Crí­tica | El Gran Hotel Budapest

–Oh, my God! I wrote a hit play!–

Así­ gritaba Max Fisher en «˜Rushmore’ (1998), el camino natural que su director, Wes Anderson, seguirí­a en su IMDb. Ese adolescente perdedor, sabelotodo, ambicioso, obsesionado con el triunfo, presidente de todos los clubs existentes y no-existentes en el high school americano. Un fracasado habitual acostumbrado a perder frente al adversario, dentro de una realidad paralela inventada llena de éxito. Imaginación, mucha imaginación. ¿Pero qué pasa si esa realidad inventada se convierte en la realidad auténtica? Ya no es Max Fisher. Por eso, Max Fisher es Wes Anderson. Y esa realidad inventada ya es un hecho.

En la Europa de entreguerras de mediados del siglo XX, se encuentra «˜El Gran Hotel Budapest’, dentro de una república inventada en la que la obsesión por los hoteles caros, la rebeldí­a de la clase rica incomprendida y aburrida, las familias desestructuradas, los amores complicados y las persecuciones con la velocidad del stop-motion siguen siendo el principal atractivo de un cine que habla en el idioma del cine mudo, un cine exagerado en toda su forma, obsesionado por la parodia de la parodia. «˜El Gran Hotel Budapest’ de Wes Anderson es una matrioska de Wes Anderson. Una muñeca rusa repetitiva, cansada de sí­ misma y de todo su repertorio de gags. En este nuevo universo atemporal existen orgasmos en forma de anacronismos visuales –y conceptuales– como los de la «˜Marí­a Antonieta’ (2006) de Sofia Coppola o los de «˜El Gran Gatsby’ (2013) de Luhrmann. Pelí­culas que pecan de ser productos supuestamente innovadores cayendo, tristemente, en el lado contrario.

Nada se presenta como nuevo en una fuga paródica de una cárcel, como si la muñeca rusa de «˜El Gran Hotel Budapest’ fuese un remake de «˜Chicken Run’ (2000), que ya fue un remake encubierto de «˜La Gran Evasión’ (1963), que Wes Anderson ya homenajeó con la maravillosa «˜Fantástico Mr. Fox’ (2006). Su última pelí­cula resulta una muñeca rusa atractiva, pero defectuosa.

Tilda Swinton Wes Anderson

La paradoja del asunto es que el público general no caí­a en las redes de esas primeras pelí­culas totalmente innovadoras y cargadas de originalidad de Wes Anderson. En cambio, con un reciclaje más que evidente de aquellas, el bueno de Wes ha pasado de ser un punto negro de crí­tica a llenar salas de cine de todo el mundo. Con «˜El Gran Hotel Budapest’ se ha superado el récord de mejor estreno con menos copias –solo 4 pantallas– en todo los USA. ¿Pero cuándo se pasó Wes Anderson al mainstream? Con «˜Fantástico Mr. Fox’ ya se dejaba entrever el camino a seguir con sus diseños de juguetes para el Happy Meal de McDonald’s. Pero cuidado, esto no es sinónimo de algo terrible. Hacer negocio de tu excesiva creatividad no es malo si consigues no traspasar la barrera del abismo. Pero pasar de contentar a cuatro gatos indies a un público globalizado siempre resultará bastante más goloso. Sí­, «˜El Gran Hotel Budapest’ es el mismo cine exagerado de siempre, al cual recurren los más devotos del director texano, pero ahí­ el problema. Lo mismo de siempre. Con su última pelí­cula, Wes Anderson pinta una caricatura de sí­ mismo, una caricatura de su yo menos conocido y, por supuesto, menos alabado. Salvemos a Wes cuanto antes de las garras del mainstream, por favor.

Spain in consideration: ¿cómo llamar la atención de Hollywood?

España y la Academia de Hollywood, la Academia de Hollywood y España, el cuento de nunca acabar. Si somos el tercer paí­s del mundo en colar más pelí­culas en toda la historia de los Oscar, sólo por detrás de Francia e Italia, ¿por qué no remontamos desde 2005 con la nominación y victoria del Mar Adentro de Aménabar? ¿Se está haciendo algo mal? ¿El qué? ¿Alguien lo sabe? ¿Son los académicos de Hollywood una ciencia exacta? Preguntas sin respuesta directa. Ay, los académicos, cuánto sufrimiento. ¿Tienen ellos la culpa? Sí­ y no. Tanto, igual o más que los académicos de –cuidado– la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Ahí­ queda eso. Perdono, pero no olvido. La misma Academia que en 2003 eligió a Los Lunes al Sol de Aranoa –un drama demasiado patrio, bueno, pero demasiado patrio– por delante de la que hubiese sido ganadora absoluta del año, Hable con ella de Almodóvar. No lo digo yo, lo dice el bofetón de Hollywood a España nominando por primera vez en la historia a un español como Mejor Director y ganando Mejor Guión. Algo muy, muy, pero que muy poco habitual. O el descalabro del año pasado con 15 años y un dí­a de Querejeta contra el Caní­bal de Martí­n Cuenca, fresca después de pasar con éxito por el festival de Toronto. Entonces, ¿cuáles son las claves para gustar al académico medio de Hollywood? ¿Quién es ese académico medio? ¿Beyoncé? ¿Lena Dunham? ¿Leslie Nielsen? Aquí­ tenemos a Tina Sainz. Tina, por favor, hazme caso este año. Vota lo más exportable al extranjero y deja a un lado las cuentas pendientes.

