Y ese es el problema, que Streep se queda en la superficie, en la mera imitación de la persona, y no entra en la construcción de su personalidad, de sus ideas y emociones. No ayuda una dirección plana y un guion que hierra al darle más importancia al alzheimer y deterioro mental de Thatcher que a sus decisiones políticas. Streep se impuso en la categoría de mejor actriz protagonista a Viola Davis (The Help), Glenn Close (Albert Nobbs), Rooney Mara (Millenium) y Michelle Williams (My week with Marilyn).


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17. Postcards from the Edge (Mike Nichols, 1990)

El gran aliciente de Postcards from the Edge, por no decir el único, es tener la oportunidad de ver cara a cara a dos de las actrices americanas más importantes de todos los tiempos, Shirley MacLaine y Meryl Streep, haciendo de madre e hija. Dos actrices neuróticas y con problemas afectivos, adictas al alcohol, las drogas y sus egos. La película brilla en todas las secuencias que comparten ambas y en su retrato de Hollywood como nido de víboras. Pero se estrella en todo lo demás. Resulta bastante sorprendente que Nichols dirigiera una película tan mascada. Las relaciones materno-filiales han sido tratadas con mucho más acierto en cientos de ocasiones. Streep está bien pero MacLaine es mucha MacLaine. El Oscar de actriz protagonista lo ganó, aquel año, la escalofriante Kathy Bates de Misery, imponiéndose a Streep, Anjelica Huston (The Grifters), Julia Roberts (oh sí, Pretty Woman) y Joanne Woodward (Mr. And Mrs. Bridge).


Captura de pantalla 2015-08-20 20.43.0016. Music of the heart (Wes Craven, 1999)

Señora blanca de buen corazón ayuda a minorías y ayudándolas, se ayuda a sí misma. Esto es, en esencia, de lo que habla Music of the heart, la historia de una ex – violinista que pone en marcha un programa en el que cada año enseña a un grupo de niños del ghetto a tocar el violín. Típica película americana bienintencionada y sobrecargada de buenos sentimientos que nos viene a decir que la caridad debe cubrir el vacío que deja el Estado en campos tan importantes como la educación. Desde Europa chirría. Cada vez menos. Pero en Estados Unidos es una fotografía de su catastrófico sistema educativo público. La educación para los ricos o para los pobres si los ricos deciden darles su dinero. Meryl Streep brilla en una película en la que es la total protagonista y a la que dota de verosimilitud y pasión. No es un gran film, pero demuestra que Streep es una actriz comprometida. Este año en los Oscar, Hilary Swank (Boys don’t cry) derrotó, por primera vez, a Annette Bening (American Beauty) y completaron el quinteto de nominadas Janet McTeer (Tumbleweeds) y Julianne Moore (The End of the affair).


Captura de pantalla 2015-08-19 16.32.2515. Evil Angels (Fred Schepisi, 1988)

Son tantas las nominaciones al Oscar de Meryl Streep que los nacidos en los últimos 40 años casi podemos jugar a buscar cual fue la película por la que la actriz fue nominada el año en que nacimos. La mía es Evil Angels, que aunque su título promete una película de terror o un telefilme de Antena 3, es un drama sobre cómo un matrimonio, interpretado por Streep y Sam Neill, es perseguido y juzgado por toda Australia tras la desaparición de su bebé durante unas vacaciones. El caso Madeleine 20 años antes. Evil Angels es a la vez un drama familiar, un thriller judicial y una crítica a los mass media y a esa masa de personas que los sustenta. El problema es que la película se vuelve repetitiva a la media hora y que no acaba de ahondar en ninguna de sus vertientes. Meryl Streep hace un buen trabajo, pero tampoco destaca demasiado, sin acabar de hurgar en el dolor que debe sentir esa mujer que asegura que un dango (perro salvaje) le robó a su bebé. Aquel año la Academia cometió el enorme error histórico de no premiar a Glenn Close por Dangerous Liaisons, recayendo la victoria en Jodie Foster por la corriente The Accused. Las otras nominadas a mejor actriz protagonista fueron Sigourney Weaver por Gorillas in the mist y Melanie Griffith por Working Girl.


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14. August: Osage County (John Welles, 2013)

La actriz de New Jersey consiguió su penúltima nominación al Oscar gracias a su papel de matriarca enferma y manipuladora de August: Osage County. Este personaje construido a base de frases lapidarias, llantos y gritos, era toda una oportunidad de lucimiento. Sin embargo, Streep lo llevó tan al límite que en muchas ocasiones cayó, irremediablemente, en la sobreactuación. No ayudó tampoco que Julia Roberts y Julianne Nicholson, que interpretaban a sus hijas, estuvieran mejor que ella en los cara a cara y que sus secuencias individuales fueran más interesantes. El problema de Meryl Streep al trabajar con directores que carecen de autoridad es que nadie le pone límites y aunque a todos nos gusta hacer lo que queremos, puede resultar contraproducente. En el duelo que tuvo a lo largo de toda la campaña con Roberts por quién de las dos era la protagonista y con qué secuencia terminaba el film, Streep terminó perdiendo, aunque ella compitiera en los Oscar como actriz principal y Roberts como secundaria. Y perdió porque Roberts le gritó el ya icónico “Eat the fish, bitch”. La ganadora del Oscar fue Cate Blanchett por su mujer desesperada al borde del colapso mental de Blue Jasmine. También estuvieron nominadas Amy Adams (American Hustle), Sandra Bullock (Gravity) y Judi Dench (Philomena).