Ya sé que todo es votación, Sr. González Macho, hasta ahí­ llego, pero por desgana, indiferencia o favoritismo previo da la casualidad que el 80% de las veces volvemos al mismo punto y terminamos igual que cuando votábamos al delegado de clase y siempre salí­a la lista o la amiga de la mayorí­a. Por una vez, que salga la rara. Por una vez. La respuesta, el miércoles 10 de septiembre.

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1. 10.000 Km

10.000 Km oscars

¿POR QUí‰? Aunque pueda recordar a otro hit indie como Like Crazy (2011), 10.000 Km vuela sola. El amor en los tiempos de Skype, protagonistas con fuerza, innovadora y desgarradora. Y por ser, de momento, la única que entiende que para entrar en el juego hay que jugar. Porque con buenas pelí­culas y muchas ganas existe el cine español como industria. El hashtag de #10000KmForYourConsideration causa furor en Twitter, así­ que si te gustó –y sino háztelo mirar– corre y comparte en tu timeline lo que sentiste en el alma cuando se encendieron las luces de la sala del cine + hashtag. Si no la has visto la tienes baratita en Filmin.

A FAVOR: Máxima triunfadora del último Festival de Málaga, Premio Especial del Jurado a la Mejor Pareja de Actores en el SXSW de Austin –clave para el circuito de cine indie en Estados Unidos–, y Mejor Nuevo Director en Seattle. Todo esto más una gran distribución internacional entre festivales y estrenos limitados.

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2. Hermosa Juventud

hermosa juventud oscars

¿POR QUí‰? La temática general del Best Foreign Language Film de los Oscar suele ser un buen drama social con el que empatizar. La crisis en la juventud actual es universal y si el 50% de Estados Unidos puso el grito en el cielo al ver a un homeless guapo recogiendo el premio de Miley Cyrus en los VMAs, Hermosa Juventud puede volverles locos. Ingrid Garcí­a-Jonsson está obligada a ser la revelación de los próximos Premios Goya.

A FAVOR: Mención Especial en el Un Certain Regard del Festival de CannesHermosa Juventud supera con creces a varias de la Sección Oficial de 2014–. Ingrid Garcí­a-Jonsson, Ingrid Garcí­a-Jonsson e Ingrid Garcí­a-Jonsson.

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3. La Isla Mí­nima

la isla minima oscar

¿POR QUí‰? La Isla Mí­nima tiene algo grave y muy reciente contra lo que jugar, su gran parecido con la serie revelación de la temporada pasada, True Detective de HBO. Si supera ese reto tiene el camino allanado. Porque lo que Hollywood no quiere en una categorí­a de pelí­cula extranjera es un producto que ellos pueden hacer sin problema. En cambio, si la pelí­cula de Alberto Rodrí­guez consigue separarse del tono hollywoodiense y acercarse más a la lí­nea de los Amores Perros (2000) de Iñárritu podrí­a alcanzar la meta.

A FAVOR: Parte ya como bombazo absoluto del Festival de San Sebastián, y si el término hype se puede utilizar para una pelí­cula española La Isla Mí­nima serí­a la razón.

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Bonus Track 2015: Magical Girl

*Noticias muy tristes de última hora me informan, con el corazón encogido, de las normas establecidas –y estrictas– por parte de la Academia de Hollywood: «sólo se admitirán pelí­culas estrenadas entre el 1 de octubre y el 30 de septiembre». Por lo que Magical Girl de Carlos Vermut pasarí­a a la carrera de 2015, y por la misma razón que Vivir es fácil con los ojos cerrados de David Trueba tiene todas las papeletas para entrar en el trí­o de candidatas de 2014. Dolor.

magical girl oscars

¿POR QUí‰? El debut de su director, Carlos Vermut, con Diamond Flash (2001) supuso una gran revelación en el cine indie español, cada vez más en activo. Ya sabemos, cine indie, poco presupuesto, ingenio agudizado. Al final habrá que dar las gracias a los recortes. Magical Girl es y será la locura del cine español en lo que queda de año. Recuerda por momentos a dos obras maestras como Canino (2009) o Belle de Jour (1967), pelí­culas completamente radicales y revolucionarias, cada una en su tiempo. Además, ya va siendo hora de ver brillar a Bárbara Lennie en primer plano como se merece.