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13. Ironweed (Héctor Babenco, 1987)

La Gran Depresión fue la etapa más dura que atravesó Estados Unidos tras la Guerra de Secesión. Un país desangrado por la pobreza, la falta de trabajo y el sufrimiento de la mayoría de su población. Ironweed echa la mirada sobre aquellos oscuros años para contarnos la vida de dos alcohólicos que malviven, arrastrando sus vidas rotas de taberna en taberna. A esos dos alcohólicos, traumatizados por sus respectivos pasados y su terrible presente, les dan vida los dos actores con más nominaciones al Oscar de todos los tiempos, Meryl Streep y Jack Nicholson. Ellos, sobre todo ella, son lo mejor de la función. La película dura, incomprensiblemente, 150 minutos y carece de todo ritmo o nervio. Sin embargo Streep tiene un puñado de secuencias prodigiosas, dónde transmite toda esa miseria que carcome a su personaje. Además tiene un número musical precioso, que termina entre lágrimas. En aquella edición de los premios de la Academia ganó el Oscar a mejor actriz protagonista Cher, sí, esa Cher, por Moonstruck, derrotanto a Streep, Glenn Close (Fatal Attraction), Holy Hunter (Broadcast News) y Sally Kirkland (Anna).


out-of-africa12. Out of Africa (Sydney Pollack, 1985)

La terrateniente Karen Blixen es uno de los personajes más icónicos de la carrera de Meryl Streep, y la última vez en que estuvo nominada al Oscar por la película que venció en esa edición. Out of Africa es el paradigma de película clásica y grandilocuente hecha para arrasar en los Oscar. También es un film que se hace muy pesado, que resulta frío, que está muy bien hecho pero que tiene serios problemas narrativos. No es su mejor trabajo y sin embargo es uno de los grandes papeles de su carrera. No acaba de plasmar con toda la pasión necesaria los sentimientos de una mujer llena de contradicciones, aunque desde luego le aporta presencia y credibilidad al papel. Perdió el Oscar ante Geraldine Page (The Trip to Bountiful) en una edición en la que Whoopie Goldberg (The Color Purple) debió haberse convertido en la primera afroamericana en ganar el Oscar de actriz protagonista. Las otras nominadas fueron Jessica Lange (Sweet Dreams) y Anne Bancroft (Agnes of God).


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11. The French Lieutenant’s Woman (Karel Reisz, 1981)

Dos affairs por el precio de uno. Meryl Streep y Jeremy Irons encarnan a dos actores que viven un romance secreto, puesto que ambos tienen pareja, mientras ruedan un film en el que sus personajes tienen una complicada y escandalosa relación. La actriz logra que veamos a dos mujeres distintas y a la vez que seamos capaces de captar todo aquello en que se parecen. Es un trabajo muy rico en matices. Lo mejor de esta película es la película que tiene en su interior, mientras que las secuencias entre los dos actores no son tan buenas. El Oscar se lo llevó la actriz con más premios de la Academia, Katherine Hepburn, que logró así su cuarta estatuilla por On golden pond. Las otras nominadas fueron Diane Keaton (Reds), Marsha Mason (Only when I laugh) y Susan Sarandon (Atlantic City).


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10. Julie & Julia (Nora Ephron, 2009)

De las 19 nominaciones al Oscar de Streep, posiblemente ésta sea, junto a la de The Devils Wears Prada, la más cómica (la de Into the woods lo es, pero en el peor de los sentidos). En esta dramedia de Nora Ephron, Streep interpreta a Julia Child, una famosa cocinera americana, a la que varias generaciones de estadounidenses guardan un gran cariño. De hecho el film trenza una conexión entre Child y una mujer del presente, interpretada por Amy Adams, que reconstruye su vida mientras cocina las recetas del libro más famoso de Child y escribe un blog sobre ello (cuán 00 esta trama). Child tenía una forma muy particular de hablar, Streep clava su acento y sus gestos pero además dota al personaje de hondura. Es un trabajo precioso, aunque a ratos pueda parecer caricaturesco. Se nota que Streep lo hizo con amor. La actriz perdió en la categoría de protagonista contra Sandra Bullock (The Blind Side) y sus otras rivales fueron Helen Mirren (The Last Station) y las jóvenes Carey Mulligan (An Education) y Gabourey Sidibe (Precious).