A FAVOR: Protagonista clave del próximo Festival de San Sebastián y sección de cine internacional en el Festival de Toronto.

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Under the Skin: Scarlett Johansson, en ti creemos

–Do you think I’m pretty? What do you think of me?–

Uno empieza y termina de ver Under the Skin con la misma cara de hipnotismo y asombro, con el cuerpo sentado y la mente volando. Pocas veces pasa, pero es real. No es un viaje de alucinógenos, es cine potente. Otro cine. Otro cine que no va dirigido a las masas, pero que absorbe a todo el que entra. Impactando para bien o para mal. Pero impactando. Cine del siglo XXI que antes de ser cine ya llega al mundo entero en forma de uno de los mejores memes –la pólvora en términos de internet– que existen con el Scarlett Johansson Falling Down.

La corta filmografí­a de Jonathan Glazer es un curso online de antropologí­a del comportamiento entre humanos como sociedad. En Sexy Beast (2000), Ben Kingsley es un mafioso sin piedad, en Birth (2004) –obra maestra absoluta–, Nicole Kidman cree en la reencarnación de su marido muerto en un niño de diez años frente a la incredulidad de su familia. Y en Under the Skin, Scarlett Johansson no es de este planeta y viene con la única misión de seducir hombres desde su furgoneta blanca para acabar con ellos y consigue desde su ignorancia del comportamiento humano hacer una crí­tica atroz sobre las necesidades primarias de la sociedad. No está sola, sus vigilantes motorizados controlan cada movimiento y procuran que haga su trabajo. Porque el resultado de comportarse como una persona humana y relacionarse con otros aparentemente como tú se define de manera literal como sociedad. Y aprender a vivir en sociedad puede acabar radicalmente con tu plan de destrucción masiva. ScarJo se quedó fuera del remake de Los hombres que no amaban a las mujeres por demasiado atractiva, y aunque consiga pasar camuflada de choni poligonera con acento británico, convierte esa atracción en su arma letal.

scarlett

Si Under the Skin viene a representar lo que deberí­a ser el nuevo cine posmoderno reciclando géneros ya existentes en producto de calidad que me den los papeles para firmar el nuevo futuro del cine del siglo XXI. Stanley Kubrick y David Lynch unidos para dar su propia versión de E.T. con Scarlett Johansson siguiendo algunas normas del Dogma danés entre paisajes naturales y figurantes completamente anónimos. Tanto que ni sabí­an que estaban siendo grabados. Y siguiendo la corriente de la nueva oleada de directores curtidos en el videoclip como Nicolas Winding-Refn o Gaspar Noé que hacen de cada plano una experiencia de museo de arte moderno. Si hubiera que clasificar Under the Skin en un género serí­a el de terror experimental, porque no hay más terror que el que se experimenta en el miedo a lo desconocido. Pero, ¿existe el terror en la belleza? ¿Existe el terror en una música perfecta? ¿Tendrás pesadillas con Scarlett? Sí­.

Además, podrí­a soltar diez teorí­as diferentes y completamente opuestas, como que Scarlett Johansson es una desaparecida de The Leftovers que vuelve a la Tierra con ganas de venganza o un transexual que acude al cirujano con una foto de la actriz y se termina arrepintiendo del cuerpo deseado. De hecho, espero que este análisis superficial se convierta en los próximos meses en costumbre de reuniones –botellones– hipsters. Pero la única teorí­a válida, de verdad, es que Under the Skin es una obra maestra de culto instantáneo. Sin reproches.

Editada ya en Blu-ray en UK y confirmada para el Festival de Sitges, Under the Skin aún no tiene distribución conocida en España, ni falta que hace. No es una pelí­cula para las masas como tampoco lo es el arte. Tampoco lo pide.

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El sueño de Ellis: Marion Cotillard sólo quiere ser feliz

–I want to be happy–

Que a James Gray le gusta ser el rebelde de su generación ya no es algo nuevo. Como los inmigrantes que le gusta retratar en sus pelí­culas, la diferencia hace el sello. La vida de un inmigrante cuando llega a otro paí­s es gris, gris como el cine de un James Gray de familia judí­o rusa que como Marion Cotillard en El sueño de Ellis (The Immigrant), emigraron al paí­s de la libertad a principios del siglo XX. Una caracterí­stica clave de un cine con mayúsculas bien grandes de los que dejan la huella del impacto contra la realidad. Un cine que escarba en las miserias de la familia y las bolsas de basura polí­ticas y morales que conforman la sociedad. Un cine alejado del mainstream imperante que basa su lí­nea en las pelí­culas rebeldes de los 70′, cuando la pandilla de Scorsese, Coppola o Hopper cambiaron la historia para siempre. Si acaso, la cara más visible de los sucesores sea la del Ben Affleck director, que fuera prejuicios absurdos, bien lo vale.