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9. One true thing (Carl Franklin, 1998)

Esta película del televisivo Carl Franklin no tiene muy buena fama entre los cinéfilos. De hecho antes de verla varias personaS me dijeron que era “un telefilm”. Efectivamente la forma en que está narrada no es muy cinematográfica, sin embargo me pareció una lúcida y dolorosa reflexión sobre el matrimonio, la familia y todas las cosas a las que se renuncia por ellos. Esta mujer enferma de cáncer permitió a Streep recrear el cansancio y la frustración de una persona que se asoma al fin de su vida. Es una interpretación comedida, incluso dulce. Aunque estuvo nominada como actriz protagonista es, como en muchas ocasiones, secundaria. Sus secuencias con la auténtica protagonista, Renée Zellweger, que interpreta a su hija, son fabulosas y además tiene una secuencia desgarradora en la que le explica a su hija las principales y dolorosas decisiones que tomó en su vida. Perdió, en un año bastante flojo, frente a Gwyneth Paltrow (Shakespeare in love) y las otras nominadas fueron Cate Blanchett (Elizabeth), Fernanda Montenegro (Central do Brasil) y Emily Watson (Hilary and Jackie).


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8. Adaptation. (Spike Jonze, 2002)

Tanto este film, como su propio personaje, sacaron a Meryl Streep de su zona de confort. En una obra rotundamente de autor, en la que bailaban al unísono los talentos del guionista Charlie Kauffman y el director Spike Jonze, Streep se vio relegada a un segundo plano, apoyando junto al oscarizado Chris Cooper, a un Nicolas Cage desdoblado en dos gemelos. Adaptation. es uno de los filmes más estimulantes de la larguísima carrera de la actriz. Una rara avis en su filmografía. Lo cual nos permitió ver una nueva faceta de una intérprete que, a menudo, está por encima de las películas en las que trabaja. Streep no se arruga ante tamaño reto y coge a este personaje y lo exprime hasta quitarle la última gota de interés. En la ceremonia de aquel año, Catherine Zeta-Jones (Chicago) se impuso en la categoría de actriz de reparto a Streep, Queen Latifah (Chicago), Kathy Bates (About Schmidt) y la descomunal Julianne Moore de The Hours.


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7. The Devil Wears Prada (David Frankel, 2006)

Es curioso que tras una carrera tan larga y emblemática, este papel en una romcom como The Devil Wears Prada sea el más conocido de Streep hoy en día. Sobre todo por el empuje de una nueva generación de cinéfilos nacidos en los 90 y que vieron la película siendo adolescentes, convirtiéndola en una de las películas más mitificadas del cine americano mainstream de los últimos años. La trascendencia en la cultura popular de este papel es innegable. Meryl Streep construyó brillantemente una mala de frases lapidarias que es ya un icono. Hace dos semanas se estrenó Trainwreck de Judd Apatow y Amy Schumer, otra romcom con una villana, interpretada por Tilda Swinton, que bebe directamente tanto del personaje como de la propia interpretación de Streep, que retrató para todo el planeta a ese monstruo del mundo de la moda llamado Anna Wintour. La decisión de promocionar a Streep como protagonista, a pesar de ser secundaria, dado el impacto de su personaje en los espectadores, la llevó a la nominación, pero también a una derrota inevitable frente a la Helen Mirren de The Queen. Completaron uno de los mejores quintetos de actrices protagonistas de la historia, Penélope Cruz (Volver), Kate Winslet (Little Children) y Judi Dench (Notes on a scandal).


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6. Doubt (John Patrick Shanley, 2008)

Su manipuladora monja directora de un colegio de Doubt es, posiblemente, el último gran papel dramático de Meryl Streep. La intérprete tiene que moverse, con una sibilina desconfianza, en la delgada línea que separa la verdad de la mentira, la sospecha de la prueba, el rencor de la justicia. El trabajo de Streep se ve potenciado por el enorme casting que la acompaña: Phillip Seymour Hoffman como el posible culpable de abusar de un niño, Viola Davis como la madre angustiada del chaval y Amy Adams como la monja dulce, que ofrece el contraste perfecto al papel y a la actuación, gélida, impermeable, de la maestra Streep. Es un trabajo complejísimo el que aquí hace la actriz. El odio es una de las emociones humanas más poderosas. En un año fabuloso de actrices, logró su esperadísimo (y merecidísimo) primer Oscar Kate Winslet (The Reader), y estuvieron también nominadas Angelina Jolie (The Changelling), Melissa Leo (Frozen River) y Anne Hathaway (Rachel Getting Married).