No parece tan loco entonces que Joaquin Phoenix se haya convertido en el eslogan representante de su cine –protagonista de toda su filmografí­a menos de su ópera prima, Little Odessa (1994)–. Los Phoenix (ay, River), emigrantes puertorriqueños. Si ya en la tremenda The Yards (2000) y La noche es nuestra (2007), Phoenix lidiaba con el mal de la corrupción desde dos puntos de vista opuestos, en la notable Two Lovers (2008), Gray rompe las reglas del drama romántico y convierte a un Phoenix acostumbrado a ser el verdugo en la ví­ctima de aquello que llaman amor. Por eso, el cine de Gray es un cine sin normas previas establecidas y del que sin esperarlo consigue que abras la boca del impacto o que aplaudas en silencio de lo grande que es el cine bien hecho.

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marion cotillard the immigrant

En El sueño de Ellis, Marion Cotillard, como inmigrante polaca, tan sólo busca la felicidad –que recuerda mirando a cámara en una de las escenas y planos más perfectos vistos últimamente– en el paí­s que vende como principal pancarta el ya casi caducado «sueño americano». Un sueño americano que cuesta dinero y sacrificio, pero que probablemente te robe la moral en el intento. Aquí­, el habitual «nacida para sufrir» de Cotillard toma un nuevo rumbo y le ofrece la que en un mundo paralelo de justicia serí­a su tercera nominación al Oscar, después de obviamente, Rust and Bone. La inmigrante no hace covers de Katy Perry, pero cumple la letra de Firework como modo de vida. Gracias.

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Hermosa juventud perdida

Cuando sea rico–

Hermosa juventud perdida, única representación española en el último Festival de Cannes y… ¿la pelí­cula más necesaria del cine español actual? ¿Estamos hablando de pelí­culas necesarias? Si la cuota de nuestro cine queda cubierta en términos económicos con Ocho apellidos vascos y Carmina y Amén, que sea Hermosa Juventud la encargada de remover conciencias y pedir auxilio a una sociedad ciega ante una realidad ahogada.

Jaime Rosales firma aquí­ un retrato fiel y desesperanzador de la juventud actual de barrio que ve el término de «clase media» ya muy lejano y sobrevive con lo mí­nimo de un sueldo o pensión por familia. Un submundo sin estudios, al borde de la exclusión social, y desinteresado por la vida en general. Una juventud ví­ctima de la sociedad, ví­ctima del entorno que les rodea. Una juventud que ya no cree en el futuro porque el presente es tan negro que ni se levanta para desayunar, ni vota para siquiera ver luz en el horizonte. Nada, esta hermosa juventud no ve nada, sólo vací­o a lo lejos.

hermosa juventud

El planteamiento de Hermosa Juventud es una realidad que ha dejado de ser un caso aislado de un programa televisivo de Callejeros para convertirse en una norma general. Una norma que asusta. Generaciones enteras de jóvenes perdidas en el vací­o de la indiferencia y desinterés por la vida. Un desinterés desencadenante y contagioso como la mayor de las pestes. El desinterés y la desgana social como la enfermedad de principios del siglo XXI. Una desgana transmitida a través de mensajes de Whatsapp. Porque la narrativa visual de Jaime Rosales mezcla el casi-documental con el historial del smartphone para representar el paso del tiempo de una manera tan real que cuando llega el momento de cortar la pelí­cula el estado de shock confunde la primera persona con la tercera del singular.

Dice Jaime Rosales que la principal intención del casting era la búsqueda de jóvenes atractivos para representar esa hermosa juventud. Jóvenes que aparentemente lo tendrí­an todo para mirar la vida desde el prisma del optimismo, pero con una realidad bastante alejada. Consiguiendo así­ el contraste que golpea como un bate en la cabeza. Nadie quiere ir al cine a que le den una lección, en Hermosa Juventud nadie es más culpable que uno mismo. Natalia consigue el valor para escapar de su agujero, pero desde luego, el que se va a ir de España seré yo como Ingrid Garcí­a-Jonsson no tenga su Premio Revelación en los próximos Goya. Es lo mí­nimo que pido por esta Hermosa Juventud.

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‘A 20 pasos de la fama’: estrellas de cara b

«Si lo único que esperas en la vida es el grito del público te estrellarás.»

Algunas coristas lo tienen claro, otras no tanto. Así­ baila el último ganador del Oscar a Mejor Documental. Un recorrido en forma de homenaje edulcorado por la vida de un grupo de artistas sobrenaturales, con éxitos, intentos de éxitos, fracasos, y… ¿mala suerte?

La cara b de las estrellas de multinacional, el eco de las voces de primer plano, las que escondidas en la sombra –a veces– brillan mucho más que dónde apunta la luz del foco.