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5. Silkwood (Mike Nichols, 1983)

A finales de este año Meryl Streep estrena, rodeada de un gran reparto de actrices británicas, Suffragette, drama histórico sobre la conquista del voto femenino en Gran Bretaña. Sin embargo, Streep ya tiene en su haber un fabuloso film de denuncia, Silkwood, en el que interpreta a una trabajadora de una central nuclear que se enfrenta a la misma por las deficientes medidas de seguridad y salubridad del lugar. Una clásica historia americana del ciudadano contra un sistema corrupto. Silkwood además de mostrar a una Meryl Streep llena de vida, en una interpretación desgarrada, supuso la primera colaboración entre la actriz y el director Mike Nichols, que volverían a repetir en Heartburn, Postcards from the edge y Angels in America, por la que la veterana intérprete ganó un Emmy. Streep perdió el Oscar frente a Shirley MacLaine (Terms of Endearment), que derrotó también a Debra Winger (Terms of Endearment), Jane Alexander (Testament) y Julie Walters (Educating Rita).


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4. The Deer Hunter (Michael Cimino, 1978)

La primera nominación al Oscar le llegó a una joven Meryl Streep gracias a un fantástico y sentido papel secundario en The Deer Hunter. Casi 40 años después, el film de Cimino sigue siendo una de las películas más importantes de su carrera. Por no decir la más importante (que no la mejor, que es, para mí, The Hours). The Deer Hunter es un film capital del cine americano de los 70, de esa generación de cineastas que reventó Hollywood desde dentro, y de ese trauma histórico que es la guerra de Vietnam para los norteamericanos. Meryl Streep aporta a un film tan duro, el lado más emocional. La conexión sentimental con nosotros, los espectadores, que no hemos vivido ese horror. Es un trabajo sutil, elegante e intenso. No podía estrenarse de mejor forma en los Oscar. El Oscar a mejor actriz de reparto lo consiguió Maggie Smith (California Suite), derrotando a Streep, Dyan Cannon (Heaven Can Wait), Penelope Milford (Coming Home) y Maureen Stapleton (Interiors).


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3. Kramer vs. Kramer (Robert Benton, 1979)

Al año siguiente de su primera nominación, Streep repitió en la categoría de actriz de reparto por Kramer vs. Kramer, que al igual que The Deer Hunter el año anterior, venció en la categoría de mejor película. No es fácil estar dos años consecutivos en la mejor película del año para la Academia. Esto dice mucho del instinto que tenía Streep para escoger proyectos al inicio de su carrera. Tras muchas décadas haciendo cine esa ambición artística ha sido sustituida por la elección de otro tipo de films, más modestos, y dónde casi siempre ella es la estrella del show. Volviendo a Kramer vs. Kramer, en este drama familiar/judicial interpreta a una madre que abandona a su hijo para, tiempo después luchar por recuperarlo. La labor de la actriz tiene un mérito enorme, porque logra que seamos capaces de comprender a esta mujer arrepentida, que quiere a su hijo a pesar de todos los errores cometidos. Y lo logra a pesar de que le relato nos posiciona claramente a favor del padre, interpretado por un soberbio Dustin Hoffman. Esta segunda nominación se tradujo en su primer Oscar y el único que ha logrado en la categoría de actriz de reparto, derrotando a su compañera Jane Alexander, así como a Barbara Barrie (Breaking Away), Candice Bergen (Starting Over) y Mariel Hemingay (Manhattan).


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2. Sophie’s Choice (Alan J. Pakula, 1982)

Pocas interpretaciones hay en la historia del cine más unánimemente alabadas que la que aquí firmó Meryl Streep. De hecho su Sophie, esa mujer destrozada por la decisión más terrible a la que se puede enfrentar un ser humano, es a las listas de mejores interpretaciones femeninas de la historia lo que Citizen Kane a las de mejores películas: indispensable. Todo ello tiene más mérito aún si tenemos en cuenta que Sophie’s Choice no es una gran película. De hecho es un film excesivamente largo e irregular. Si ha sobrevivido al paso del tiempo es gracias a la brutal interpretación de una Streep a la vez frágil e indestructible. No es una interpretación que marca una carrera, es una interpretación que marca una vida. Es el gran papel de una de las actrices más importantes y admiradas de la historia del cine. Meryl Streep ganó su segundo Oscar imponiéndose a Julie Andrews (Victor Victoria) y a tres de las mejores actrices de su generación: Jessica Lange (Frances), Sissy Spacek (Missing) y Debra Winger (An Officer and a Gentleman).


The-Bridges-of-Madison-County-bridges-of-madison-county-22687821-600-3371. The Bridges of Madison County (Clint Eastwood, 1995)

Tras todo lo que acabo de decir sobre Sophie’s Choice podría parecer contradictorio que mi interpretación favorita de Meryl Streep sea su Francesca Johnson. Sin embargo, creo que no lo es. En Sophie’s Choice firma una de las mayores exhibiciones interpretativas que yo jamás he visto. Pero en The Bridges of Madison County hizo algo que aunque pueda resultar menos relevante es más poderoso, me destrozó el corazón. Jamás Meryl Streep ha encarnado mejor los sentimientos de su personaje hasta diluirse completamente. Hasta desaparecer. La historia de amor imposible entre una ama de casa de vida anodina y un fotógrafo que pone su vida patas arriba es una de las historias que más me han emocionado en mi vida. El ramillete de emociones que despliega Streep es impresionante. Es un trabajo sutil, medido y sobre todo sentido. Y una de las cosas más maravillosas del cine como arte y como entretenimiento es su infinita capacidad de emocionar. Nunca Meryl Streep me ha emocionado tanto como en aquel condado de Iowa. Aquel año ganó el Oscar Susan Sarandon por Dead Man Walking y el quinteto de nominadas fue uno de los mejores que recuerdo: Sarandon, Streep, Elisabeth Shue (Leaving Las Vegas), Sharon Stone (Casino) y Emma Thompson (Sense & Sensibility).

#PrayForDiCaprio: 10 actores que podrí­an quitarle el Oscar en 2016

Que acabemos de entregar los Oscars de este año y ya estemos pensando en los del que viene sólo tiene una explicación con nombre propio: Leonardo DiCaprio. El perdedor más querido por el público (con permiso de la tropa ‘Glee’) suena para el 2016 con fuerza gracias a ‘The revenant’, regreso tras las cámaras del recientemente galardonado Alejandro G. Iñárritu, en la que interpretará a un cazador que es abandonado por sus compañeros tras ser atacado por un oso y que, cuando logra sobrevivir, prepara una venganza contra ellos. Además de este proyecto, tiene otros dos en cartera: ‘Mean business on North Ganson Street’, de la que sólo se sabe que le acompañará Jamie Foxx, y ‘The crowded room’, en la que interpretará a un asesino y violador que en los 70 fue diagnosticado de personalidad múltiple. Y, con todo, ¿por qué tenemos la extraña certeza de que volverá a irse a casa sin la dorada estatuilla?

Y es que, el año en que DiCaprio podrí­a dar, por fin, un golpe en la mesa, también es el año en el que su categorí­a, la de mejor protagonista, se convierte en una avalancha de actores con papeles bombón. Atención, estos son los 10 más potentes:


Michael Fassbender

fassyTras ser incomprensiblemente olvidado por ‘Shame’ y recibir su primera nominación por ‘Doce años de esclavitud’, Michael Fassbender se posiciona este año como uno de los favoritos a ser nominado en la categorí­a gracias a ‘Macbeth‘, revisión del clásico que prepara Kenneth Branagh (‘Cenicienta’), y en la que le acompañará Marion Cotillard (izq.); y ‘Steve Jobs‘, nuevo biopic del fundador de Apple, escrito por Aaron Sorkin y dirigido por Danny Boyle (‘Trash’, ‘Slumdog millionaire’) (dcha.)

– Reacción de DiCaprio al respecto:

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Jake Gyllenhaal

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Nuestro gran amigo Jake se ha querido asegurar (al menos) la nominación este año con una nueva transformación de las que tanto gustan en Hollywood: en ‘Southpaw‘, se pone a las órdenes de Antonie Fuqua (‘Training day’) en la historia de un boxeador que lucha por el éxito mientras su vida se hace añicos a su alrededor (izq.). También con posibilidad de nominación, y en un registro completamente distinto, Gyllenhaal protagoniza la nueva pelí­cula de Jean-MarcVallée (‘Wild’, ‘Dallas Buyers Club’), ‘Demolition‘ en la que un hombre de negocios llora la muerte de su esposa y acaba siendo rescatado por una mujer con la que se encuentra de forma casual (dcha.).

– Reacción de DiCaprio al respecto: 

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Joseph Gordon-Levitt

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Tras la fallida ‘Don Jon’, Gordon-Levitt se ha puesto serio y ha sacado la artillerí­a pesada para el año que viene con dos biopics muy potentes: por un lado, ‘Snowden‘ (izq.), con Oliver Stone (‘Salvajes’) tras las cámaras, contará la historia de un empleado de la CIA que filtró miles de documentos clasificados a la prensa; y, por otro, ‘The walk‘, dirigida por Robert Zemeckis (‘El vuelo’), sobre el intento del funambulista Philippe Petit de cruzar la distancia de una Torre Gemela a otra en 1974 (-tráiler-).

– Reacción de DiCaprio al respecto:

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Eddie Redmayne y Matthew McConaughey

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Los reyes reclaman su trono. Redmayne, que ha ganado este año, y McConaughey, que lo ganó el anterior, regresarán con fuerza en la carrera por los premios del año que viene. El primero estrenará ‘The danish girl’, su reencuentro con el director de ‘Les miserables’, Tom Hooper, en la que interpretará a Einar Wegener, un artista que sintió la necesidad de cambiarse de sexo en los años 20. El segundo, en ‘The sea of trees’, se pone a las ordenes de Gus Van Sant (‘Mi nombre es Harvey Milk’) para dar vida a Arthur, un hombre que decide viajar a un bosque de Japón para suicidarse. Con la estatuilla de ambos tan reciente, es raro que vuelvan a alzarse con ella pero…

– Reacción de DiCaprio al respecto:

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Tom Hanks

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En 2013, rozó el palo con dos apuestas muy fuertes, ‘Saving Mr. Banks’ y ‘Capitán Phillips’; este año, Tom Hanks va a por todas. Con la ayuda de su gran amigo Spielberg (ojalá todos pudiéramos decir eso), intentará hacerse un hueco en la terna de protagonistas con ‘Bridge of spies‘, un thriller en el que interpretará a un abogado al que la CIA pide ayuda para rescatar a un piloto retenido por la Unión Soviética durante la Guerra Frí­a. Además, prepara otras dos pelí­culas con aroma a premios: ‘A hologram for the King‘, en la que será un hombre de negocios que intenta vender una idea a un jeque arabe, e ‘Ithaca‘, un drama sobre la segunda guerra mundial basado en una novela ganadora de un Pulitzer.