–»¿Eres tú? ¿Por qué estás detrás de ella?»– Judith Hill dio la vuelta al mundo como la voz del mediático funeral televisado de Michael Jackson en 2009. A su mejor corista, según sus propias palabras, le llegaba la oportunidad de oro de brillar en solitario. Pero su propio yo traicionaba al talento. Judith Hill, al igual que el 80% de coristas, acostumbradas a vivir siempre detrás de alguien con la fuerza para vender 1.000.000 de discos, conectar con el público y estar dispuesta a jugar al juego del negocio, no se sentí­a preparada. Paradoja que tres años después la misma Judith Hill apareciese en las auditions de The Voice USA. Claro, obviamente eso no se cuenta en el documental. Quizás sonase un poco surrealista con el tono buscado. ¿Acaso es que las coristas no son humanas? El ser humano por naturaleza tiende al deseo de destacar en algo. Algunos por simple negación del talento no les queda otra que acomodarse a lo que toca y los que tienen la suerte del talento en muchas ocasiones terminan por malgastarlo. El estrellato, por suerte o no, es una ciencia inexacta a la que no todos saben adaptarse. A veces, merece mucho más la pena vivir con tu talento intacto que malgastado o explotado. Y eso es por lo que la historia de estas coristas en forma de documental deberí­a ser ejemplo para cualquiera que alguna vez soñó.

«Creo que si hubiera triunfado mundialmente con millones de dólares y todo eso probablemente no estarí­a aquí­ ahora hablando contigo. Estarí­a en alguna parte con una sobredosis.»

Pero no creo que la mejor manera de contar un drama tan duro como el de la resignación del talento en la sombra sea a través del método de una pelí­cula Disney. Eso sí­, con moraleja. Siempre con moraleja.

claudia lennear

  [youtube]https://www.youtube.com/watch?v=2kgRq_pGN2g[/youtube]

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TOP5 SPOILER:

1. Pelí­culas/documentales que debes ver antes y/o después:

2. Paris is Burning (1990)

3. Phil Spector (2013)

4. Behind the Candelabra (2013)

5. Searching for Sugar Man (2012)

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Carminazo y Amén

–Yo no miento. Yo cuando digo algo se convierte en verdad. Y amén–

Que Paco León es un revolucionario es algo evidente. Con Carmina o Revienta la primera pelí­cula del clan León, con escaso presupuesto y estilo amateur, ya jugaba con un concepto de distribución multipantalla poco conocido en nuestras fronteras. Lo que se traduce para mal de muchos en algo poco fiable. Pero todo salió bien, la revolución encontró el efecto buscado, y muchos bajaron las manos que se habí­an echado primero a la cabeza sin pensarlo. Así­ es como se cambian las reglas, innovando en una industria de cine español prácticamente estática y con miedo a salirse de la norma establecida. Entonces, ¿Carmina underground o Carmina comercial? ¿Por qué no las dos?

Si en la primera Carmina el modus operandi a partir de 80 patas de jamón robadas aparecí­a en forma de documental experimental en familia, en Carmina y Amén el punto de partida es una tragedia familiar en forma de tragicomedia muy negra que se desarrolla con un caché mucho más elevado y un cine de calidad que no disminuye la sobredosis de carcajadas ahogadas, más bien todo lo contrario. El espí­ritu de Paco León es tan reconocible y único que, por momentos, recuerda a las pelí­culas en las que un mismo actor interpreta varios personajes, como si el Paco León de Homo Zapping cobrase vida.

yolanda ramos carmina

 

Para eso, se vuelve a recrear en sus influencias cinéfilas, en sus deseos y obsesiones: de la Divine de John Waters quien niegue que Carmina es una Divine española miente a Lola Flores pasando por la Diane Ladd de Corazón Salvaje de David Lynch, de los ataques berlanguianos al costumbrismo español –la España negra de los velatorios con hombres por un lado y mujeres por otro contra la España moderna de los centros de estética, que no peluquerí­a– a las reuniones de chicas Almodóvar y concejalas antropófagas con humor tan natural como salvaje, soltando frases que serán repetidas hasta la saciedad. Y poniendo punto final en la austriaca Paraí­so: Amor. Si Carmina Barrios es Divine meets Lola Flores, Marí­a León se encumbra como la nueva Suprema de los León. Que nadie acabe con este aquelarre.

–Carmina, yo he comido coño–

Y es una de las escenas cumbre la que regala una Yolanda Ramos hipnotizadora –¿cuándo no lo está?– que ya ganó como Actriz de Reparto en el Festival de Málaga y pide a gritos repetir en los próximos Goya, si las reglas sospechosas lo permiten y no termina en Revelación. Me da igual. Lo necesito.

Como también necesito que los León no se queden aquí­ y sigan revolucionando eso que algunos conocen como el gran cine español.

Si Berlanga levantara la cabeza estarí­a muy orgulloso. Lo sé.

carmina y amén gif

carlosbaila.tumblr.com

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TOP6 SPOILER:

TOP5 PELíCULAS QUE DEBES VER DESPUí‰S DE CARMINA Y AMí‰N:

1. ¡Vivan los novios!