– Reacciones de DiCaprio al respecto:

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Ben Foster y Bradley Cooper

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Uno que se estrenarí­a y otro multinominado. El primero, Ben Foster (izq.), reúne muchas papeletas para estar nominado a todo por ‘Icon‘, en la que interpretará a Lance Armstrong en pleno conflicto por sus posibles dopajes en el Tour de Francia. El segundo, Bradley Cooper (dcha.), quien protagoniza la nueva pelí­cula de Cameron Crowe (‘Un lugar para soñar’), ‘Aloha‘, sobre un contratista de Defensa que regresa a Hawai para supervisar el lanzamiento de un satelite y acaba formando un triángulo amoroso con su ex novia (Rachel McAdams) y una joven piloto (Emma Stone). ¿Nueva nominación a la vista? (-tráiler-).

– Reacción de DiCaprio al respecto:

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Bryan Cranston y Don Cheadle

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¿Heisenberg en los Oscars? Sí­, amigos. El genialérrimo Bryan Cranston también tiene unas cuantas papeletas para ser nominado por su papel en ‘Trumbo‘, basada en la historia real de Dalton Trumbo, un exitoso guionista de Hollywood que vio como su carrera se desmoronaba cuando fue acusado de ser comunista en los 40. Y si pensabais que 2016 iba a estar exento de musicales, estabais muy equivocados: Don Cheadle dará vida en ‘Miles Ahead‘ a Miles Davis, un biopic sobre la vida y música del trompetista y compositor, que dirige el propio actor.

– Reacción de DiCaprio al respecto:

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Como podéis comprobar, lo de DiCaprio está más que complicado porque, además de estos diez estupendos actores, también estrenan proyecto Michael Caine, Michael Keaton, Joaquin Phoenix, Robert Redford, Brad Pitt, Michael Shannon y un larguí­simo etcétera. ¿Que nosotros preferirí­amos a DiCaprio? Pues sí­ pero, con ‘The revenant’ vemos pocas posibilidades. Quizás con ese ansiado proyecto del que hemos hablado antes en el que interpretará más de 20 personalidades, ‘The crowded room’, podamos llegar a ver esto…

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Crí­tica: American sniper

Desde que Clint Eastwood debutara como director en 1971 con Escalofrí­o en la noche, la opinión generalizada es que «es mejor director que actor». Se ha atrevido con distintos géneros, pero primero con El jinete pálido (1985), y poco después con Sin Perdón (1992), Eastwood revitalizarí­an un género que muchos veí­an agotado. Además, con Sin Perdón, un western crepuscular considerado el último clásico del género, logró sus primeros Oscars a la Mejor Pelí­cula y a la Mejor Dirección. Considerado el último director clásico en activo, con Sin Perdón se abrió un perí­odo de madurez artí­stica en el que se ha aproximado, con éxito, a distintos géneros.

El género bélico no le es extraño (en 2006 dirigió Banderas de Nuestros Padres y Cartas desde Iwo Jima), y vuelve a él para adaptar las novela autobiográfica de Chris Kyle, apodado La Leyenda por ser el francotirador más letal del ejército norteamericano. Y sobre este punto hay que insistir: Kyle, que pasó de querer ser un cowboy en su Texas natal a formar parte de los SEAL tras los atentados de septiembre del 2001, hace suyo el discurso imperante en aquel momento: «ellos malos, nosotros buenos».

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Un discurso más patriotero que patriótico, pero que caló y movilizó a muchos jóvenes. Kyle, como personaje, presenta dos rasgos caracterí­sticos fundamentales: el primer lugar, la aceptación del mensaje oficial como propio, sin discusión; en segundo lugar, la adicción que el combate le genera. Este es, además, fruto del primero: ¿cómo se puede volver a casa y llevar una vida plena cuando hay compañeros luchando en Irak? El resultado de esto es un personaje plano, que acata y obedece, y tan obcecado que no logra conectar con su familia. No es una máquina de matar (¡í‰l es de los buenos!), y todas sus acciones están provocadas por compañerismo, o al menos así­ lo ve él. Pero cuando creemos que estamos ante un mero ejercicio propagandí­stico, sólo son necesarios dos breves diálogos con otros tantos personajes, para darnos cuenta que, aun siendo una pelí­cula por momentos muy complaciente, lo que estamos viendo es la casi nula capacidad del protagonista para cuestionar sus propias acciones.