2. Volver

3. Corazón Salvaje

4. La Concejala antropófaga (corto)

5. Paraí­so: Amor

 

El mundo Vs. Frances Ha

–»¡Qué vergí¼enza, no soy una persona real todaví­a!»–

Frances Ha (Greta Gerwig) vive una adolescencia alargada en un mundo en blanco y negro incapaz de entender el por qué. No encuentra su sitio. Le gusta bailar, pero no es la mejor. Perdida entre semáforos en rojo que no la dejan avanzar.

¿Y si no es Frances Ha la que está en contra del mundo y es el mundo el que está en contra de Frances Ha?

Si ya Bret Easton Ellis en «˜Less Than Zero’ (Menos que Cero, 1985) retrataba una generación X de universitarios que lo tení­an todo y no sentí­an nada –solo apatí­a–,  la generación de Winona –la generación perdida, la generación MTV de «˜Reality Bites’ (1994)– se sentí­a manipulada y engañada por la mayor enfermedad social contagiosa de la segunda mitad del siglo XX: el consumismo. Los hermanos de la generación X: la generación Y, la generación del yo, la generación blogger, la generación iPhone, viven en un mundo que cada vez exige más, pero no da resultados. Un mundo en evolución continua en el que no todos consiguen entrar a formar parte. Algunos, como Frances, se quedan atrás.

Greta Gerwig, que junto a Zooey Deschanel o Lena Dunham podrí­an formar una trilogí­a del inconformismo en el siglo XXI, junto a Noah Baumbach que sale del universo de color Wesandersiano para construir el espejo de una realidad actual con el alma de una Nouvelle Vague rejuvenecida. La realidad de aquellos marginados que viven la vida como en un melodrama sin color del que lo ve desde el lado contrario. Porque Frances es feliz en su mundo diario de ilusión, aunque éste sea el mundo inestable de aquellos –no pocos– perdidos en una sociedad que obliga a vivir la vida bajo el canon de un único patrón aceptado de manera general. Frances Ha no es culpable, se siente perdida entre la sociedad de una gran ciudad en la que todos parecen hipnotizados por un ritual zombie. Nadie la comprende, ni ella misma.

Sin embargo, la adolescencia alargada, la despreocupación por la responsabilidad, el rechazo a los problemas, la alegrí­a y optimismo que parecen haber desaparecido en los que ya afrontan la «vida adulta», hacen de Frances Ha el bicho raro que no sigue la norma.

adam driver frances ha

–»¿A qué te dedicas?

–Es un poco difí­cil de explicar.

–¿Porque lo que haces es complicado?

–Porque realmente no lo hago»

Porque Frances Ha es Manhattan, pero podrí­a ser el centro de cualquier otra ciudad, un iPhone, auriculares y Modern Love de Bowie sonando en un Spotify sin la cuenta Premium que no puedes pagar. Un punto pequeño, insatisfecho e incomprendido rodeado de una multitud –aparentemente– acomodada. Frances Ha eres tú.

«–Estoy cansada… siempre estoy cansada»

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=zCxJQQPx4rs[/youtube]

TOP6 SPOILER:

5 Paralelismos entre Frances Ha y Hannah Horvath:

1. Michael Zegen es el Benji de Frances y el Joe de Hannah. Amigos de transición.

2. Adam Driver las aguanta a las dos.

3. Hannah es insoportable arrogante que se cree superior. Frances se cree inferior, y aunque siempre «aparenta» ser feliz, es muy pesada.

4. Las dos bailan peor que mal. Es un problema si Frances quiere ser bailarina con Grace Gummer.

5. No tienen amigas de verdad porque a la larga nadie las aguanta.

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Crónica de Oscars 2.0

02.00. (hora española). Con un mundo paralizado, que 2 horas más tarde se lanzarí­a a retuitear el tuit más retuiteado de la historia en este mundo 2.0, Hollywood en todo su apogeo se reuní­a en la noche del año. El intento fallido de Jennifer Lawrence (JLaw para las amigas) en la alfombra roja, que ya debe tener por contrato ese juego de malabares, quedaba nublado por primera vez por el modo on Cenicienta de Lupita Nyong’o Vs. el Jesucristo Superstar de Jared Leto (que empezarí­a ganando el primer Oscar de la noche a Mejor Actor de Reparto por la Rayon de Dallas Buyers Club).

02.30. En su discurso de presentación, Ellen DeGeneres, la Amy Poehler de marca blanca (Hacendado) dejaba clara la intención de la gala, y no era otra que hacer de los #Oscars2014 (hastag) un especial de 4 horas del Ellen Show (obligatorio seguir su cuenta en Youtube). Resumiendo: la mejor gala de los Oscars desde la que nadie se acuerda. Y la más divertida.