En ‘American sniper’, Bradley Cooper logra una interpretación muy sólida, aportando matices al personaje y logrando retratar una dualidad clara: la decisión y fuerza del militar, la duda y estancamiento emocional del civil. Mucho más relajado que en las pelí­culas de David O’Russell, por las que también ha optado al Oscar, Cooper aporta al personaje tanto la fragilidad como la firmeza que requiere. Y aunque Cooper es el protagonista absoluto, el resto del reparto hace un buen trabajo, destacando a Sienna Miller, en el papel de esposa.

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En cuanto a Eastwood, sigue siendo fiel a su forma de filmar: economiza en recursos y da el protagonismo a los actores. Hay algo de rudimentario en la pelí­cula cuando esta se desarrolla «en casa», siendo mucho más trabajadas las escenas de guerra (Spoiler: la tormenta de arena, hacia el final de la pelí­cula, resulta maravillosa y consigue transmitir la tensión y el agobio de los soldados acorralados). Pero tratándose de un director como Eastwood, no podemos dejar de ver la intención en este tratamiento: a Kyle, su vida en casa, cada vez que regresa del frente, le parece plana y anodina, mientras que en el combate Kyle parece crecer fí­sica y mentalmente, y eso es lo que nos transmite Eastwood. Lo consigue con un soberbio Cooper, y con un montaje, fotografí­a y sonido muy trabajados. Misión cumplida, Clint.

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Qué esperar de los Oscars 2015 (de la A a la Z)

Este próximo domingo se entregan en Los Angeles los premios Oscars de la Academia de Hollywood en una ceremonia que llega ya a su 87 edición y que será conducida por primera vez por el actor Neil Patrick Harris.

Sin claros favoritos en la mayorí­a de las categorí­as y pocas celebrities de renombre entre los nominados que aseguren un espectáculo televisivo actractivo, la gala de este año esconde muchas incógnitas que ni siquiera la maratón de galardones de estos meses ha conseguido despejar.

Pero si en el apartado de posibles vencedores la cosa no está clara, tampoco lo es intuir cómo se desarrollará el show: ¿brillará como host el actor de ‘Cómo conocí­ a vuestra madre’ o se quedará a medio camino de lo que suele hacer en los Tony o los Emmy? ¿las actuaciones musicales serán soporí­feras? ¿valdrá la pena trasnochar para saber, en riguroso directo, qué pelí­cula se alza con la estatuilla dorada? Si os estáis haciendo esas u otras preguntas similares, hoy os ayudamos a eliminar las dudas con unos cuantos datos, tirando de alfabeto, sobre qué esperar de la próxima ceremonia de los Oscars y no caer en lamentaciones llegado el momento.

Actuaciones musicales: no habrá tiempo para cabezaditas ni pestañeos. Tegan y Sara, Rita Ora, Adam Levine, Lady Gaga y John Legend estarán in da house y ya han confirmado su actuación. Everything is Awesome!

Británicos: ¡invasión inglesa! El clan de los de ‘La Teorí­a del todo’ y el de los de ‘The Imitation Game’ ocuparán buena parte de la platea. Menos acompañada pero menos perdida, Rosamund Pike también tendrá su butaquita reservada.

Chulaz@s: este apartado lo salvan (thanks, God!) Bradley Cooper, Benedict Cumberbatch, Channing Tatum, Chris Evans, Jared Leto, Scarlett Johansson, JLo y Marion Cotillard (Dieu merci!).

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Directores: Richard Linklater y Alejandro González-Iñárritu mantienen el pulso en este apartado

Entretenimiento: la combinación entre las actuaciones musicales y la fe depositada en el presentador podrí­an ser el cóctel perfecto para asegurar la diversión.

Fanatismo: componente indispensable para seguir la gala con intensidad, deberá correr a cargo de cada espectador.

Glamour: no será el protagonista de la noche por la ausencia de figuras hollywoodienses de primera lí­nea

Heidi Klum: la modelo y presentadora alemana no se pierde un sarao y tampoco este evento. Su presencia no tiene ninguna relevancia y nos da bastante igual, pero es un clásico intrí­nseco a esta cita anual.

In memoriam: en el momento más emotivo de la noche, se rendirá homenaje a los fallecidos durante el año pasado, entre los que se encuentran Robin Williams, Lauren Bacall o Bob Hoskins.

Julianne Moore: si hay un Oscar seguro, ese es el suyo

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Kit de regalo: los nominados y presentadores recibirán una bolsa de regalo valorada en 125.000 dólares y que contiene, entre otras cosas, sales de mar francesas, un vaporizador, la visita a una vidente o un vibrador. ¡Habrá que fijarse bien en sus caras para saber si ya han estrenado algo!