Aunque pecando de un mix de humor blanco con bromas sobre el racismo, la edad de June Squibb y un dardo a Liza Minnelli que reaparecí­a en calidad de amiga de Judy Garland por el 75º Aniversario de «˜El Mago de Oz’. «˜Tenemos un imitador de Liza Minnelli entre nosotros. Hola, señor’ («˜Querida Lina. Hola. Qué tal.’).

03.00. Entre piropos de McConaughey a la verdadera superviviente del Hollywood clásico y eminencia, Kim Novak (cirujanos, por favor, cuidemos de ella), el tuit más retuiteado de la historia con la selfie de medio Hollywood (a Liza Minnelli la tapa Lupita), que deberí­a ser expuesta en el MoMA de Nueva York, Glenn Close y Bette Midler como maestras de ceremonias en un In Memoriam más duro de lo habitual (además de no incluir a la cabecera de Mad Men, Sara Montiel), el perreo del Hollywood de front-row con Pharrell Williams, y un John Travolta de pronunciación sospechosa, de la que obviamente mis amigos de BuzzFeed ya han sacado partido, presentaba a @AdelaDazeem (Idina Menzel), que como veis ya tiene cuenta en Twitter, para cantar «˜Let it go’, y que más tarde le quitaba el Oscar a Karen O por «˜The Moon Song’. El resultado de este cóctel molotov no preveí­a el hambre de Ellen, que no dudó en pedir docenas de pizzas para compartir y pasar la cuenta a la mujer más poderosa en el Hollywood de hoy, Sandra Bullock, que además de poder tiene clase y le pasaba la factura a Harvey (Weinstein). «˜Eat the pizza, bitch!’

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04.30. Con todo este espiral, daba tiempo a subir al escenario a Whoopi Goldberg para dar paso a Pink (la cantante) y homenajear a «˜El Mago de Oz’ con «˜Somewhere Over the Rainbow’, que Penélope Cruz (con Robert De Niro) entregase el Oscar a Mejor Guión Original a Spike Jonze. Escena bizarra, y grande. Que Lupita acabara premiada por la Mejor Campaña Jamás Vista, que McConaughey se abrazara a Leo en compasión por su Oscar, (aunque crea que Dios le ha regalado el Oscar y no 6.000 académicos) o aplaudir a Cate Blanchett por su discurso a favor de la buena taquilla de las pelí­culas protagonizadas por mujeres.

05.45. Alfonso Cuarón se convertí­a en el primer Director latinoamericano en ganar el Oscar, dejando a Gravity con 7 premios y siendo la verdadera reina de la noche. Pero el Oscar a Mejor Pelí­cula, sin muchas sorpresas, caí­a en «˜12 años de esclavitud’. Si la Academia de Hollywood considera que es más importante tapar heridas del pasado que mirar al futuro no soy nadie para discutirlo. Además, así­ Brad Pitt ya tiene un Oscar, y Angelina Jolie puede dejar de ser falsa con Alfonso Cuarón después de rechazar Gravity para explorar nuevos paisajes. Fin.

¡Feliz año de cine!

joseph

 

 

MEJOR PELíCULA

12 años de esclavitud

MEJOR DIRECTOR

Alfonso Cuarón – Gravity

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Matthew McConaughey – Dallas Buyers Club

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Cate Blanchett – Blue Jasmine

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Jared Leto – Dallas Buyers Club

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Lupita Nyong’o – 12 años de esclavitud

MEJOR PELíCULA DE HABLA NO INGLESA

La Gran Belleza – Paolo Sorrentino (Italia)

MEJOR GUIí“N ORIGINAL

Spike Jonze – Her

MEJOR GUIí“N ADAPTADO

John Ridley – 12 años de esclavitud

MEJOR MONTAJE

Alfonso Cuarón, Mark Sanger – Gravity

MEJOR FOTOGRAFíA

Emmanuel Lubezki – Gravity

MEJOR BANDA SONORA

Steven Price – Gravity

MEJOR CANCIí“N

Let it Go – Frozen

MEJOR DIRECCIí“N ARTíSTICA

Catherine Martin, Beverly Dunn – El Gran Gatsby

MEJOR VESTUARIO

Catherine Martin – El Gran Gatsby

MEJOR MAQUILLAJE

Dallas Buyers Club

MEJOR SONIDO

Gravity

MEJORES EFECTOS SONOROS

Gravity

MEJORES EFECTOS VISUALES

Gravity

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‘Her’: amar en tiempos modernos

–  BeautifulHandwrittenLetters.com, ¿dí­game? –

En el futuro cercano de Her, el modelo de negocio de moda es que un desconocido te escriba cartas a mano por ordenador mediante sistema de voz. También vestir para ir al Peach Pit de Sensación de Vivir (como Olivia Wilde, una de las citas fallidas de Joaquin Phoenix). Un mundo retro-futurista en el que Spike Jonze ya ha puesto su piedra. Una sociedad con la tristeza y melancolí­a como modo de vida, solo capaz de expresar sentimientos profundos a través de un aparato electrónico. Ese futuro es ahora.

El mayor problema de Joaquin Phoenix es la capacidad de regalar amor anónimamente a desconocidos y ser incapaz de afrontar su vida real. ¿Vida real? En Her, el OS1 (Sistema Operativo) viene a completar los sentimientos vací­os de todo aquel que necesite compañí­a. Samantha, –mediante previa instalación de software– o Scarlett Johansson, (V.O., por favor) aparece como el halo de vida que Theodore necesita en ese momento. Samantha cumple todos los requisitos: se rí­e de tus chistes sin gracia, es tu secretaria personal, abierta, extrovertida, con ganas de conocer mundo. Pero es un OS1. Un clí­max de sentimientos reales, pero con fecha de caducidad. Samantha no es una persona a la que puedas tocar, pero te mantiene despierto y te hace feliz. En busca de una relación complaciente que por defecto no lo hace en todos los sentidos, una relación que cure las heridas pasadas. –«You’re dating with your computer?»–, Rooney Mara, como ex mujer de Theodore (papel en principio de Carey Mulligan, que dejó por Gatsby), viene desde La Red Social con el cuchillo afilado de Aaron Sorkin («Good luck with your video game»). Esa Rooney Mara cubre lo que Theodore no ha sido capaz de afrontar en la vida: el matrimonio. La relación de pareja real, la que un dí­a te hace el desayuno y al dí­a siguiente no. Las relaciones que duelen y terminan.

Si en la maravillosa I’m Here (2010), Spike Jonze ya jugaba al amor entre robots con el dolor de las relaciones egoí­stas que te roban cada una de las partes del cuerpo, en Her utiliza la angustia del divorcio y fracaso sentimental para preguntar a gritos qué es eso del amor. Aquí­, la Samantha de Spike Jonze habla por Scarlett Johansson, sustituta a última hora de la elegida por el, en principio, co-guionista, Charlie Kaufman (Cómo ser John Malkovich, Olví­date de mí­), Samantha Morton. ¿Cuál es el problema? La historia se convirtió en algo realmente muy personal.

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Spike Jonze – Sofia Coppola (1999-2003). Spike Jonze y Sofia Coppola llevan jugando al gato y al ratón desde que firmaron los papeles de divorcio. Si Lost in Translation (2003) serví­a como declaración de intenciones por parte de <<la Coppola>>, dejando al bueno de Spike en los agradecimientos de los créditos, y la sospecha general de su representación de relación asfixiante y monótona, con un novio fotógrafo y de carácter apático. Her viene a ser la respuesta de Jonze a los sentimientos de esa parte de la pareja egoí­sta y manipuladora. ¿Quién es el bueno?

Lost in Translation, una de las pelí­culas más importantes y descriptivas de la primera década del siglo XXI. La soledad en los tiempos del iPod. Si Scarlett Johansson ya se aburrí­a y se distraí­a cantando en karaokes de Tokio con Bill Murray no quiero imaginar lo que harí­a con un OS1 – con ella misma –. Aquí­ la soledad ya no es un modelo de vida opcional, es prácticamente una norma aceptada por la sociedad. El mundo al que nos dirigimos como una flecha. Por eso no resulta tan loco pensar en un futuro mucho más cercano de lo que en principio se nos vende. Samantha (Scarlett Johansson) es un Sistema Operativo, Siri también lo es. Esto ya es la soledad en los tiempos del iPhone (todo en uno), y solo han pasado 10 años. ¿Sientes un derrumbamiento de ánimo cuando la baterí­a de tu iPhone desaparece y no dispones de cargador a mano? Si la respuesta es correcta, probablemente no tengas que acudir a ningún médico especialista, sino ir corriendo al cine a sentir una catarsis emocional con Joaquin Phoenix y abrazaros con compasión. Porque Siri no dispone de una App con sustituta de carne y hueso. Siri es lo que es, <<alguien>> disponible 24h para cualquier consulta absurda que se te ocurra. Y con millones de complacidos alrededor del mundo.

Cuando en este futuro cercano, una empresa asociada al OS1 atrae a los clientes poniendo cuerpo deseable a la voz del sistema operativo crea el conflicto esperado. Como si en 2013 tu videoclub online te enví­a las pelí­culas a casa a través del correo ordinario (Netflix). Conflicto de conceptos. El amor en tiempos modernos.

lost her2

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=3vddb8wo42M[/youtube]

TOP6 SPOILER:

1. Lecciones que nos da Her:

2. La llama del amor tiene fecha de caducidad.

3. Las redes sociales han asesinado las relaciones en pareja cruelmente.

4. La mejor amiga del mundo se llama Siri porque nunca protesta por nada.

5. Las prostitutas no satisfacen tanto.

6. Spike Jonze y Sofia Coppola, gracias por el divorcio. 

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