Leticia Dolera: aliciente extra para los espectadores españoles. La actriz conducirá el programa especial de Canal +

Meryl Streep: defiende su 19 nominación y como dijo el personaje de Penélope Cruz en ‘Volver’ «¡aquí­ huele a pedo!».

Neil Patrick Harris: se estrena como presentador en los Oscars. Su sello personal como maestro de ceremonias son los números musicales. ¿Nos regalará alguno el domingo? Si hacemos caso a su cuenta de Twitter, todo parece indicar que sí­.

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Olvidados: no veremos a Jennifer Aniston, Jake Gyllenhaal o David Fincher

Pelirrojos: si Julianne Moore y Eddie Redmayne ganan en sus categorí­as, el color pelirrojo y los caobas podrí­an convertirse en tendencia en las peluquerí­as

maQuillaje: tras el caso Uma Thurman, el maquillaje será un nuevo elemento que tendremos que tener en cuenta antes de escribir tuits envenenados hacia las actrices y sus cirujanos plásticos.

Relatos Salvajes: la representante argentina a la mejor pelí­cula de habla no inglesa cuenta con producción española, así­ que sentiremos su triunfo como algo un poco español en caso de que consiga imponerse a sus rivales.

Sorpresas: que no sepamos por dónde van a ir los tiros abre el camino a los chascos y las alegrí­as imprevistas.

Twitter: la gala no solo se vivirá por televisión. Para enterarnos de todo, las cuentas de Twitter de la Academia y de los actores nominados e invitados serán indispensables de seguir.

El Gran Hotel BUdapest: en los Globos de Oro se proclamó Mejor Pelí­cula en la categorí­a de comedia. ¿Y si el film de Wes Anderson pega la campanada en los Oscars y repite triunfo?

Vestidos: gracias al pre-show de la ABC podremos ver con todo lujo de detalles los atuendos de las celebs y elaborar nuestras propias listas de los mejor y peor vestidos.

Witherspoon: la ‘rubia muy legal’ tiene pocas probabilidades de darle un nuevo hermanito al Oscar que ya tiene en casa, pero merece una mención especial porque,… ¿acaso no es una debilidad?

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BotoX: la alfombra roja será un buen medidor para comprobar cómo avanzan las capacidades de expresión facial de nuestros actores y actrices.

Eddie RedmaYne: el pecoso londinense podrí­a dejar sentado a Michael Keaton y llevarse el galardón a casa. Nos parecerá bien siempre y cuando no vuelva a hablarnos de su boda y de su inexistente luna de miel en su speech.

ZzzZZzz: el sueño será el protagonista secundario y principal rival a batir durante la madrugada. ¡Una cafetera bien cargada siempre será buena ayuda!

Los mejores vestidos de los Oscar

Los premios Oscar son los más antiguos de los medios de comunicación. Los más glamourosos, los más importantes de la industria cinematográfica y los que más celebrities acaparan por metro cuadrado. La historia de estos premios da para mucho, sobre todo, da para muchas alfombras rojas. Las actrices han lucido siempre sus mejores galas, haciéndonos soñar a todos con esos vestidos que todas querrí­amos llevar pero que sólo ellas pueden lucir. Hacemos las maletas, preparamos los tacones, volamos a Hollywood. ¡Qué empiece la fiesta!

 

84th Annual Academy Awards - Arrivals

Gwyneth Paltrow, en un impecable diseño blanco de Tom Ford es un ejemplo de vini, vidi, vinci. Una auténtica oda al minimalismo que le hizo valedora del premio a la mejor vestida. El diseño que muchas han querido llevar, que otras tantas han querido copiar y que sólo ha lucido la actriz que mejor pronuncia «Talavera».

 

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Julia Roberts ganó el Oscar en 2000 por encarnar a Erin Brockovich. Y se llevó la ovación de los crí­ticos por este diseño en blanco y negro, con detalle en la espalda, de Valentino y su enigmática sonrisa: una auténtica Pretty Woman.

audreyEl icono por antonomasia del estilo: Audrey Hepburn ganaba su único Oscar en 1954 por la célebre Vacaciones en Roma y acudí­a a los premios vestida por un vestido de encaje, de estilo lady, en color blanco marfil. Una auténtica princesa, que quizás hací­a un guiño a la protagonista que se enamoraba en las calles de la Ciudad Eterna. ¿El diseñador? Su gran amigo Hubert de Givenchy.

zoe

Hay muchos que opinan que no es el vestido más bonito. Pero el diseño que lucí­a Natalia Vodianova en la semana de la Alta Costura brilla sobre la tez morena de Zoe Saldana. Riccardo Tisci –director creativo de Givenchy– firma este diseño en diferentes tonos de morado, simulando que se ha caí­do una flor sobre la alfombra roja. La primavera llegaba en pleno febrero de 2010.

lupita

Lupita Nyong’o fue la estrella que más brilló en el 2014. Si las estrellas son blancas, Hollywood tiñó una en azul celeste gracias a Prada, creando magia sobre la alfombra roja. Y por supuesto, el í“scar fue para ella.

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